OKURA店主Frankie與Cyrus夫妻倆鍾愛日系時尚，二人利用多年來累積的經驗展開了自己的小生意。

在以往被某大集團壟斷的加寧街一帶，藏着日系時裝友的寶庫。

源於生活的選物店文化

OKURA店主Frankie與Cyrus夫妻倆自畢業後便一直在時裝行業打滾，也曾經在大集團當過buyer，鍾愛日系時尚的二人利用多年來累積的經驗展開了自己的小生意。「日文店名“OKURA”一字，有『寶庫』的意思，店裏除了服飾，還售賣各式各樣的生活雜貨，就是希望客人來到這裏會有一種尋寶的感覺。」曾經在日本留學的Frankie對日本的時裝文化情有獨鍾，尤其是選物店文化，「在日本的購物體驗與香港截然不同，香港的店舖大多清晰地分門別類，服裝店賣服裝、家具店賣傢俱；但在日本，有很多時裝店都將家品小物與服飾結合，這類型的select shop在香港就很少見。」，對Frankie而言，服裝店最理想的模樣不單純是提供服飾，舉凡生活用品、服飾配件到文具用品都由店主為客人挑選，是結合時裝與生活的一種購物體驗。「客人第一次來到，可能會先留意到這枝筆，下次再來，可能是這個模型，也許下一次再到訪，才會注意到我們的服飾，但這又有什麼問題呢？這樣一層一層地循序漸進，我們與客人建立的關係也更深入。」

木質的裝潢貫徹日系氛圍；屋子形狀的招牌、柔軟的地毯配沙發，予人一種家的溫暖感覺。

在日本逛街，總有一種花多眼亂的感覺，每走進一間選物店，都像進入了一個平行時空，它們有着自己的性格和故事，就如人一樣，一時三刻摸不清，必須花點時間才能好好了解。OKURA同樣有着自己的個性，木質的裝潢貫徹日系氛圍；屋子形狀的招牌、柔軟的地毯配沙發，予人一種家的溫暖感覺；充滿設計感的特色小物遍佈店裏每一個角落，如果它是一個人，大概就是一個充滿鬼主意、讓人猜不透的暖男吧。

OKURA引進日本手袋品牌ZATTU，手袋採用品牌最著名的物料Microfiber Suede超細纖維絨面打造，不但非常輕身，而且抗磨耐用。
ZATTU BAG $1,980 (左)/ $3,480 (右)

充滿設計感的特色小物遍佈店裏每一個角落，全都由店主為客人挑選，是結合時裝與生活的一種購物體驗。

逆流創業不等於「自殺」

在寸金尺土的香港開店做生意，對很多人而言與「自殺」無異，是什麼驅使Frankie和Cyrus如此膽粗粗地創業？開店的初心其實很單純，Frankie認為：「香港人對日牌的認識與喜愛從很久以前便開始，然而本地的時裝店無論在風格或是進貨的方向都較為單一，也許是為了迎合本地的口味，導致現時很多香港人對日牌的認識依舊停留在 COMME des GARÇONS、UNDERCOVER、Yohji Yamamoto這些潮牌之上。」相比起店主，他覺得自己更像是一位介紹人，將小眾而又高質的日牌引入香港，將好物介紹給香港人，才能功成身退。「現在每天上Facebook、IG，新事物多到接收不完，在這樣的資訊洪流下，如果我還能夠找到一件讓你『嘩！』一聲的東西，那已算是很了不起的事情了。」看似樂觀，但Frankie也坦言，在香港經營服裝店的確困難，他形容很多服裝店淪為「試衣室」，「即是當你在網上看中某個品牌的服飾，然後得悉某些本地小店亦有售賣，於是便到店裏試試身，再以較為便宜的價錢在網購平台入手。」即便洞悉了香港人的購物習性，但Frankie卻並不介意，他認為如果客人因OKURA而認識了一個品牌，即使最後他選擇了到網上購買，自己也算是成功為客人介紹了一個精心挑選的新品牌。從中環善慶街到K11 Musea，再到銅鑼灣加寧街，夫妻倆對三間分店有着不同的感情，中環舊店因業主企硬不減租，只好忍痛割捨，幸好緊接着便有發展商向他們招手，「原本這條街充斥着某大集團旗下的品牌，但發展商不想選擇太過單一，希望引入一些有特色的選物店，於是便聯絡了我們。」二零二零的確是難捱的一年，但也有很多事情在我們不知不覺間默默地改變，也許只要不放棄，總會迎來曙光。

Frankie與本地新進設計圈子的關係密切，得悉某些本地設計師的品牌找不到寄賣點，便在店裏留了兩道牆，擺放他們的作品。

扶植本地時裝幼苗

要說OKURA是日系，其實也不盡然，因為店內除了數之不盡的日牌，還有兩道放滿本地設計的牆。「自己畢業於香港理工大學Fashion Retailing，身邊亦有很多本地設計師朋友，加上這些來在服裝業的經驗，令我深深明白到在本地做服裝設計其實不難，難就難在你設計了一件衫，也不知可以在哪兒賣。」即使畢業至今多年，Frankie與本地新進設計圈子的關係依然密切，得悉某些本地設計師的品牌找不到寄賣點，便在店裏留了兩道牆，擺放他們的作品；聘請店員也優先考慮本地服裝設計系的學生，因為Frankie認為：「他們熱愛時裝，也很熟悉每件衣物的特性，而且經常和客人分享他們的知識，聊得不亦樂乎；反之大牌子售貨員的嫻熟老練，倒不是我想要的東西。」一個小小的寄賣點，在旁人看來也許沒什麼大不了，但我們都知道，對於本土文化而言，哪怕是多微小的支持，都足以令香港時裝「起死回生」。回頭看着店門外本地插畫家BO LAW那幅鯨魚wall painting，頓時覺得加寧街充滿了香港的味道。

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記着一些深刻

「可以突然地、隨意地發生，可以經過等待、認真思考，也可以在不同地方發生，總之隨你喜歡。」紋身對小明而言是這樣一回事。你以為很隨便嗎？其實背後原因認真得很。「我們的樣貌、膚色、出生在哪裏，全都無得揀，唯獨是紋身，是真真正正屬於自己的一次創作。」在種種我們無法控制的因素裏，找到自己能夠掌握的事情，任何尺度、任何部位、任何圖文，這就是紋身的魔力。與大多數人一樣，小明的第一個紋身同樣別具意義，「那時外婆離開了，我在手臂上紋了“Reunion”，是團圓的意思」，這是她第一次在皮上刻下自己的人生。「我們赤裸來到世上，身體是衣裳，經歷過高低起伏，將想說、想記住、想表達的事紋上，接受一些痛楚，記着一些深刻。」每個人記事的方法都不一樣，小明選擇把它們記在身上，包括離婚後，因傷痛而紋的，也包括所有在經歷谷底時紋的，哪怕是一時衝動，回過頭看覺得圖案依然美麗。唯一一次cover-up紋身的經歷，也跟自身經歷無關，只因遇到了一位不負責任的紋身師，把別人的作品搬字過紙地紋到她身上，出於尊重原創的精神，只好把它遮蓋掉。

東南亞紋身地圖

生活在香港，但身上近九成紋身都不在香港紋，小明名副其實是一幅移動的「紋身地圖」，每一個圖案背後都是一個個動魄驚心的流浪故事。喜歡挑戰、感受不同文化、體驗落後國家，小明最愛的自然不是日本、台灣、泰國這些港人熱門旅遊勝地，「某些地方等退休再去都得啦！」未被發展的、充滿原始氣息的，才是她所追求的。在落後國家的紋身店裏，想當然不乏有趣的故事。那時候小明一年遊歷十幾個國家，在旅途去到一半時，累積已久的疲累、家人的不理解，種種原因令她的身心接近崩塌狀態，「在蒲甘失去力氣，風塵僕僕地找到一個簡陋木屋，與那只懂緬語的刺青師說：『我要大樹』，堅定不移地。」她把“STAY STRONG”與一棵樹紋到手臂上，好讓自己毋忘初衷。而這個紋身的過程也相當不得了，它出自緬甸一個小村莊的紋身店，在設備落後、滿佈蒼蠅的紋身店裏，不懂英語的紋身師以原子筆及軟尺於她的皮膚上起稿，這樣「原始」的紋身真的不是個個敢試，但卻是充滿冒險精神的小明珍而重之的體驗。

緬甸、印度、柬埔寨，在落後國家每次紋身都猶如尋幽探秘，埋頭鑽進一條又一條小巷裏搜索刻着“Tattoo”的招牌，尋找那絕無僅有的紋身師，「我會上網找當地的紋身師，但通常都只有十個以內。因為這個職業仍被視為唔正經，所以未有太多發展。」除了一店難求，當地人對紋身的態度也相當保守。在德里一家紋身店裏，小明被紋身師千叮萬囑隔天一定要回去讓他拍照，後來她才得知，原來自己是該紋身師至今接觸過，敢將圖案紋於身體明顯部位的女性，皆因印度女性即使會紋身，亦只會紋在衣服能遮蓋的部位。除了緬甸的大樹，還有恆河旁的火焰、荒無人煙的村落、農夫日以繼夜的播種收割、德蘭修女之家的老人牽着義工雙手當作親人，路途上的人與事小明都不想忘記，便把它們一一刺下來，比起打個卡、買兩件手信，來得更刻骨銘心。

夠堅定就不會怕

自由二字對小明而言是「可以隨意、安心地做到自己想做的事情。」與她愛紋身的原因同出一轍。她認為香港人給自己太多限制，例如流浪一事，只要有心，金錢就不是重要的考量，因為無論走到哪裏，始終會找到自己的安樂所。「其實人生就是充斥着害怕、恐懼、喜與憂，很多事情都在於你有幾想做，想做就會衝破心理關口去做。」紋身亦然，回望身上的每個印記，三年也好，五載也罷，全都定格在每個當下，曾經有過的情緒並沒有隨着褪色而變淡，反而令她對自己更加堅定，「夠堅定就不會怕。」流浪是一種練習，紋身亦如是，只需要記住——想但沒有做，等於不想。

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「如果你不了解關於紋身的一切，只是每當看見紋身，便也想擁有一個，then you’re not ready for that」，擁有二十年紋身經驗的越南裔法國紋身藝術家Leon Lam-Hien如是說。關於紋身，古人把它看作與社會、宗教，或是刑罰連結的符號；現代人當作fashion，彰顯品味與個性，然而對於把紋身視作生命一部分的紋身師，紋身，便已超越紋身本身。在談及Leon的紋身生涯時，他總是對紋身以外的事侃侃而談，時代、文化、人生，以至香港的教育，但有趣的是，最終又會回到紋身上，他對紋身的見解，也許會帶你進入一個新世界，教我們以意想不到的角度看待紋身。

真正的紋身源自內心

生於越南Saigon（胡志明市），到現時居於香港西貢，Leon笑說自己也不曾想過，一切也許正是緣份。十年前移居香港，在此處與同為紋身師的妻子Nami結緣，現時他們與女兒Saya在西貢過着半隱居的生活，「我不喜歡煩囂的市區，也不着重宣傳與推廣我的紋身事業，想找我的，自然會找到我，就像今天你來到這裏一樣。」字裏行間流露出瀟灑與脫俗，也許正是二十年間的遊歷所得。現時以Blackwork風格聞名，帶點潑墨感覺的紋身正是Leon的招牌作，但他從不讓自己局限於一種風格，皆因對他而言風格並不重要，重要的是人。曾經有客人帶着Leon十年前的作品，希望他能幫自己再紋一個，「你來遲了」，Leon對那位客人說。十年前的風格他不想再紋，因為當時的自己與今天的自己已截然不同。「對我而言，紋身的意義是self-perfection，不同階段的我有不同想法，從前追求完美直線，現時女兒的稚氣畫風卻令我重新思索何謂完美。」Leon認為紋身靈感全都源自身邊的人與事，與個人情感密不可分，與流行風格無關。

從油麻地、太子，到西貢，香港對Leon而言是個獨特的地方，速度、人口、發展，全都令他覺得匪夷所思，就連紋身的發展亦如是，「十年前香港的紋身師寥寥可數，今天卻已遍地開花。」發展急速帶來的利弊Leon坦言不予置評，然而對本地紋身師及香港人關於紋身的教育卻是必要。「無論紋身抑或整個社會，香港人都被局限於既定的系統裏，一切都關乎marketing，我們每日都受到朋輩與網絡的影響，就連紋身很多時候也不是發自自身，看到什麼便喜歡什麼，這樣的紋身沒有了靈魂，自然談不上意義。」對於即將在香港接受教育的女兒，Leon與Nami坦言擔心女兒受填鴨式教育影響，「當別人將未經思考的想法灌注給你，你又不假思索地傳達開去，就如紋身一樣，之所以會後悔，因為從頭到尾想法都不是發自你的內心。」

將過去轉化

Leon的紋身生涯從自己的房間裏開始，自十七歲擁有了第一台紋身機，家裏便湧進了紋身愛好者，後來更因為太多人叩門，必須搬到市中心方得以繼續。「那時候找我紋身的人不會想太多，他們大多單純地想紋身，直接問我：『我身上有兩百元，可以紋什麼？』」那時候沒有Instagram、沒有Facebook，甚至沒有電腦，人們想紋的，大多來自自己的想法；現時受名人的影響、紋身師的市場策略、人云亦云的風氣，環環相扣底下，紋上身的不再發自內心，怕後悔，也不足為奇。Leon不乏替人做cover-up（遮蓋紋身）的經驗，「錯的不是圖案本身，而是對過去的否定。」他認為遮蓋紋身，抑或改圖案都沒有問題，但他需要客人理解，cover-up不單純是「以大遮小」，而是一種“transformation”，他會想辦法將原先的圖案重新與身體連結，而不是硬生生地把顏色蓋掉。對於我們留在身上的回憶一樣，與其費盡心思把它們除掉，不如學會接受，帶着它們成為更好的自己。「只要在最上面的圖案夠美，誰又會在意它的過去？」

紋身因人而美

「回歸初心，會喜歡上紋身藝術，是因為其『無形』，就像游走於沙漠之間，最初你可能會急着尋找他人的足迹，慢慢地卻會發現，其實沒有所謂必然的道路，你愛怎樣走，就怎樣走。」生於香港社會，受到教育及大氛圍的影響，我們難免會迷失自我，「紋身？我怕後悔。」對於多數紋身初歌的顧慮，Leon一笑置之，“Time shapes our mind”，隨着年月過去，姑勿論紋身，同一件傢俬看久了都會生厭，但那又怎樣？人會變，審美觀隨之而變是人之常情，重要的是學會去珍惜每個階段的自己，不為過去而羞愧。Leon認為紋身之所以美麗，全因它紋在人的身上，「人與紋身的連結很奇妙，當一個人對自己沒有自信時，他的紋身也隨之失色；反之當他懂得欣賞自己，身上的紋身在他人看來自然美麗。」人與紋身的關係可能比你想像中更深、更久遠，在Leon的紋身生涯中，紋身是配角，做人的道理才是主角。

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利時商場一隅

從前多少新銳品牌發跡於此，如今利時商場竟有人去樓空的荒涼味道。

未知生，焉知死，說到本土時裝是否已死，在千瘡百孔的當下，不得不邊緣回望上世紀九十年代的風騷，那時候的本土時裝，是由民間自發性孕育出來的百利商場潮流基地、時裝女皇Winifred Lai（黎堅惠）創辦的《Ameoba》、獨立創作人Peter Wong（黃源順）主理的《時裝人內部傳閱》，加上一批本土時裝評論人、模特兒、攝影師、production house、hair and makeup，及一眾年青設計師，加上貿易發展局的推廣的氛圍下，形成百花齊放的局面。當時的香港時裝確實有一份自信，得到不少本土消費者的支持和尊重。可惜千禧年後潮流趨向速食和街頭文化，消費者轉向追求國際名牌，對本土設計失去興趣，加上租金高昂不下，令經營high fashion的本土品牌難上加難，最終令本土時裝業息微，為求生存，創作人紛紛轉戰商業領域，從此香港品牌變得單一和缺乏創新，更加難以與外國品牌競爭。

由傳奇時裝編輯黎堅惠創辦的雜誌《Amoeba》，是香港時裝史上的輝煌一頁。

若要起死回生，化作火鳳凰，需要了解問題的外在環境和內部因素。全球經濟衰退和速食時裝令high fashion加速死亡是外在環境，香港沒能力改變這現實，想也沒用；但內部問題，自身的不足導至香港時裝死亡才是值得深思的地方。我從教育，消費者，傳媒和推廣四個角度去組織一個full picture，看香港時裝為何沒落，走向死亡。

理工大學時裝設計系曾經是一所優質設計學府，每年培育十多個畢業生，與市場形成一種良好的供求關係。畢業生風格多樣，有良好的專業訓練基礎，設計裁剪能力俱備。後來理工改制，設計學院不再，與紡織系合併成現在的紡織及設計學院，每年畢業人數大大增加至過百，新的課制令水準下降有目共睹，畢業生基本功不扎實。而香港知專學院（HKDI）的出現並没有帶來新氣象，每年增加更多的畢業生只令就業更困難，香港根本容不下這麼多設計師，導致市場與學院的供求關係嚴重脫離現實。

香港理工大學紡織及時裝設計學系的畢業騷

九十年代的時裝傳媒特立獨行，有觀點、有視野、有論述， 形成一種監察和推動設計師的力量，設計師不敢怠慢；但我接觸的新一代時裝傳媒，很多背景與時裝無關，訪問時問題空洞廣泛，文章只有描述沒有分析，常常淪為宣傳稿，令人感覺像打廣告、拉關係的吹水文，發揮不到時裝評論應有的角色。

低端市場設計由消費者口味主導，高端市場應反過來，必須由設計師帶領消費者，有美學教化的功能。高端市場的設計師應該如先知一般，具有個人魅力，受追隨者模拜，可惜新一代的本土設計缺乏個性，面目模糊，難產生品牌魅力，自然不能引起消費者興趣。另一方面，香港消費者普遍審美能力不足，不像歐洲人從小受博物館、美術館洗禮成長，懂得欣賞和尊重原創；加上香港消費者崇洋媚外，只追隨外國大牌，所以要發展本土品牌，不單只要培育設計師，更要培育消費者。

香港YDC比賽的天橋騷

近年時裝機構的推廣和資助不比往年少，除貿易發展局（Trade Development Coucil）外，近年新增了Fashion Farm Foundation和PMQ等，可惜這些機構都太多條條框框，手法千篇一律。時裝設計是售賣個人品牌魅力，individualism和differentiation是關鍵，不明白為何時裝騷總是採取group show形式，把不同品牌放在一起，分享場地、模特兒、髮型師和化妝師等，如此只會事倍功半，大大削弱品牌形象的營造。TDC主辦的香港青年時裝設計家創作表演賽（Young Designer Contest, YDC）已經幾十年，理應有一支龐大的設計師隊伍，可惜近年一次又一次令人失望，入圍和比賽結果令人費解，大概是時候檢討比賽形式和評審的標準。時裝推廣不是家長管理，機構要有胸襟，讓設計師自由飛翔。

只要香港人心不死，香港時裝就不會死。

看一個城市可否成為時尚之都，首先不是看國際如何看待你，而是本土消費者是否支持和尊重本土文化。文化不能夠用金錢塑造，它需要土壤孕育出來，香港雖然沒有傳統意義上的藝術土壤，但作為一個曾經東西交集的殖民地，早已孕育出獨特的氣味，這氣味香港人未必察覺，外國人卻很好奇。疫情把原本垂死的香港時裝雪上加霜，但我相信只要有年青人，就有人發著時裝夢，只要香港人心不死，香港時裝就不會死。

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左起：TWIYO設計師Calvin與Joyce

透過網絡呈現個性

回想當時見證TWIYO創牌，他們先被JOYCE Boutique選中放在新品牌pop up store，後來又先後被連卡佛、Opening Ceremony等國際連鎖時裝店的買手看好，三年前獲選為「10 Asian Designers to Watch」，風頭可謂一時無兩。只是現在的業界龍頭都在經濟下行的大環境裡深受打擊，買手入貨方面亦愈趨謹慎。Calvin和Joyce都說：「近一兩季，品牌設計被選中的機會都比前些年少，不論在歐洲、中國還是香港皆是如此。連鎖店的買手傾向選擇著名品牌，或一些安全易賣的服裝，新品牌如我們自然機會更少。」即使是有幸被買手相中，他們所選的款式也相對保守：「即使我們覺得那些設計會有潛在客人喜歡，他們還是不會take risk。」大概是覺得，品牌風格未能透過這些店裡的服裝完全展現。

也是因禍得福，這些日子的步伐被逼緩下來，反而有時間「停一停諗一諗」：「剛入行時覺得，我們一定要別大的時裝集團看中才能在市場曝光，現在反而覺得，我們未必一定要跟隨這傳統的模式。」與其被動等著買手選購，網絡營銷想來是更主動的方式，讓TWIYO的作品出現在社交媒體使用者的螢幕上。「傳統模式是，我們每一季把大量服裝以批發價售予品牌，若今季賣不好，下季就會下架；若品牌經營網絡銷售，雖不會有批量的生意，卻能夠以直接零售價賣給客人，單件利潤會更多。」收入以外，更重要的是客人的回饋，以及品牌風格的全面呈現。Joyce說：「我們希望能夠與客人建立更直接的關係，讓他們對品牌的美學有更深入的了解，也希望我們能夠透過系列中所有服裝，呈現更顯明的個性。」

比起設計 營運更需要學

也有點意外，全因當年訪問TWIYO時，他們對社交媒體和網絡等並不太重視。Calvin笑言：「那時候覺得我們並非那一類喜歡宣傳自己的人，畢竟我們不算是生在社交媒體世代啊。」Joyce也說：「年輕一代人對建立自己形象這回事感到理所當然，他們會很渴望展現自己，但我們卻非如此，確實需要向他們取經，尤其在Instagram這個時裝品牌的重地。我們沒有這種表演慾，如今卻成為我們需要克服的事情。」

的確，對不少設計師而言，營運自家品牌最困難的從來不在設計上。Joyce剖白這幾年來的心路歷程：「講繪圖、找布料、建立自家美學，這些對我們而言都是得心應手的事情，但市場營銷、資金流、擴充品牌等事情，才是需要花心機在上面的事。不知道要經歷多少季，才會有所進步。這些都是以前在時裝學府時，課堂不會教你的事情。」時裝界的營商環境比潮流興什麼變得還要快，勇於嘗試、懂得更新自己的思維，才會成功。與其寄望官方打救或市場奇蹟，還是裝備自己更重要。「在我們看來，香港品牌總在掙扎，可能是我們還未算做得很好，以至香港人覺得，其他外來品牌能夠取我們而代之。與其抱怨別人不支持，倒不如先做好本分。」

與其求救不如自救，想來也不只是香港時裝的前路。

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獨立設計師Jeff Mui入行逾二十年，始終在潮流外看香港時裝轉變。

期望更精益求精的一代

所謂「時裝已死」，近十幾年早已成為業界恆常課題，Jeff常以愛情寓意時裝：「你會選擇能夠帶來金錢的人，還是有沒有錢，你都希望他在身邊的人？我相信時裝是後者，世上總要有些事情，是不能失去的。甚至有時候，你所愛的能夠為你帶來財富，也不一定啊。」說起來，他自己便是例證：「從不否認自己比其他人幸運，如今仍能支持到自己的生活，甚至擁有自己的物業，所以我才堅信自己那一套方式。無家底等於無將來？這不應該是香港時裝的價值。千萬不要以『能不能賺錢』這準則抹煞了我們對一件事的喜歡。」

將繪圖和畫作化為現實，是Jeff樂此不疲的工作和興趣。

訂製模式 小眾地活下去

多少年在利時一隅，從當年獨立品牌林立到現在日韓風買手店遍佈，Jeff未至於苦守一方天地，或許更像樂於維持自己的創作世界不受干擾。「外界的大環境，或多或少都會變，只是我的品牌基本上沒有大變。雖然對潮流會有認知，但偏偏我就是希望脫離當下的時代感，自己的幻想才最能代表我啊！」說是時裝設計師，倒不如說他像一個藝術家，將純粹的風格和創作實體化，主導一系列的設計。從充滿曲線的立體剪裁婚紗，到閃片套裝和印花晚裝，他都沒有想過迎合潮流。「最重要還是做好自己，自然會得到別人欣賞。」新娘客戶固然一個介紹一個，年前Jeff更為張敬軒做了一套訂製服，供他演唱會上穿，也是「有麝自然香」的明證。

營運品牌多年，Jeff一直都以訂製服作為根基；起初還會做一些歌德風格的日常服，但後來乾脆只做量身訂造的晚裝。他說：「做訂製服很有存在感，就像一個樂手，比起預先錄製的demo，始終喜歡親自在聽眾前演出。」這算是不迎合市場地活吧？他笑說：「只是我相信自己擁有影響市場的能力罷了。」當然，憑Jeff的能力，這些年多少大品牌曾經找他擔任設計師，他卻一一拒絕：「現在的營運模式，是我覺得最舒服的。」

張敬軒也是Jeff的客戶之一，圖為「Hinsideout演唱會」其中一個造型。

Jeff始終堅持以訂製作為品牌的主要營運模式。

香港時裝 需要藝術家多於設計師

只是新生代品牌，總得需要打出名堂，才能有影響力；在有影響力之前，還是要迎合買手的喜好，還是被市場影響的一群吧。Jeff卻說：「誰說做時裝一定要被連鎖店買手看中，一定要在市場的鎂光燈下閃爍才能活？只是他們入行時想被關注，多於想表達自己吧！」尤其在如今網絡大時代，時裝設計師之間的競爭更激烈，卻更公平：「網絡和社交媒體更能讓獨立品牌突出個性和自我，更不需要跟隨傳統時裝界定下的既定營運模式。其實香港市場有足夠空間，容納不同的品牌和設計。或許在普通人眼中，小眾和獨立是限制，主流市場才是大世界；但也別忘了，從來小眾都是大眾的繆思。有能力，你自然能夠說服他人，你值得存在。」何謂值得存在？Jeff一言以蔽之：「要夠artistic，時裝界需要藝術家多過設計師，因為這個世界，需要更強烈的聲音，去表達我們的所思所想，服裝亦然。」

Jeff身體力行，證明小眾時裝在香港仍有市場。

Jeff又寄語各位新入行的時裝人：「相比以前，他們面對的競爭更大，紙樣、縫紉、設計、造型通通都要識，可能要有天份又勤力才能有機會成功。但這不失為一件好事，因為個個都是Da Vinci，讓我們期待有一代人更精益求精。」他笑說：「不要總想著叫人喜歡你，要讓自己散發別人覺得吸引的獨特氣息，才是喜歡時裝者應有的態度啊。」

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今期INNER走訪不同時裝單位，卻發現獨立品牌和設計師的情況，未如想像中悲觀。雖說這段日子的發展被逼放緩，他們看到的卻是反思創作、尋覓出路的時機。很老套地說一句，「有危就有機」，訪問中他們就香港時裝未來提出見解，或從設計美學着手，或探討品牌價值，或針對本土製衣的復興。

設計

「不要總想着叫人喜歡你，要讓自己散發別人覺得吸引的獨特氣息，才是喜歡時裝者應有的態度啊。」——獨立設計師Jeff Mui

常說”you are what you wear“，香港人喜歡的服裝風格並不多樣，自甘平凡的亦是大多數。特立獨行的時裝設計師，在風格和商業之間，應該妥協嗎？在部分設計師眼中，這是偽命題：在分析市場潮流和趨勢前，首先要做好自己。「有麝自然香」雖老生常談，卻也是金科玉律，尤其在香港時裝市場。

零售

「能夠在市場上找到生存位置的，從來只有了解何謂品牌價值的人。」——Still House創辦人 Miu

「時裝已死」的討論，似乎在疫情嚴重的一刻再度提起，零售業的寒冬連帶時裝界陷入困境困境；連鎖品牌和時裝百貨都要減薪裁員，資源更緊拙的獨立品牌和設計師，要如何撐得過這段日子？趁着百廢待興，「先安內而後攘外」，想辦法把自己的品牌特色找出來，告訴客人，自己的風格、背後的意義，都是無可取代的。

新貴

「講繪圖、找布料、建立自家美學對我們都得心應手，但市場營銷、資金流、擴充品牌等，才是需要花心機的事。」——The World Is Your Oyster創辦人Calvin & Joyce

時裝是一場夢，即使再艱難，總有滿懷熱血和創意的年輕人每年不倦投身行業之中。但單憑熱血很容易夢醒，究竟他們需要什麼，才能讓夢得以成真，也讓香港時裝繼續掙扎？除了熱誠和幹勁，新世代的設計師更需要緊貼市場脈搏，同時積極求變。風格以外，設計師稍弱的營商之道更要學習，才能更有效將品牌推廣出去。

眾聲喧嘩，從中聽到的出路，可也不少。望時裝人在這動盪時刻，互勉之。

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Butler & Wilson的創辦人兼設計師Simon Wilson

還記得看電影《The Great Gatsby》時，會不自覺地被戲中女星多套Art Deco裝飾藝術風的復古珠寶所吸引，宛如穿梭時空回到1920的爵士年代。80 及 90 年代風靡一時的英國首飾品牌Butler & Wilson，品牌迄立至今50年，古怪有趣的水晶配飾同樣散發復古氣息。為慶祝品牌的50週年，品牌創辦人兼設計師Simon Wilson更訪港為連卡佛（Lane Crawford）帶來全球獨有的系列Dancing Couple（佳人共舞），閃爍英式鬼馬氣質和古怪大膽。

設計開闢新景象

Simon Wilson在1969年創立英國首飾品牌Butler & Wilson，以華麗奪目、設計鬼怪有趣、風格復古迷人的首飾風靡全球。生於蘇格蘭格拉斯哥的Simon起初在1969年開始在英國Chelsa Kings Road的Antiquarius古董市場出售古董珠寶。後來，隨著鑽飾與塑料配飾不再主導首飾市場，Simon便把握時機，開創出個人設計誇張、風格大膽的時尚水晶配飾。幽默性格的Simon透過前衛大膽的作品，深受名人追捧，在80、90年代的廣告上總會有Catherine Deneuve、Jerry Hall、Faye Dunaway等等名人穿上他的品牌，已故戴安娜皇妃情鍾於品牌華麗復古的首飾，成為皇室指定首飾設計師。同時，更先後成為品牌Giorgio Armani和Victoria’s Serect合作設計首飾，在首飾界的影響力不容小覷。

品牌Butler & Wilson設計搞怪有趣，閃耀動人，讓人眼花繚亂。

金禧五十 佳人共舞

「最大的挑戰卻是在數千件首飾中挑選一件最愛的首飾。」Simon直言。多年來為Butler & Wilson所設計的首飾猶如藝術品般閃耀，就如Lip & Eyes系列的藍眼睛就如品牌一樣，縱然多年過去，也經典不朽。他今次品牌成立50週年，親自現港為連卡佛（Lane Crawford）呈現Dancing Couple（佳人共舞）。Dancing Couple胸針為Simon的早期70年代作品，他提到：「因為人們總是問我什麼是你最喜歡的作品，我有太多的作品，但我不得不選擇一個代表我的品牌，這是Dancing Couple。」50週年為金禧年，Dancing Couple胸針描繪了一對情侶舞蹈的設計，女士穿著華麗金色禮裙，而男士則有黑色晚裝外套，鑲嵌著閃閃發光的施華洛世奇水晶。「這對Dancing Couple讓我聯想到1920年時期，一位美麗動人的女士身穿絢麗的裙子，與身穿瀟灑西裝的男士共舞。讓人好奇和幻想他們的面孔，你能想象到這是多麼一件浪漫的事情。」現場燈光照射下，Dancing Couple閃閃發光，不禁讓人在腦海中為他們編寫一則浪漫的愛情故事。

Simon Wilson為慶祝品牌50週年特別呈獻Dancing Couple（佳人共舞）系列。

Simon縱然現今已約70多歲，然而他卻承載着18歲的靈魂，談吐活潑幽默，精神抖擻。品牌成立半個世紀，問到如何描繪50年週年，老當益壯的Simon隨即活潑地說：「有趣、令人興奮和冒險。」生命就是一場大冒險，「我希望未來能創作更多大型的作品像就如大蜥蜴，營造像你家中出現一隻蜥蜴」，Simon勇於挑戰自我，跨越個人的難關，帶著冒險的心繼續勇往直前，一如既往地璀璨奪目。

關於個人的首飾

女人天生愛美，對美的渴望就像魚兒對水一樣強烈。我們女生都愛首飾，而首飾往往蘊涵著不同個人的故事和情感，例如：父母在你18歲時候，送給你的戒指、初戀男友贈送你的手鏈、為紀念自己大學畢業，送給自己的耳環等等。設計師Simon Wilson認為首飾是敘說著個人自己：「它是關於你，而不是我告訴你如何穿戴它。當你喜歡這種它的風格和設計時，你便會知道如何穿戴它們。或者經常以黑色裙子佩戴著一對耳環，對我來說，這也是時尚。」每一個人也是獨一無二，Butler & Wilson的首飾亦然。

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踏進十月，秋意漸濃，天已微涼。冬日的腳步也漸漸走近，或許會想被毛茸茸的大熊抱著般溫暖的漫遊街上，或許會想起童年那毛茸茸Teddy Bear。晶瑩的雙眼、柔軟的觸感、如焦糖般甜的泰迪熊（Teddy Bear）總會以不同的形式出現在生活裡，如Teddy Bear Coat、Thomas Teddy Bear、Monogram Teddy Bear……近日，巨型的泰迪熊出沒在尖沙咀海港城港威商場，細看，意大利品牌Max Mara將經典短絨毛的泰迪熊大衣（Teddy Bear Coat）工廠移師到香港。

泰迪熊糅合時尚

毛茸茸的泰迪熊（Teddy Bear）蘊涵著一段歷史悠久的故事，一直是時尚圈設計師的靈感繆斯。相傳100年前，由德國的玩具製造商Steiff製作了第一隻現代意義上的「泰迪熊」公仔，直到如今，Steiff也由從前不足10人的工廠演變成全球著名的玩具製造商。多年來，泰迪熊（Teddy Bear）顯然地糅合著時尚出現在我們生活裡，Max Mara經典大衣與泰迪熊大衣（Teddy Bear Coat）不謀而合就是例子。

泰迪熊大衣源自於80年代，Max Mara創意總監Ian Griffiths後來投入大量的時間尋找相關資訊，品牌於是在2013年首推泰迪熊大衣。由於過去製作泰迪熊大衣，所使用的布料為德國工廠製造高級兒童玩具使用的長絲絨，但此款布料早已停產，相關的工廠也歇業。所以Max Mara其後與當地的布料供應商，運用現今的科技技術，以駱駝毛與高級蠶絲重新打造出全新絨毛布料，宛如在大熊懷抱裡。這件短絨毛泰迪熊大衣受到名人、明星如：Julia Roberts、Kaia Gerber、Kim Kardashian West、Izabel Goulart、Rita Ora、蔡依林、謝安琪等等的愛戴，成為秋冬的流行常客。近日，除了經典駝色的泰迪熊大衣，品牌更注入耀眼的水綠色、寶藍色及珊瑚紅色，而且神秘的黑色混金屬紗線泰迪熊大衣。
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除此之外，歷年來這隻Teddy Bear更被設計出各種各樣的面貌，遠至2008年，品牌PRADA曾在聖誕節時推出聖誕鑰匙鏈系列，鑰匙鏈上鑲嵌了施華洛世奇水晶，讓Teddy Bear呈現閃亮迷人的一面。直到近年，BURBERRY品牌標誌性Thomas泰迪熊設計一個另類的鑰匙圈。它穿戴復古格紋棒球帽和印上「Kingdom」的連帽上衣，是Riccardo Tisci為 Burberry打造的首秀系列的名稱。品牌隨即顛覆泰迪熊傳統的可愛形象，成為型格風格。
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「慈善」變為「時尚」

泰迪熊是設計師的創作靈感來源、象徵著童年回憶的玩具、陪伴我們度過無數寂靜晚上的朋友。它被賦予著不同的意義，正如今次「MaxTheTeddy」期間限定店，品牌Max Mara會將「慈善熊」的收益全數撥捐予保良局作慈善用途，希望為有需要的家庭、缺乏妥善家庭照顧之兒童或青少年籌得更多善款，以愛心溫暖人間，宛如冬日中的暖陽。這刻，Teddy Bear讓「慈善」成為最「時尚」的事情。

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珠寶之美，配色佔了重要一環。鑽石固然清澈無瑕、閃耀璀璨，但若是缺少了彩色寶石的調色襯托，也難免顯得平淡單調，因此在主流的鑽石之外，也不可忽略多元的彩色寶石，各有美態。Gemfields是全球最大的彩色寶石生產商之一，主要採集紅寶石及祖母綠寶石，Fabergé、Tiffany、Pomellato、Stephen Webster等珠寶品牌均採用Gemfields的寶石。早前品牌的寶石學家Elena Basaglia來港，與我們談談寶石的色彩美學。

Gemfields寶石學家
Elena Basaglia

十五世紀以來，彩色寶石一直是珠寶世界的主流，歐洲王室及上流社會均穿戴色彩鮮豔的寶石來彰顯財富及權力。直到二十世紀，De Beers成功將清淨無色的鑽石營銷成堅硬矜貴且象徵愛情的珍寶，人人渴求一顆永留傳，彩色寶石才逐漸失勢。但事實上，彩色寶石的珍貴程度並不亞於鑽石，其用在創作的可能性也更大更靈活。「多年來我們所追求的鑽石必須是無色無瑕，但彩色寶石卻是相反，充滿了鮮豔豐富的色彩，包含在寶石裏的所謂瑕疵有時反而是它的獨特之處。彩色寶石單獨存在已經很美，卻也能結合其他色調的彩色寶石，又或襯托突出純淨無瑕的鑽石，無論怎樣都不減它們的絕色，同時令珠寶作品更有創意。」Gemfields的寶石學家Elena Basaglia說道。

Gemfields於2013收購歷史悠久的珠寶品牌Fabergé，旨在由開採、設計至銷售整個過程都公開透明，Fabergé所有紅、綠寶石均出自Gemfields。

紅寶石、祖母綠寶石及藍寶石可算是現時最受歡迎的彩色寶石，不少珠寶品牌均會將之融入設計，近年更多了簡單一顆彩色寶石為主石的首飾，減去彩色寶石的老氣感覺，讓女人在日常生活中也配襯得到，是彩色寶石的新趨勢。Gemfields主要採集紅及祖母綠寶石，在非洲莫桑比克及贊比亞分別有紅寶石及祖母綠寶石的礦場，世界上70%的紅寶石及25%的祖母綠寶石均出自品牌。Elena在訪問當天就親自帶來了幾顆大小不一、色彩各異的紅及祖母綠寶石：「彩色寶石的美在於每一顆都獨一無二，只是紅和綠，卻已經有不同深淺、飽和度的色調，有人喜歡偏粉的紅，有人喜歡偏黃的綠，而且每個人的眼睛對於顏色的認知是不一樣的，我看到的紅跟你看到的紅一定是不一樣的紅，再加上光線、切面等，一切都會『改變』寶石的色彩，這是鑽石所沒有的多變。」她說。

Gemfields在非洲莫桑比克及贊比亞分別有紅寶石及祖母綠寶石的礦場，出產世界上70%的紅寶石及25%的祖母綠寶石。

因此，在Elena來說，從來不應將買鑽石的一套放到彩色寶石中，在鑽石所追求的清澈、無色、無瑕，到了彩色寶石通通說不準。「彩色寶石是大自然的寶藏，它們在結晶的過程中會遇到高溫、高壓各種情況，而形成不同色彩及形態，有的寶石裏面住了另一顆寶石，又或寶石的內裏形成了獨特紋路，難道你能說它們是瑕疵嗎？在祖母綠內的包含物更有 “jardins” 之稱（法文意指花園），我會說是它們的獨特之處，可遇不可求啊！」Elena認為挑選寶石時，憑直覺選擇自己喜愛的色調比一切更重要，之後才考慮剔透度、淨度、克拉、切面等因素。「當你認真地欣賞寶石時，嘗試去感受它與你之間的感應，色彩是會說話的。」這也是珠寶設計師們常說的話，寶石的獨特色彩往往激發了他們的創作靈感，所以在挑選寶石上，對色彩的直覺絕對是先決條件。

Pomellato的珠寶設計以寶石為主，不少戒指、耳環及頸鏈均用上Gemfields的寶石。

Chopard的Green Carpet Collection曾用上Gemfields出產的祖母綠寶石，是不少女星的紅地氈選擇。

Pomellato的珠寶設計以寶石為主，不少戒指、耳環及頸鏈均用上Gemfields的寶石。

倫敦新派珠寶設計師Stephen Webster也選用品牌寶石，為貴氣的紅寶石注入年輕前衞的感覺。

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