在這個展覽，沒有一件作品出自Wes Anderson的「手筆」，沒有分鏡圖、沒有道具服裝archive，更沒有拍攝用的微縮模型，只有粉絲們意外拍到的對稱構圖、復古風的攝影作品，還有神還原的接待處、泳池跳台、紅白條紋燈塔場景，以及用上”Made in Hong Kong”服飾重演的電影造型，可以說是大型的fan art現場，甚至是同人展。是一個怎樣的導演，可以風靡世上萬千男女？
B：本地品牌röyksopp gakkai設計師Brun Chan
A：南豐紗廠市場及傳訊部總經理Amanda Lee
D：Good Work Collective聯合策展人Daniel So
先談談「入坑」的起源，你們第一套看的Wes Anderson作品是哪一部？
D：我第一套看的是《小學雞私奔記》，之後就再看他的舊作，買了他的書，從中學至今已經喜歡了十多年了。
A：《布達佩斯大酒店》，第一次是在戲院看，後來為了做這個展覽，又到串流平台重看一次，感受好像又有點不同了，初時只覺得電影的畫面吸引，翻看時又會思考多一點，體會到電影背後想帶出的訊息。
B：我第一套看的《癲才家族》，是比較冷門的，那時我還小，不了解這個導演，但仍覺得電影很有impact：會有
黑暗的自殺畫面、小朋友吸煙場景，後來也因為《小學雞私奔記》而變了粉絲，因為我很喜歡舊、復古的東西，還有歐洲的童裝古著，就覺得他的作品看似夢幻，但其實內裏是很黑暗。
很多導演也有自己的美學風格，但偏偏他吸引了很多人去模仿，《ACCIDENTALLY WES ANDERSON》（簡稱「AWA」）就是一個例子：由美國攝影師Wally Koval夫婦創立了IG帳戶，收集世界各地因色彩、構圖與建築風格而意外呈現導演風格的實景照片，迅速走紅後推出同名攝影集巡迴展覽。這個複製行為的誘因是甚麼？
D：他早期的作品，其實沒有那麼”Instagrammable”，例如《癲才家族》色調並非pastel風格、《大吉利是有限公司》也不太強調對稱美學，他比較想導出人與人的關係。只是到了推出《布達佩斯大酒店》（二◯一四年）時，剛好是社交媒體爆紅的時期，pastel、對稱風格滿足了IG攝影的條件，往後不知是有心還是無意，風格就定調起來。
B：其實《狐狸先生無得頂》和《大吉利是有限公司》也有類似風格，只是不強烈，你提到社交媒體出現催生了大家對畫面的追求，的確突然有很多人討論他的運鏡，例如tracking和pans等，再加上他沿用的字體，整個風格忽然非常鮮明。
D：Instagram上還有他的濾鏡呢，普通人也可以加些類似的音樂、字體，易於模仿、accessible，就是大家勇於模仿的原因，例如你不能輕易臨摹路蘭的作品。但這引伸到另一個問題，就是他是否只聚焦於包裝呢？近年不少人評價他的電影故事很空洞，大家是為了那個包裝而觀看，故事結構和呈現的方式都有所變化，我覺得這個討論和社交媒體很有關係。
你怎樣看大眾臨摹他的作品？
D：我覺得這個沒有對與錯之分，不論年齡、文化水平和看戲的資歷，只要你能enjoy得到，這就是他的功力。
B：要成就到大家都能access不是易事，如果透過他的電影令到大家對藝術或者審美的追求提高了，可能都是一件好事，我自己也因此開始多留意身邊的建築或小物件，發現好像是他的電影會出現的東西時，我會記錄下來，所以也不算是一件壞事。
別人對他的評價可能好壞參半，那麼你自己喜歡Wes Anderson甚麼？
D：我認為好的作品是，可以達到雅俗共賞的效果，Wes Anderson厲害的地方是不論你把他的作品端給一個「偽文青」看，還是給一個movie fanatic看，他也會感受到不同的東西；例如一些藝術派的導演作品，可能太avant-garde，只能滿足5%的影迷，但Wes Anderson就是能在美學、故事、和演員陣容上滿足大眾。
B：從畫面而言，我自己喜歡舊的事物、看歷史，他對文化和歷史有深入研究，會基於年代去調整電影的幅度、調色。另外你會發現其實Wes Anderson是一個不開心的人，同時又很浪漫，他的角色都是寡言的，將感受藏在心裏，人物之間不會用言語表達情感，卻能以互動展現自己的愛。《小學雞私奔記》的主角一開始只用書信來往，《布達佩斯大酒店》又會用密碼溝通、男門僮拼命拯救餅店學徒，甚至《癲才家族》中兩個沒有血緣關係的兄妹相愛，都展示出電影陰暗而浪漫的元素。
A：我比較喜歡電影的每一個場景，它用畫面去呈現歷史故事，以服裝等表達，你好像在看一套電影，但又能代入歷史故事。
D：他有很多層次，好像在吃一道菜，可以咀嚼到不同味道。
你每次看也咀嚼到不同味道嗎？
D：之前有陣子和家人的關係不太好，看《大吉利是有限公司》的時候又會有一個新的領悟，第一幕男主角之一的Peter（Adrien Brody飾）自己帶着去世父親的行李追火車，最後一幕離開印度時，他們三兄弟為了追火車，一邊跑一邊把父親的行李丟掉在地上，這類救贖的故事，很多時可以為觀者當下的生活有所啟發。我喜歡他作品對人際關係的討論。
Wes Anderson不少作品場景都是刻意佈置的，是一個staged的表演，但在《AWA》這個視覺企劃中，卻是「偶然」發掘生活中很Wes風格的事物，你怎樣看這兩者之間的微妙關係？
D：我去過深圳的展覽，也有follow他的Instagram，發現Wes Anderson「加持」了這個企劃，他說「書中的照片都是由我從未看過的人拍攝，地點與景物我也從未親眼看過（幾乎毫無例外），但我也必須說：『我打算去看看。』這裏面收錄了大約兩百個地點，應該夠我忙幾十年了，但我不想錯過其中任何一段旅行經驗，尤其是克羅地亞的這個鬆餅攤（第95頁）。」他的作品是staged的，關於一個邊緣人的self discovery，而AWA很有趣的地方是，表面上是展示置中的相片的美態，但底層是鼓勵大家去冒險；例如原來有個地方叫Namibia（納米比亞），是非洲的一個共和國。所以我認為Wes Anderson就是在discover自己，而AWA就是在discovery不同地方，乃至一個你很熟悉的地區，當中一個意想不到的美麗角落。
B：我猜Wes Anderson沒有預計過自己的美學可以延伸到這麼遠，其他導演流傳下來的經典可能是一些故事內容的探討，但Anderson的焦點則是其美學和用色，這大概是他的一個驚喜？剛才提到他的場景都是搭建出來的set，但我卻不認為他跟現實脫離，很多是他會以一個真實的地方為原型，只是將其扭轉得夢幻和誇張，例如布達佩斯大酒店也是以實際地點（普普大飯店）為藍本設計。
這又衍生了另一個討論，到底他的作品沒有「脫離現實」，還是讓觀眾暫時逃離現實？
D：我覺得它是一個糖衣包裝，以超現實、很美的外殼包裝一些很殘酷的故事，給人一個escape，如果你硬生生去演出一個很慘的故事，有時候會太赤裸裸，包裝後會容易點「入口」，也有更多留白的幻想空間。
B：我不肯定他算不算讓人脫離現實，反而覺得你可以代入很多電影角色，找到一些同感。
D：我經常跟一些做電影的朋友和Wes Anderson粉絲討論，你覺不覺得他的電影好像查理‧卓別林，用默劇的方式走幾步路，你已經意識到這是他，Wes的作品也是，角色講對白的節奏，沒有導演會這樣處理，當時查理・卓別林就是在大家很窮的時候提供娛樂，現在的社會不是很窮，但可能心靈很窮，Wes就用一個喜劇的形式去講一些很殘酷的故事。
如果要找一個地方批評他，那會是甚麼？有些人認為他開始「食老本」，只著重畫面，故事結構變得有些鬆散。
D：我倒是不覺得，他每個故事都會有一個孤兒，用幽默的方式訴說家庭的張力，例如最新的《腓尼基大作戰》也很符合他的主軸，戲中的父親快去世時指派女兒為遺產繼承人，但其實女兒只見過他數次，故事講述他們如何修復父女關係，所以可能是他的風格很一貫，大家會覺得他「翻炒」，但主軸是沒有變的。
B：我最近看的是講外星人的《小行星都市》，也是關於拯救自己，每個角色背後也有自身故事和缺陷，但又有可愛和搞笑元素，都是一直沿用的敘事手法。
D：回到你的問題，其實喜歡一個導演也好、樂隊也好、歌手也好，你不會針對單一作品而有負評，反而是著眼他的蛻變，他在找尋自己，整個旅程是很有趣的。
這個視覺企劃《AWA》先後在首爾、倫敦、東京、洛杉磯等城市巡展，今夏首度登陸香港南豐紗廠，你覺得這次的展覽跟其他國家的展覽最大分別是甚麼？
A：最大分別一定會是「香港」元素：首先就是南豐紗廠是由舊建築物改建，背後理念是透過這個空間，連繫香港不同的社羣，從藝術文化，到紡織的未來，所以我很喜歡展覽中「香港主題區」，從Wes Anderson的美學延伸到香港的建築物。策展途中方知道香港有這麼多專業的攝影師，他們參照導演的美學，再用自己的鏡頭呈現香港不同社區的場景，繼而是服飾展區展示了七十年代香港製造的服飾⼯藝，復刻電影中的經典造型，可以看到香港不同年代的文化、人民生活，也連繫到沙廠與香港紡織業的開放年代。
B：服飾展區展示了七十年代香港製造的服飾⼯藝，復刻了電影經典造型。服裝是講故事的元素，可以用物料、圖案、配色和道具突出人物性格，觀眾就可以從微小的位置發掘到hidden gem。
用一個形容詞形容Wes Anderson。
D：雅俗共賞。
B：「無口（むくち）」。是一個日本動漫的形容詞，形容角色不太言語表達自己。
A：未必是一個形容詞，我會說是「旅程的展開」，就如這個展覽，不是故意為之，而是累積了一羣人的攝影，透過「電影」去發掘「日常」的旅程。