周五的M+夜裏，翻騰三周半（翻騰）與That’s My Shhh（TMS）在「M+夜不同： 脈動如詩」節目中受邀同場演出。前者專注於在香港普及爵士樂，後者來自台灣，結集hip hop、街舞等不同界別的藝術家。兩個團隊源自不同脈絡，卻分享着相同的創作邏輯——以社群為核心。普遍香港音樂人演出機會不足，在串流年代，獨立音樂人是否仍然需要固定樂隊身份？還是可以透過社群，另覓創作空間？翻騰與 TMS 為本地音樂場景帶來了怎樣的啟示？
一般傳統的音樂組織方式，是組樂隊、寫歌，順理成章出唱片、辦專場。又或是加入音樂廠牌，讓公司協助處理製作、發行。而翻騰和TMS則展示另一種創作模式，他們不是一個廠牌，沒有合約關係，而是一個平台、一個藝術空間。兩者同樣沒有固定編制，演出成員自由流動，甚至聚集跨界別藝術家，一同進行創作。
翻騰由多位爵士樂手共同創立，跳出傳統音樂院校的訓練，他們在新蒲崗工廈租下過千呎單位，建立實體音樂空間，旨在推廣爵士樂。翻騰不只是演出團體，除了創作和演出，也會定期舉辦課程和Jam Session，與不同單位合作，進行一系列的示範講座。他們網頁上有部落格發佈文章，細寫音樂歷史、藝術評論、音樂推介，以不同形式提供音樂教育。
TMS源自2016年由音樂人LEO37和舞團IP Lockers共同策劃、為期半年的計劃。當時LEO37有感台灣Hip Hop活動受限於演出場所，只能在夜店演唱派對音樂。他們自發在Legacy Mini創造自己的舞台，進行每月一次的「That’s My Shhh」現場演出。轉眼十年，TMS和無數單位合作過，發行了實體唱片、辦年度盛演，將台灣黑樂和街舞人才匯聚成community。
這種社群模式其來有自，亦與他們所玩的音樂類型大有關係。從Jam Session到Cypher，爵士與Hip Hop長久以來，透過即興文化建立創作共同體。
Jam Session是爵士樂的社群起點。二戰時期，社會不穩、經濟不景，表演機會銳減，加上強制徵兵令令不少樂手被徵召入伍。爵士在四○年代中期迎來風格轉變，踏入Bebop咆勃時期。越來越多樂手不滿足於跟從樂譜上的固定編排，脫離大樂團（Big Band Swing）的商業化編制，轉而強調個人演奏能力和即興技巧。由數十人以上的編制減少至五、六位的演出單位，為樂手騰出空間作自由發揮。年輕音樂家（大部分來自非裔，其中以Charlie Parker為代表人物）最先聚集在紐約哈林區的地下酒吧和爵士俱樂部（如 Minton’s Playhouse），在正式演出的結束後，樂手繼續留下來即興演奏（Jam Session）。他們一邊討論音樂、一邊輪番較技（Cutting Contests），實力不足的樂手會被cut走。當年這班音樂人的互動與交流，無意之中推動爵士樂的演變。
無獨有偶，Hip Hop文化孕育於七○年代的紐約布朗克斯的街頭。當時大批非裔、拉丁裔等不同民族的工人聚居於此，是為邊緣社區。在缺乏文化資源的環境下，DJ開始在社區中心、街角和公園舉行Block Party（社區派對）播放音樂，聚集鄰居。通過rapping、beatbox、街舞和塗鴉表達自我、宣泄情緒，也是對主流音樂、社會現狀的一種反抗。Cypher是Hip Hop的創作核心，參加者圍成一圈即興饒舌或跳舞，將演出視為創作過程。Hip Hop裏的Cypher和Jazz的Jam Session看似屬於兩種文化，卻承擔相近功能。一方面提供學習交流的機會，另一方面提供社交場所，幫助他們認識志同道合的朋友。它們不僅是切磋技術的舞台，更是一群創作者定期聚集、交流和建立關係的地方。場景形成群體，作品是即興和交流中自然誕生的結果。
時間快轉至今，翻騰和TMS承傳了這種社群文化。翻騰和TMS輪流上場，由八點半直至午夜，不間歇地玩6個set。每場編制皆有不同，輪流演出組合和個人作品，充分展現各單位的獨特魅力。在M+博物館半開放的空間，觀眾隨意流動，可以自由進出或參觀展覽。
當晚演出，翻騰的選曲平衡了經典作品和原創曲目，包括演繹《Father and Son》、《River Styx》、結他手Michael Chan的原創《Clarity of Mind》、色士風手Brian Cheung將推出的新碟《Kangaroo》其中幾首新作。完整演出編制包括鼓手Samuel Chan、Bass Nelson Fung、結他Michael Chan、Tenor Sax. Timothy Wan、Alto Sax. Brian Cheun和Keyboard Bowen Li。
TMS帶來了八個單位組成演出，由BRADD、Dac、Flowstrong、FRaNKIE阿法、Lazy Habits、LEO37、Robot Swing（昭元、恩立、小民）和IP Lockers（囂張、Diao）共同參與。個人與集體作品之間界線模糊，Rapper、舞者、樂手一行十幾人浩浩蕩蕩上台演出，詮釋Hip Hop、R&B、電子等不同類型。最後一Set TMS所有單位同台共演，氣氛熾熱，台下觀眾互相搭肩，組成人龍繞場而行。觀眾氣氛帶動台上演出，情緒的流動展現出現場表演的價值。
對香港音樂人而言，翻騰和 TMS 的價值或許不在於它們創作了多少作品，而在於它們示範了一種建立場景（Scene）的方法。香港缺乏的不是音樂人，不同的音樂類型都持續有新作品誕生。然而相比作品，香港或許更缺乏讓創作者持續相遇的空間。大多數音樂人通常一年只進行幾次演出，以出唱片、辦專場為經營目標，卻缺少一個定期聚集、交流和合作的聚腳點。當演出變得稀有，每一次上台都承載著成果展示的壓力；創作者之間的關係亦容易停留在個別合作，而難以發展成長期社群。而翻騰和TMS透過持續演出、流動合作和共享空間，建立一個能夠孕育作品的場景。假如香港有更多翻騰的出現，有更多人願意持續投入社群之中，將為本地文化景觀帶來深刻改變。
