為何你總是被背叛/被分手、總是當上小王/小三、總是被人騙財騙色、總是纏上酗酒/爛賭/家暴之徒？當中彷彿有種難以言諭的宿命。

其實這都是鏡象法則在反映你跟自己內在的關係——被你壓抑下去的人格特質, 正正是你和伴侶關係的原形, 是你潛意識中殘缺的信念所投射出來的結果。當宇宙這個巨大的意識體接收到你內心狀態的振動頻率, 物質世界便會精準匹配那個與你共振的人到你的生命中, 不管換了多少個對象, 結果都會一樣, 直至你察覺到自己的心念是這種重複性模式的源頭，並且終結它為止。

只有淤泥才能長出不沾風月的蓮花，高原淨土一如溫室，無助你進行人生歷練。（攝影：Tetris Luk）

孩子在七歲前藉由觀察父母之間的相處模式，以至雙親對自己的撫養、管教方式和關係來理解世界，如果小孩在這段期間沒有得到父母足夠的愛、陪伴、理解、認同、尊重與保護，而只是被否定、責罵、無視、控制、冷暴力、偏心、溺愛、拋棄，甚至受到肉體 / 精神 / 感情上的傷害，就會形成內在小孩受傷，限制性信念就會於此形成。長大後，帶着這許許多多從未處理的傷口去談戀愛、組織家庭，能修成正果、幸福美滿的機會便大大降低。

讀者尤其需要知道的是，內在小孩受傷，覆蓋的是你人生的各個範疇，並非只有愛情一環，只是，每個人心底裏都有個白月光或朱砂痣，令你忘不了、放不下，因為夠愛，你才會正視它，想找出每段情失敗的原因，筆者才以愛情作為切入點；可幸是，當你治癒好內在小孩，或者當你真正懂得愛自己時，你整個人生都能翻盤，平行時空中的每一個你都會揚升，它是你整個靈魂旅程中最值得完成的功課，因為靈魂旅程本來就是藉由我們這個載體來體驗何謂愛；而原生家庭，特別是父母，就是靈魂家族相約好來互相成就彼此課題的最親密戰友，所以千萬別將自己的痛苦歸咎於父母，無論他們對你做了甚麼，都只是執意按照你們的靈魂契約照本宣科，若倒果為因，就會白白浪費了此生可供超越課題的機會。

古今學說交叉印證

在這個覺醒的年代，很多人都將「幸福的人用童年治癒一生，不幸的人用一生治癒童年」掛在嘴邊，但當中有勇氣直面自己人格陰影的人少之又少，因為那需要承認自己不敢承認、不符合社會標準的部分，甚至要接受自己是自己的加害者而非受害者，這不是一件容易的事；然而選擇繼續逃避，便要一再面對相同困境，對自身的靈性成長更是毫無寸進。

瑞士著名心理學家卡爾‧榮格（Carl Jung）早已發現潛意識中隱藏的情結，例如經歷過強烈的情感記憶或創傷的碎片，一旦受到外界事件的觸發，會突然令你像變了個人似的，可能會出現極度驚恐、暴怒或焦慮，這些不成正比的反應，都是緣於內在小孩受傷，故將所有不被社會接受的性格特質，像自私、妒忌、懦弱、自卑、討好、匱乏、無價值感、恐懼、沒安全感……等，通統將它否定並抑壓下去，但偏偏你愈否定它的存在，它的能量愈強大，永遠像自動導航般操縱着你的情緒反應，以至行為模式，令你活得像個傀儡般而全無覺知。

他認為這是潛意識在呼喚我們擁抱自己的陰影，惟有在我們勇敢直視、承認並接受它的存在時，才能不被它任意操控，才能終結這種「鬼打牆」的重複性模式，奪回人生的主導權，繼而改寫命運，這就是他說「當潛意識被呈現，命運就能改寫。」的意思。

然而這不僅是西方獨有的思想學說，遠在二千五百年前，大乘佛教的核心學派唯識學已說明，人類的阿賴耶識（藏識，又稱第八識），好比一個巨大的潛意識倉庫，將我們過去的身口意（即所有行為、記憶、念頭、業力、習氣和傾向），都儲存於此；我們每一個執著的能量（第七末那識），以及儲存生命一切善惡的種子，待合適時機一到，這些種子便會生根發芽，演化成所謂的「命運」，亦即是我們信念中的舊劇本，而這些心靈活動，只是存在於我們的心識中，並非存在於外在世界。

基於我們全無覺知，故將這些執著誤以為是「自我」（性格）的一部分，也因為我們創造出來的這些時、地、人、事、物是如此鮮活、真實，令我們誤以為它就在那裏等着我們，實情是反過來，是你先有着這些對應的執著種子，然後將這些煩惱的種子投射出去，相同的頻率吸引相同頻率的振動，外相便以極其複雜而快速的形式建構出來，那個最牽動你情緒、來渡你的人（他的無意識跟你的無意識是同頻的）
，便來勾起你的情緒，相同的劇情便又闖進你的生命中。即使換上不同演員，這齣大戲都會舊調重彈、輪番上演，而終局亦會一樣。

外在世界遇到的人事物都是我們心念投射出來的鏡子，精準映照出我們內在的人格陰影。（攝影：Roger Fung）

原生家庭埋下種子

要說父母與子女間千絲萬縷的情感關係，必須由嬰兒期說起。父母是孩子賴以生存的唯一依靠，此時的嬰幼兒對父母的需求度，就像日本市川市動物園的紅毛猩猩布偶之於獼猴Punch BB於初始融入猴山時的重要性一樣，每當牠受驚、被欺負、孤單、難過時，Punch都會飛奔到布偶媽媽懷裏，尋求保護與慰藉，其他有媽媽的獼猴BB都被母親近距離保護着，表現出對環境的好奇、放鬆且安全感滿滿地向四周探索。而Punch很多時候都是主動向其他成年猴討愛而被拒絶，牠時而以羨慕的眼神看向有母親抱着的猴子，時而警覺地四處張望，惴惴不安，生怕自己又再受到欺負，即使睡覺時也必須依靠在成年猴身邊才能感到安穩，反映出牠對媽媽的需求度極高。

美國心理學教授哈利．哈洛（Harry F. Harlow）由一九五八年開始，作出著名的「恆河猴實驗」系列，研究母猴與初生猴子分離與依戀行為。實驗將幼猴放置在籠子內，附帶一個光禿禿、冷冰冰，全身由鐵絲組成的假媽媽，並有一瓶奶水；同時又放置了一個絨布媽媽，但卻沒有提供奶水。實驗發現，70％至80％的時間，幼猴都選擇和絨布媽媽在一起，只有當飢餓時，才會到鐵絲媽媽那邊喝奶。這證明了絨布媽媽肢體接觸下的溫柔撫慰，對幼猴來說顯得十分重要。後來研究人員甚至在絨布媽媽身上設有機關，它會突如其來對幼猴噴射冰冷的水柱和鐵釘子，但奇怪的是，在這些攻擊停止後，幼猴還是會奔向布偶媽媽懷裏尋求庇護，獲得安慰後才恢復向外探索的勇氣。

「恆河猴實驗」的殘忍雖然被不少動保人士詬病，但它作出的結論卻不容忽視，更打破了心理學上一直認為孩子黏着母親是因為食物需求的這個觀念，並證實了幼猴對母親的需要和認定，是建立於來自母親柔軟觸感帶來的撫慰、支持、關懷及肢體接觸上，這種情感依戀遠比食物需求為大。及至一九六五年，人類寶寶也有類似的實驗和相同結論，被父母愛着的幼兒十分沉醉於探索面前的新玩具；不被關注的幼兒在面對玩具時，普遍表現不感興趣，只關注房間內的成年人，心理學家認為他們是在尋找媽媽的替代品，故此無法專注在探索上。

無獨有偶，人類幼兒即使受虐於父母，即便在成年以後有獨立能力，但大部分人也不會選擇離開施暴的父母，因為孩子對父母有先天性的依戀，必須藉由父母無條件的愛才能身心健康地成長。

任全球雲端父母再疼愛獮猴Punch，也取代不了牠缺失的母愛，因為當中蘊
含了無可比擬的生命能量、安全感與支持，足以滋養牠健康地成長；而一眾鄉親淚目這胖小孩孤軍奮戰，當中也投射了自己在人生路上荊棘滿途的感同身受。（網上圖片）

零至六歲是人類小孩對外在世界的感知異常敏感脆弱的年齡，父母之間的愛是否流動，家庭氣氛是否和諧，父母跟自己的互動方式、他們有多愛自己等等，都會一一鐫刻在孩子心裏，並以此作為對外在世界的理解。孩子不會懂得將自己的疑問、不安、恐懼用言語表達出來，漸漸地，他會將自己「理解」到的「事實」視為金科玉律，深化成為自己的信念（小我），而這些他信以為真的信念，由於影響其思想行為，他會誤以為這是自己的性格，其實只是過去發生過的事收藏到潛意識中，並在往後以此編織出更多屬於他的實相。

愛情是令陰影呈現的催化劑

自一九八○年代起，由德國心理治療師伯特．海靈格（Bert Hellinger）創立的一套體驗式心理療癒方法——家庭系統排列（Family Constellation）開始普及。海靈格透過在非洲祖魯族（Zulu）生活了十六年的經驗，加上現象學及家族系統理論，統合出「經典家族排列」的雛形。

這個系統確認了一件事，如果我們在童年跟父/母的關係有遺憾，有未被滿足的愛或創傷，只要你內心對父母有批判，無論是排斥抑或認同，在能量層面，你已捲入父母的關係，家排稱之為「坐了他們的位置」，由於你存在着對父母的不理解、不接受、不體諒，總的而言，就是不能以平常心看待他們的行為和選擇，哪怕是同情或為他們感到難過這些看似出於愛的認同，子女都會在伴侶身上，透過「重複父母的命運來對他們產生體諒」，包括他們之間的相處模式、關係好壞、處理問題的方法和態度等。

簡單來說，一個小時候沒有受到父母認可的人，無論是因為孩子數目眾多，父母忙於謀生，沒時間一一照顧，或交託親友託管；又或是父母偏心、嚴肅、冷漠、要求高、不懂得讚賞孩子，當他們長大後，遇上很會欣賞或討好他們的人，就會瞬間淪陷；而一些從小就被父母打壓的人，對於會對自己溫柔以待及肯定的人也是全無招架之力的；至於很懂事、很會照顧人的人，就會對喜歡依賴自己、被需要、被照顧的人產生強烈的情感，因為可以各取所需，所以他們之間的關係是呈現一凹一凸的組合模式。

童年時與父母建立的情感模式，所有你童年時未癒合的傷口和你未被滿足的地方，無論是消極或積極的部分，都會移情到伴侶身上，影響你的擇偶標準和婚姻關係。我們在借伴侶的特質來映照出「被自己否決了的自己」，你喜歡的不是對方，你喜歡的是那個未被滿足的自己。當這段情熱情退卻，陰影便會逐步浮現，你反感的那些特質，在你自己身上也存在，例如一個貧窮家庭養育出來的孩子，父母會長年累月叮囑你省吃儉用，你長大後會擁有很節儉或愛儲蓄的習慣，你初時會被很花得起又出手豪爽的男士吸引，因為他能活出你沒有能力活出的部分，而且骨子裏，你體內也活著一個很想大手大腳、全無顧忌、任意揮霍而又不能的自己，當蜜月期的甜蜜退去，你會將這股能量投射出去，攻擊對方的揮霍，然而她攻擊的其實是自己不敢承認、努力抑壓且無法面對的自己。
舉例你有個性情乖戾又喜歡賭博的爸爸，自小你便看着他向媽媽索錢、動粗、挑剔，導致家無寧日；在你眼中，媽媽是個受害者，爸爸自然就是加害者。

你一方面怪責媽媽沒有勇氣離開爸爸，一方面你又懷疑是否因自己的存在而拖累了媽媽，為此感到既憤怒又內疚；你很討厭媽媽經常說自己命不好，但心底裏，你煞是認同。

爸爸對你也喜怒無常，當他贏了錢回家，便笑逐顏開，帶你吃大餐，去遊樂場玩，給你買玩具，你很愛這個將你捧在手心裏的爸爸，此刻的你覺得自己像個公主；但當他手風不順時，便會大吵大鬧，你覺得這個爸爸很討厭。因此，你對父、母的感覺既愛且恨，既排斥又認同，情感矛盾又錯綜複雜。

每對情侶最平實無華、細水長流的愛，是晨昏相依，四季相隨。（攝影：劉冲）

選擇像父母的人來修復遺憾

在成長過程中，你不自覺地學習了媽媽的察言觀色、低眉順眼、誠惶誠恐地過日子，一如家中那隻橘貓，在肚子餓時跳出來討摸，風頭火勢時極速躲到角落裏去。你有時甚至為自己能在狹縫中生存得游刃有餘而沾沾自喜，你知道家裏不會天天天晴，幸福的時光離你很遠，所以你慣於討好、避免惹怒爸爸，這是你慣用的自我保護方式。然而，一個人的自我形象高低決定了她的自我價值，在這種家庭氛圍下長大的孩子普遍自卑、低配得感、缺乏自信及焦慮不安，她會認定好運不會臨到自己頭上，因為這在她的生命中太過稀缺和陌生了，即便給她遇上優秀的男士，也不敢接受，她會認為，這種天掉下來的餡餅一定是糖衣陷阱，即便最終走在一起，她也會老是想像對方對她不認真，或者很快會把她甩掉。因為一個長期在不安全環境下成長的人，會認為自己不值得被愛、不被接納，為了避免將來被厭棄和拒絶，最佳方法就是先把對方推走。因為幸福的感覺很陌生，所以焦慮，那個小我又會跑出來鬧事，腦海中絮絮念：這麼好的男人怎麼會選上我？他只是一時三刻的興致而已，當新鮮感退去，他便會去找其他女孩子！再說，他的父母怎會接受我這種出身的人當媳婦？我的圈子跟他是兩個世界……。自然而然地，她會無意識地把這個男人推開，她會製造很多理由和事端去搞箍這件事，以自證自己的設想是對的，社會心理學上稱之為自證預言（Self-fulfilling prophecy）又稱自我應驗預言，當你相信某些事會發生時，你的潛意識會調整行為來符合這個預期，由信念引導行為，最終導致該「預測」成真（這也是吸引力法則之所以生效的原因）。當她的言行導致最終分手時，她就會鬆一口氣，對自己說：看！我一早知道事情會這樣發生。

致命的熟悉感在作祟

曾經信誓旦旦要對像父親的男人敬而遠之的這個女孩，雖然內心對爸爸很排斥，但最終卻會找來一個翻版爸爸作伴侶，首先他一定不能太優秀，女孩會認為：他不像爸爸好賭，平日只是喜歡喝點小酒，即便酒後的他有時對我暴怒，但偶爾也對我溫柔啊，這已經足夠了。對方的情緒不穩大抵跟爸爸一樣，她覺得沒甚麼大不了，因為這種感覺熟悉不過，也早已習慣，亦應付裕餘，反而有種莫名的親切感。基於親切，所以安全，他縱有缺點，但我也不完美啊，跟我正好匹配，她有信心跟他白頭到老；離開他，可能下一個更糟，她留在這裏就安全了……她人生中已沒有多餘的心力與勇氣去支撐她作出更好的選擇，因為從她呱呱落地開始，讓她賴以生存的父母也不能提供足夠的保護和安全感給她，她的信心可以從何而來？所以她寧願安住在熟悉的不完美中，也不敢貿然待在陌生的幸福裏，而她選擇的這個不完美男人，只是將她內心的種種殘缺給投射出來而已，而結局可以想見，跟她父母的關係大致相同。

我們的婚姻更會牽涉到對父母產生「盲目的忠誠」——如果父母的婚姻痛苦，而你的婚姻幸福，你會覺得自己像背叛了父母一樣，為了清白感、為了維持與父母之間的連結，你會有意無意地挑選一個能讓你痛苦的人作為伴侶，這樣便可複製父母的不幸婚姻模式，最終，你便能透過親身體驗父母的經歷來對他們產生諒解。你可能會覺得荒謬，但這是很深層的無意識行為。

你認真幻想一下這個場景也許能夠明白：你昨天剛跟丈夫坐完郵輪慶祝銀婚回港，相約了三位感情要好的親姊吃飯，但她們的生活過得並不如意。其中大姐生活捉襟見肘，膝下無兒，平日要以粗活維生；二姐早年喪夫，一直鬱鬱不歡，如今健康已大不如前；三姐與丈夫終日為他的二房吵架，現正處於離婚邊沿。在這種氛圍下，你會一身名牌，手戴巨鑽，毫不忌諱地分享坐郵輪的喜悅，以及被丈夫寵愛着的幸福嗎？抑或會有種說不出的愧疚感而將自己的興奮心情收斂，在席間只是聆聽她們生活的困苦？正如，你不會在飢民面前大啖珍饈百味；不會在失明人士面前侃侃而談一幅名畫吧，你會忍心刺痛你心愛的人？尤其，那是你的雙親。

智者不入愛河，不是要你忘情棄愛，而是指應在圓滿自身後，兩個完整的人並肩而行；在到達彼岸之前，那個傷得你最深的人，不是來跟你相守終生的，他只是來渡你一程。（攝影：周耀恩）

如果一個女孩成長於一個被愛浸淫長大的家庭，她會知道愛是甚麼味道，她很熟悉來自父母無條件的愛是長甚麼樣子——是日復日身體力行、無微不至、風雨無改的關心，無需用言語教導，她可以不費勁地分辨出真情和假意，即使她一旦遇上渣男，聽到再多畫大餅的承諾和花言巧語，她也會如有內置雷達般感覺到當中的不對勁，她不會聽那個人在說甚麼，只會看他在做甚麼。她不容易被零成本的謊言沖昏頭腦，即使入坑了，也能迅速抽身，扭頭就走，不會陷入萬劫不復的泥沼中。

很多年輕的戀愛腦女性朋友常為情所困，經常耐心分析男朋友的一言一行，努力為他們的言行不一找藉口。在開解她們時，我總會這樣提醒：「要將自己視為自己的女兒去愛錫。」意思是，若你是自己的父、母親，當女兒（你自己）遭遇到種種委屈或情困時，你會怎樣勸導女兒？會鼓勵她留在有問題的關係裏，抑或要珍惜自己，將愛寄託在值得的人身上？每當這樣建議，女孩們都有如醍醐灌頂，代入自己父母的角色中看待自己的處境而猛然醒悟過來，不再為男友的種種問題腦補，因為她們知道無條件的愛應跟她父母的愛無異。所以當父母親給孩子的愛是足夠的話，他們會更容易辨識真愛，更容易遇上像自己父親般愛自己的男人。

但不是每個人都這麼幸運，能成長在有愛的家庭裏，自小缺愛的人為何會自帶吸渣體質？她們普遍會傾向相信謊言，因為在她們的生命裏，愛是很稀缺的東西，即使是一堆廉價的承諾也足夠令她快樂，並賴以支撐着過日子，她甚至會用金錢供養渣男也無怨無悔。另一種吸渣體質的女孩，與上面的例子相反，她可能出身自管教嚴厲、要求極高、操控欲強的父母，她們知書達禮、學業和事業有一定成績，性格善良、單純、克制、有責任心、有耐性、愛心爆棚，由於她循規蹈矩，成長過程中內心會有很多克制，別的孩子在玩耍時，她們在用功讀書，或在上一些興趣班，時間表都被父母排滿了，才能品學兼優，才能換取師長、父母的讚賞、肯定和認同，這不也是另一種希望「被看見、被肯定」的討好嗎？只不過是表面上比較正面和隱藏而已。

這種自身條件優厚的人一旦遇上性格隨性不覊、放浪自由，忠於自己，想做就做的人，會霎時被對方的特質深深吸引，而且不能自拔，因為對方活出了自己的反面——不受制約的人生，而條件優厚、善良又有能力的人，普遍有拯救者心態，會希望改造對方、令對方幸福而不願放手，此時若遇上用心不良的人，隨時會被予取予攜，導致感情及金錢上的損失。

當婚姻被柴米油鹽、帳單與生活各種瑣碎與責任充斥，即使主角換了別人，結果也會一樣。（攝影：Albert Wan）

缺愛家庭滋生濫情男女

很多人認定所謂的「渣男／渣女」都是用情不專或人盡可夫之人，其實他們之所以無法長久將愛停佇在同一個人身上，非關外在世界有多少誘惑，而是他們內心仍然是那個缺愛、未被肯定、未被看見的小孩。一個人要證明自己的價值、被肯定、被仰望，相對於社會地位、事業成就或財富，用愛情來吸引人來愛自己，以證明自己是活著、是有價值、值得被愛，相對上容易得多，你看詐騙集團慣用的「愛的語言藝術」都有「教科書」可供新入職人士依循，就知道騙財騙色無非那幾道板斧。

不少有一定社會地位並擁有幸福家庭的「渣男 / 渣女」都不甘心只擁有一個伴侶，他們普遍以為自己因為優秀，所以「應該」被各式人等膜拜仰望，以為這是優越感的一種體現，卻不知道自己緣於自卑和失落，才需要經由一班圍着自己團團轉的所謂紅顏知己或裙下之臣來對自己表示欣賞、愛慕，以肯定自己的價值，他們通常只跟對方保持一種曖昧而毋須負責任的關係，當他們的自卑和失落感發作時，便又向外拋眉弄眼，終生都要為滿足那個童年時失落於父母的愛的自己「服藥」。所以，當這種激情淡去時，這些刺激就會消失，又需要換過一批人去維持他們這個苦心經營被認同、被肯定、被看見的感覺，否則這個自我形象鞏固工程便會土崩瓦解。即使事業再成功的專業人士或富豪巨賈，也敵不過這種心魔，他們索取的表面上是性、金錢、權力、虛榮、人脈或工作上帶來的便利，但真正需要排解的，仍然是內心黑洞似的自卑、空虛、自我否定、自我價值低或不被看見等小我的聲音，這亦解釋到，渣男渣女有兩極走向，一種是在事業上有一定成就，因為他們為了得到認同，慣於鞭策自己向上；另一種極端是自暴自棄、自我放縱，只是在人家的身上榨取好處，縱情色慾與物質，即使窮得甚麼都沒有，仍還有甘心被他們利用的缺愛小孩，渣男渣女和吸渣男女總是雙生兒般的存在，各自體驗鏡中自己的陰影反射。

索然無味的婚姻抽刀難斷，婚外情許是激蕩你靈魂深處的一記棒喝，是道德與慾望的交戰。（攝影：周耀恩）

每個人愛的都是自己

作為他的伴侶，你的情敵從來不是外面的六宮粉黛，而是一個你看不見的敵人，那人就是他自己。

他們愛的從來都不是你、我、她，他愛的只是自己，他喜歡的是「自己被喜歡的感覺」，那些來了又去的鶯鶯燕燕，只是圍繞這齣宮幃劇的臨時演員而已。
你毋須感到意外，他們不特別，我們也不例外。我們總被優秀的人所吸引，你的心愈缺失甚麼？便愈是想藉由擁有這個理想中的人物來完整自己，來滿足內心藏得很深的缺失。既然如此，下次失戀時，看清自己想在對方身上擷取哪塊自己缺失的拼圖吧，你並沒有自己想像般那麼愛他，你害怕被拋棄的感覺，也只是緣於小時候有着相類似被離棄的內心創傷，是那個受傷的小孩仍在當年原地無法抽身而傷心痛哭而已，所以不要太傷心，你愛的只是你自己的缺失和需要而已。

不要交出自己的搖控器

只要細心一想你便會明白，一個內核強大的人，對自己的肯定從來不來自於他人，而是來自於一份內在的篤定，正如真正的富豪不會每天在社交媒體展示自己今天吃過甚麼、認識了甚麼人、身上的名牌價值多少？對他們來說，這些東西都不值一哂，太過張揚反而擔心人身安全。他們清楚知道自己的價值，毋須向任何人證明，此所謂「愈富有愈低調，愈缺少愈炫耀」。這並非獨獨指涉物質層面，力量、信心等精神方面也一樣，你愈缺少甚麼，就愈愛炫耀甚麼。

只有那些知道自己不是富豪但惟恐被別人看扁的人，才會不厭其煩地在社交媒體展示優渥生活，藉此平衡內心的虛怯。同理，你知道自己是有價值的話，需要藉由絡繹不絶的愛慕者去拱托嗎？就像報章上經常可看到一些上了年紀的富豪，身邊總不乏年輕美女簇擁，因為他們的青春已一去不返，只能用金錢去堆砌自己仍然充滿活力與魅力，受到年輕美女青睞的假象，但明顯地，能感動到的人，只有他自己。

值得你深思的是，你不能藉由自己認定自己的價值的原因是甚麼？宇宙就是要用你最椎心的愛情來讓你直面自己缺失的拼圖。

印度哲學家吉杜‧克里希那穆提說，「一朵百合或玫瑰從不假裝它之美在於它就是它自己」。人生亦然，無需攀比、無需證明，花若盛開，蝴蝶自來。（攝影：周耀恩）

真愛是滋養而非索取

幸福從來不是身外之物，它不能藉由外在世界或任何人賦予給你，當一個人感到自身不完整時，很容易將生命的所有缺失與一切希望寄託到伴侶身上，當熱戀期過去，就會想改變對方來迎合自己的需要，令對方承受巨大壓力，最終影響關係。既然每個人內心都有個未長大的小孩，也有他自己的創傷和陰影需要療癒，試問如何能承接另一個人的生命重量？

世間上唯一能全然給你無條件的愛、接納你、陪伴你一生的人，只有你自己；你怎樣看待自己，別人就怎樣看待你，只有當你能無條件愛自己，接受自己如其所是時，世間的一切都會無條件來愛你。因此，圓滿的愛情必須是你的愛因為滿溢而跟伴侶分享，那麼你渾身散發的，都是滋養豐盈的高頻能量，必然會吸引到同等能量的人來到你身邊，先㘣滿自身，才能圓滿別人。

花不會因為沒有路人看到而不綻放，當你盛開，蝴蝶自來；你若精采，天自安排。

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在這一場貫穿影像與音樂的感官實驗中，那些朦朧空寂的電影場景與夢幻的旋律音色，帶領觀眾穿梭於虛實交界，拼湊出潛意識裏最柔軟的記憶碎片。究竟有哪些電影場景與聲音，真正藏着夢核的靈魂？

電影

《真人SHOW》THE TRUMAN SHOW

從出生那一刻起，楚門的人生就是一場零死角，二十四小時直播的真人秀。電影《真人show》可說是奇幻電影中的經典之作。小島上排列着白色與淺粉色的房屋，在耀眼陽光照射下，散發出一種朦朧又超現實的氛圍—正如導演Peter Weir所形容：「晴天的時候，房頂在陽光下閃閃發光，但天空卻呈現出一種令人心痛的藍色。」這個看似完美的烏托邦，實際上是真人秀導演精心排練的巨型騙局。電影尾聲，楚門終於克服對大海的恐懼，沿着海岸線揚帆而去。當帆船駛向那一抹湛藍的盡頭時，迎面而來的是通往真實世界的大門，這一幕成為夢核美學中最具標誌性的一幕。

《幻海奇緣》EDWARD SCISSORHANDS

除了男主角愛德華的剪刀手形象，《幻海奇緣》中精心打造的夢幻社區，同樣於影迷心中塑造了夢核美學雛形。電影將房屋粉刷成褪色般的柔和色調，並融入六◯年代的流行元素，整齊劃一的排列宛如芭比世界般夢幻。為了呈現愛德華眼中的人類世界，劇組利用大量鐵絲網與人造草坪取代傳統草皮，並以輕質鋼骨架雕塑出各式灌木叢，再填滿人造綠植物。

《玩具》TOYS

這部童趣而怪誕的電影《玩具》可說是夢核美學的教科書。它以玩具工廠為糖衣，實質探討戰爭與童年。巨型玩具公司於偏僻田野中拔地而起，廠內奇特的玩具生產線、辦公室入口那座滾動樓梯、宛如萬花筒般的將軍服，以及真人大小的玩偶服裝與塑膠頭飾，每一個畫面也營造出畫作般的視覺效果。

電視劇

《離職》SEVERANCE

這部被譽為二◯二◯年「神劇」之一的科幻懸疑電視劇《離職》，以神秘科技企業作為舞台，憑藉獨特的視覺美學，完美演繹夢核標誌性的閾限空間。從空無一人的街道到偌大的辦工室，配上草綠色地毯，乾淨工整卻毫無生氣，營造出不安的詭異氛圍。

音樂

隨着電子音樂發展日漸成熟，衍生種類繁多，夢核美學也發展出一套獨特的音色風格，它與其說是一種音樂流派，更像是一種模擬夢境、潛意識碎片與童年記憶的聲音技術。帶有Lofi音樂的不收邊幅、迷幻音樂的模糊與失焦，再混入一丁點Ambient音樂的空靈，從不同種類東拼西湊而成的夢核音樂，悄然在數位社會中築起了一座聽覺避難所，把我們對未來的焦慮、疏離感與童年失落，都安放在這模糊溫柔的旋律中。

HI – TEMPOREX

以夢幻簡潔的音調和弦拉開序幕，就像遊戲開始時旁白跟玩家簡單地說聲「Hi」的開場白。透過減速、變調與加入混響，扭曲了空間感，讓聽覺陷入遲緩，模擬夢中變慢的時間感知。同時，在混響中重構閾限空間的空洞，讓聽眾閉上眼便能感受到置身空曠大廳或無人泳池的錯覺。

7 WEEKS & 3 DAYS – YUNGATITA

在社交媒體上看過夢核內容的經典配樂，原版輕快的旋律被放慢並疊加大量迴響，Slowed Reverb版本讓主唱空洞的歌聲化作若有似無的喃喃自語，伴隨破音吉他聲在空氣中游蕩，宛如蒙上一層錄影帶的粗糙感，展現出夢核美學的迷幻與不安，將聽眾一把推進無盡的走廊，徹底忘卻空間座標，深陷其中。

SNOWFALL – ØNEHEART & REIDENSHI

作為當代ambient音樂與夢核最具代表性的作品，以極簡鋼琴和弦和厚重的環境合成器鋪底，勾勒出一幅落雪無聲、世界暫停的靜止畫面。

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何謂浪漫？大眾眼中的浪漫，往往是工整、完美、邏輯通順、色調悅目的標準樣貌。但在視覺藝術家Lonely Kidney的創作世界裏，浪漫從不依附完美，而是藏在碎片、失衡與曖昧之中。

「把腦袋裏那些亂七八糟、卻又莫名其妙的怪東西具象化。不和諧、不完美，甚至有點醜或媚俗的元素拼湊在一起，製造一種和諧的混亂。」這是Lonely Kidney對自身創作最精準的定義。不同於主流審美的工整精緻，她的創作始終游走在邊緣地帶，擁抱所有不完美與不規律，以平面設計與插畫為載體，將腦中荒誕、奇異的思緒，化為可被看見的視覺藝術。

Lonely Kidney與dreamcore的邂逅，始於一場偶然的網路瀏覽。「第一次接觸dreamcore，應該是在pinterest上無意中翻到一些圖片。」憶起初遇，她依然清晰記得那種矛盾又迷人的獨特感受。不同於常規視覺，dreamcore的畫面擁有極強的情緒張力，「那些圖片看完會有種不舒服、詭異，卻又異常熟悉的感覺。那些柔和低飽和度的色彩、超現實的元素、模糊又帶點雜訊的畫面，讓人既想移開視線，又忍不住一直看。」

在大眾認知裏，夢是虛幻、飄渺、無跡可尋的，但在Lonely Kidney眼中，dreamcore是具象的、有溫度、承載記憶的。「對我來說，『夢核』就是一種半夢半醒的虛幻感。它帶有濃厚的懷舊色彩，像是一段被遺忘的童年記憶，或是發了一場模糊的夢。」一半疏離孤獨，一半溫柔治愈，正是夢核美學最動人的核心魅力。

相較於取悅普羅大眾的視覺，dreamcore的意義在於共情情緒。「這種美學不追求討好觀者的眼睛，而是邀請觀者進入一種更主觀、更情緒化的空間。」也正是這一特質，讓dreamcore被無數年輕人譽為「電子鄉愁」，成為現代人寄託思念與遺憾的載體。對於這種的說法，Lonely Kidney深表認同。在她看來，夢核美學的本質，是現代人的「空間創傷」與遺憾慰藉。城市不斷迭代翻新，童年熟悉的街景、商場、公園逐漸消失，那些無可挽回的美好時光，最終只留存於記憶之中。

她的創作始終緊扣這份懷舊情緒，執意重現千禧年代的場景與風物。「在我的創作中，常常重現千禧年代的復古場景、人事物。每當創作時，我都會回想起小時候無憂無慮的時光。」懷舊從不是單純的感傷，而是美好與遺憾的共生，「那種念舊的愁緒與美好並存，既有對逝去童年的懷念，也有一種透過創作把記憶碎片重新拼貼的溫柔。」而這份濃厚的網路懷舊情結，也成為Lonely Kidney創作的情感核心。成長於網路蓬勃發展的千禧年代，網路文化、流行印記深深烙印在她的記憶裏，也徹底融入她的藝術創作之中。

長輩圖作品

身為香港藝術家，Lonely Kidney的dreamcore沒有照搬通用模板，而是深深烙印着獨有的香港城市氣質。在她心中，香港dreamcore對應的，正是無數人的黃金年代—千禧年初。小時候總盼着快速長大，以為未來漫長、萬事可期，可成年後回望，才發現最珍貴的時光早已悄然遠去。「香港dreamcore的代表性元素，我覺得包括霓虹燈招牌、Windows系統裏的藍天白雲草地、早期論壇的介面，以及那些九十年代至千禧年盛極一時、如今逐漸沒落的舊式商場。」

除了復古本土的符號，Lonely Kidney的作品還有極高的辨識度—滿載趣味的meme（迷因）元素與黑色幽默。

談及meme與dreamcore的共通性，她表示兩者的底層邏輯高度契合：「兩者最大的共通點，就是依賴視覺拼貼，並且帶有一種粗糙感、打破傳統邏輯的敘事方式，能夠瞬間引發大眾的集體共鳴。」而她的創作巧思，便是將兩者完美融合，重塑經典記憶。「在創作時，我喜歡把千禧年代經典的meme題材dreamcore化。把主體進行低像素化或模糊處理，再把它置入藍天白雲或超現實場景中，故意製造那種詭異又熟悉的感覺。」

與meme元素相伴的，還有貫穿作品的黑色幽默。不同於直白的搞笑歡樂，Lonely Kidney的幽默耐人尋味。例如港人才能知曉的「忘了愛」、「末代mk妹」及「長輩圖」梗圖等，還會賦上一句潮語，就如作品「破房了」，再配上一句「兄弟刪了吧，我有點破房了」。網站使用高飽和度、對比強烈的「土味」風格設計也另有一番風味。而dreamcore的獨特氛圍，恰好成為黑色幽默最好的載體。「dreamcore本身就帶有一種故意製造的詭異熟悉感，這剛好適合承載黑色幽默。我喜歡把不搭調的元素硬生生撞在一起，看它們能不能撞出火花。」失衡、突兀、不協調，在她的筆下不再是瑕疵，而是獨特的藝術表達，「當你把這種不協調、不完美的怪異物件跟夢幻場景並置時，就會打破原本沉重的氣氛，碰撞出一種荒謬的喜感。多了一層曖昧和不安，讓幽默變得更耐人尋味。」

「mk」妹梗圖作品

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大家對營業時間過後的百貨公司有甚麼想像？晚上的百貨公司撇去白天的熱鬧，筆者總是覺得那些模特兒人偶入夜後會自己到處遊蕩，更多是恐怖吧。

這趟來到位於黃竹坑，走進Serakai Studio所舉辦的《dreamedcore》展覽，展覽空間搖身一變，化身打烊後的百貨公司，小劇場、噴水池、展示新一季產品的T台、公共休憩空間一應俱全。我們跟跨媒介策展人Shirley Lau一同談談夢核美學的大小事。

那「真實卻不真實」的矛盾感

在超現實、朦朧的夢核（Dreamcore）美學裏，從來沒有標準答案。談到對夢核的解讀，對Shirley而言，夢核從來不是冰冷的網路美學標籤，它更像一種細膩而矛盾的感覺：「夢核就是一種很微妙的矛盾感，熟悉又陌生，好像去過又沒去過，亦是明知再也見不到的遺憾與眷戀。」現實與幻夢之間的獨特張力，正是這次策展的靈魂。

踏進展覽，空間看起來秩序井然有序：噴泉、T型伸展台，廣場不時舉辦商演活動。場內擺放多個畫着歐式濃妝的模特兒人偶，透出一絲微妙的尷尬。Shirley解釋：「我的記憶中充滿百貨公司的種種片段，因此選用百貨作為展覽主軸，它可以串連藝術、時裝與設計。這個形式容許我們大膽嘗試，打破藝術展和概念店的界線，百貨的開幕與閉幕，放在這個概念之下也變得順理成章。」

鍾情於懷舊事物的Shirley，對於舊式百貨商場有着獨特的情意結。「小時候居住的社區並沒有大型商場，也不是現代化的城市，所以在我記憶中百貨公司也是充滿懷舊感。」這份成長記憶，成為她很重要的創作養分。

留在黃金年代的夢核城市

當夢核風潮席捲全球網絡，Serekai Studio集結了二十二位亞洲藝術家舉辦跨媒介展覽，為何特別選擇香港作為展覽的落腳點？Shirley覺得一切再自然不過：「香港本身就是一個懷舊的夢幻城市。」她自言很喜歡王家衛的電影，而導演鏡頭下朦朧又帶點頹廢的都市浪漫，也形塑了她看待香港的視角。

談到香港那些充滿「熟悉又疏離」氣息的地方，Shirley認為許多城市角落仍藏着九十至千禧年代初的時代痕跡。從深水埗、佐敦、尖東一路到中環，無論市井街區或是商業地帶，總被貼上「復古」、「舊香港」等的標籤。「有些地方的生活模式幾乎沒有改變，依舊只收現金，不接受PayMe或是電子轉帳，這種運作模式，我覺得就很夢核。」

但Shirley也提出了一個值得深思的觀點：大眾往往沉溺於八、九十年代香港的黃金想像，卻忽略屬於當下香港的夢核質感，很少認真思考該如何面對城市懷舊情懷與真實現實之間的落差。

與舊日和解 在過去與現在之間尋找平衡點

藝術作品流轉於畫廊、概念店以至居家場景，模糊藝術展覽、零售與社交體驗之間的界線。

這場漫遊式展覽，把抽象的夢核美學，化為可以親身感受的空間。「假如沿用傳統展覽形式呈現，觀眾很難沉浸式感受Dreamcore，也難以連結自身童年回憶，與美學產生共鳴。我不想讓大家覺得這裏涇渭分明，作品歸作品，觀眾歸觀眾。我想營造百貨公司的體驗，讓大家明白眼前物件，既不單純是商品，也不只是藝術品。」

被問及希望觀眾從中收穫甚麼：她希望觀眾在看完展覽或思考過後，在面對現狀的失落與無奈時，可以找到一個中間點，不必極端地二選一：只活在過去或憎恨當下，也不必強迫自己割裂過去、全然擁抱現在，學會以新的方式面對過去的懷舊與思念。

或許Dreamcore就像一個濾鏡，或一種梳理情緒的方式，讓我們能更好地面對當前的迷茫。縱使無法設身見證那些年的巔峰輝煌，但那些屬於舊時代的美好、童年的溫柔，也都值得被好好珍藏，保存記憶最好的方式，從不是原地緬懷，而是重新詮釋。

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這種對理性的反撥並非憑空而生，其根源可追溯至打造了當今世界的現代性（modernity）。現代性指啟蒙運動與工業革命起，現代社會的特質，尤其強調客觀與邏輯。馬傑偉解䆁：「現代社會的進步，正是因為人們具備邏輯思維、懂得分析，進而發明許多新事物。他們也相信這份邏輯分析，所以選擇讀醫、讀法律，或從事其他行業，從而獲得成功。」

隨着十八世紀啟蒙運動的結束，現代性達至頂峰，築起了全球經濟的金字塔。戰後的嬰兒潮世代確實享受到現代性帶來的富裕。然而，如今在階級固化、科技急速發展下現代性的紅利已所剩無幾。馬傑偉說：「現在生活資訊碎片化，情緒也碎片化，人生規劃很困難，工作也沒保障。我們以前那條正路—讀好書，現在也不一定行。」當舊時的「人生必勝法」隨着現代性崩塌，人們無法以此管理人生，便將目光投放於毫無規則，顛覆日常的夢境。

夢境中的潛意識提示

既然未來岌岌可危，我們又能否透過解夢得到啟示？馬傑偉表示解鈴還需繫鈴人，「所有的夢只有當事人自己才能解讀」，同一個意象於每個人皆有各自的解讀。現時馬傑偉每個月會舉辦夢境工作坊，八位具研究背景的朋友解讀同一個夢，「我講一個夢，其他人就開始追問夢裏那些我沒注意到的細節及當時的感受。不會問你故事的起承轉合，而是你情緒最強烈的地方在哪裏，哪一部分讓你特別有感觸。」由此引導做夢者梳理更多夢境的細節，並反思夢境中的符號，而非給予定論，「比如說我是心理學解夢博士，我來告訴你為甚麼，這種做法傷害大於治療，因為多了一個外在的權威替你解釋。」

馬傑偉鼓勵讀者關注Little Dream以外的Blockage Dream：「坊間對解夢有種迷思，認為要解開特別信息、破解密碼，這是不對的。第二類夢不止是單一的夢，更與你現實中的處事作風、過去創傷、性格中重複的行為模式有關。夢有補償性，一個很理性的人在夢裏會很瘋狂。這是補償作用，使你不致於在現實中崩潰。它牽涉到你整體的成長。」夢境似是一座鏡像迷宮，每面鏡子皆折射着潛意識中的情緒與欲望。與其尋找逃生門，直視鏡像中的自我才是出路。馬傑偉視夢為一封邀請信：「邀請你去認識自己的另一面」、「重新審視生活方式、性格，也可能牽涉創傷。」

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核類美學 –CORE AESTHETICS

現今網絡語境下，「核」（-core）此後綴是一種用以定義及交流特定視覺文化風格的速記法。不同的核類美學異質同構，如和夢核同樣挪用閾限空間與懷舊元素，但更為暗黑不安的怪核（weirdcore）。

當中人的缺席貫穿所有核類美學。空間的留白剝奪了日常場景原有的功能與脈絡。觀者被迫用想像力填補空缺，並將自身情緒投射其中，使影像成為映照觀者內心的鏡子。

閾限空間 LIMINAL SPACE

在人類學中，閾限空間原用於描述一種身份轉變的狀態—介乎失去舊身份與獲得新身份之間，如割禮代表未成年到成人的過渡。後來，閾限空間被引申至「非地方」（non-place），指難以界定的過渡空間，為連接兩個地點的通道，不會久留，如隧道、機場。

夢境也是一種內心與現實之間的閾限空間，熟悉又陌生，不合邏輯，卻有強烈情感。在夢核美學中，閾限空間、夢境及超現實主義互相碰撞，散發出曖昧而矛盾的情感張力。

LITTLE DREAM

退休後鑽研夢境及靈性範疇十餘年的馬傑偉博士指，有一種夢，叫做Little Dream，專門處理人們日常生活中的各種情緒，就像洗衣服，在夜裏洗滌並清除那些瑣碎但重要的東西，好讓我們的精神狀態得以恢復。

BLOCKAGE DREAM

Blockage Dream源於我們在現實生活中壓抑的情緒，反映心理上的困擾。這些被抑制的情緒在潛意識裏翻騰，趁睡夢中防備鬆懈時爆發出來。這類夢常常重複夢見，有時會讓你害怕，因為未處理的情緒只能在夜裏被釋放出來。

BIG DREAM

Big Dream比較少見，在夢境研究中甚是神祕，當中的象徵意義在日常生活中不會出現的。這是集體的夢，超越個人經驗，很少人能做。在人類學研究中，有些部落的薩滿能進入Big Dream。

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Coachella全球流行文化指標

Coachella曾被權威音樂雜誌《Rolling Stone》評為「美國最好的音樂節」，每年四月於加州印第奧市（Indio）的沙漠綠洲上舉行，以豪華歌手陣容及多元音樂類型聞名。歷年主舞台上雲集眾多天王歌后，包括：Beyoncé、Justin Bieber、Lady Gaga等。近年，韓流女團Blackpink、西班牙語饒舌歌手Bad Bunny等，更多非英語系歌手也踏足Coachella的主舞台。分舞台則展開多種音樂流派的表演，例如：EDM、龐克搖滾等。可見，Coachella兼具全球流行性及多元性。

除了歌星，觀眾最關注的莫過於穿搭。呼應Coachella的沙漠風情與自由氛圍，融合波希米亞風與嬉皮風的Boho-Chic便成為了Coachella Style的代名詞。流蘇、編織、麂皮、薄紗等標誌性元素常見於參加者身上，打造出自由奔放的造型。

音樂及時尚之外，Coachella更是一個藝術節。自二○一三年起，主辦方每年都邀請藝術團隊設計巨型藝術裝置。二○一四年，他們便創造了一座高達十米的太空人互動裝置，將觀眾的面孔投影在面罩上，成為網路焦點。Coachella將高級藝術與流行文化結合，進一步鞏固其高品味的定位。

Glastonbury Festival人文共建的金字塔

Glastonbury西南部Somerset一帶的農場音樂節。在一九七◯年的首場門票僅需一英鎊，還附贈農場生產的免費牛奶。次年的搞手認為，當時其他音樂節過度商業化，便尋來贊助，讓觀眾免費入場，反映出當時嬉皮文化（Hippie Culture）中反建制、反商業化與人人平等的精神。而隨着Glastonbury的規模擴大及知名度提升，每年吸引近二十萬人次前往朝聖，是為全球最大的露天音樂節。音樂風格亦由早期的民謠、藍調與搖滾，逐步擴展至流行、電子、獨立音樂與嘻哈。David Bowie、Radiohead、Paul McCartney等，傳奇歌手及樂隊皆曾登上Glastonbury最具代表性的金字塔主舞台。

音樂以外，Glastonbury亦涵蓋戲劇、喜劇、馬戲、木偶劇等多元表演藝術。二○二四年，行為藝術教母Marina Abramovi身穿一件輪廓為和平標誌的長袍，佇立於金字塔舞台，邀請全場噤聲七分鐘，共同反思戰爭與全球暖化等社會議題。可見，Glastonbury始終堅守人文關懷的核心價值。近年，主辦方仍持續捐款予樂施會及綠色和平等組織，且每隔五至六年便會停辦一年，讓土地與社羣休養生息。

Tomorrowland電子音樂烏托邦

有別於其他多元樂風匯聚一堂的的音樂節，選址在比利時布姆（Boom）的Tomorrowland是一座專屬電子音樂（EDM）的幻想樂園。為期三日內，超過四百位一流的DJ，在數十個風格及主題各異舞台輪番上陣，帶領樂迷開拓電子舞曲的無垠宇宙。主舞台則主打主流EDM及Big Room，歷屆邀來Armin van Buuren、David Guetta、Martin Garrix等電音界最頂尖的大師，引領觀眾隨着節拍及燈光狂歡舞動。

特別的是，Tomorrowland每年都設有嶄新的主題，貫徹該年的舞台設計及場地裝飾，塑造出一個完整的世界觀。二○一二年便以「The Book of Wisdom」（智慧之書）為題，打造出一個古老而神秘的童話世界。主舞台由一系列橫放或豎立的巨型書本組成，中間的智慧之書，可以攤開。內頁安装的LED螢幕，會隨節奏變化呈現不同的視覺波紋特效，猶如一本正在說故事的圖書。這一年，Tomorrowland獲獎無數，並連續五年蟬聯國際舞曲音樂大獎的「年度最佳活動音樂活動」，進一步確立其電子音樂殿堂的地位。

Fuji Rock Festival山林間的永續迴響

一九九七年，首屆Fuji Rock於富士天神山滑雪場舉辦，因鄰近富士山而得名。當時亞洲音樂節文化尚未普及，日本演出場地規模簡單，僅能容納四至五組樂隊輪流演出。作為日本戶外音樂節的先驅，Fuji Rock極具開創性，卻因颱風侵襲，活動在第二天便被迫中斷。自一九九九年起，主辦單位將據點遷至新潟縣笛埸滑雪場，並固定於夏季開辦，從此扎根。

新潟笛埸滑雪場座落山野之間，各舞台散落於森林各處，形成獨特的自然展演場域。雖名為rock festival，實際樂風橫跨民謠、雷鬼、嘻哈等多元類型，最大主舞台Green Stage更曾迎來Bob Dylan、Coldplay、Green Day等國際巨星，展現其世界級的影響力。

有趣的是，Fuji Rock鼓勵觀眾現場搭帳篷露營，營造悠閒氛圍，並親身實踐「自然與音樂共生」的理念。自二○○○年起，會場增設NGO Village，邀來國內外組織宣揚全球暖化、國際合作等議題，並舉辦各項環保及社區活動，讓參加者在微小的選擇裏重拾自身與世界的連結。觀眾亦自發維護環境整潔，讓Fuji Rock贏得「世界上最乾淨的音樂祭」的美譽。

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音樂節如像課外活動展會

在JACE眼中，參加音樂節是一個自由、有流動性的獨特體驗：「就像小時候在學校裏那些課外活動展會，你可以四處去試試每個攤位所展示的東西，有些你喜歡的便留下，有些試完你不喜歡又可以離開，那種感覺是簡單和純粹的。在一些歌手的專場，你不可以走進去不喜歡就走，但音樂節就是有不同節目同時發生。這一刻你想留在面前的舞台，然後下一刻又想貪心地走去觀賞第二個舞台的演出，並沒有人會責怪你的。在表演時，你無論是站着、坐下還是跳着舞，或更甚的看一會兒後離開再回來，其實都是無所謂的。音樂節就有着一個自由的文化，無論是音樂種類，還是大家的參與方式，它就是象徵着一種流動性、embracing的一個感覺。」

商業非主導 表演更廣闊

在這一個氛圍下演出，JACE更能感受到觀眾與她的交流，自不然就能交出不一樣的表演：「我在音樂節演出的經驗均是愉快和純粹的。在其他的演出，大多時你會依靠不同影像設計、舞蹈甚至不同服飾的配合，然而在音樂節中，我感覺就是回到一個以音樂主導的演出。大部分音樂節都是在戶外舉行，在這樣的舞台上表演，無論是現場觀眾的互動、風的流動還是光線的接觸，所有事物感覺顯得十分organic，令我特別放鬆，而實質的感覺是很難用言語解釋的。回想起自己站在Clockenflap的表演台上，在唱着一些音調的瞬間，然後在廣闊的場地看到一羣觀眾及維港的景色，一剎那世界變得更廣闊，音樂的projection也變得遠了。那一刻感覺跟世界連結多了，是一個微妙和感動的經歷。」

去年十二月Clockenflap演出中，JACE特別邀請了首次合作的Teriver Cheung作為樂隊領班，為她所表演的歌曲重新編曲至爵士樂風格。雖則這一個決定是希望今次演出與她當時相差三個月的紅館個人演唱會有着與別不同的感覺，然而沒有音樂節那股令人不怕嘗試的自由，她也不會有勇氣去做一個不理會商業性的音樂選擇：「我並不想在短時間內做兩個相近的演出，這樣對兩邊的主辦單位還是觀眾都不公平，因此我必須要為所有歌曲重新編曲。而當音樂節能專注在音樂性時，我就選擇以爵士樂主導整個歌單。在主流廣東歌上，爵士樂並不是一種常見的編曲風格，更何況無論是我推出歌曲，還是在其他表演時，都未必能將所有廣東歌轉成這一種複雜的編曲，真的只有藉着音樂節才能給予我們發揮空間。因此這個演出對我來說是實在難得，亦算是小試牛刀，嘗試一下自己的能力，又挑戰一下觀眾的界限。」在演出期間，JACE十分享受與一同表演的樂手互動，她使用的監聽耳機沒有任何日常協助表演的程式設定或節拍器，只專注於樂手的彈奏。當她不經意唱快了一點，樂手又要立刻配合，整個樂隊真摯地連結着，共同譜奏出全新編曲的獨特性。

JACE亦感謝主辦毫無干預她演出的所有部分：「主辦單位在演出的前期沒有給予任何意見或方向。當他們選擇了你作為其中一個表演單位，就會對你有信心，將整個舞台交給你。我覺得正正可能是這一種互信關係，才會令到很多的表演者在音樂節上更加傾出所有，將平常沒有機會做到的，或者用一個不惜工本的態度，放在一個這麼好的舞台上。」除了享受台上表演，她在表演前後同樣能感受到音樂節的美妙時刻：「演出前我們在後台的其中一個booth等待，而旁邊的booth是其他你欣賞的表演者，這些偶遇都會令你的心情變得更興奮！」她又笑言在這次演出前先在後台喝了杯酒熱身才上台。演出過後，JACE亦將整個Clockenflap表演的歌曲上載至串流平台，令人能重新感受這次可一不可再的演出。

是歌手也是樂迷

熱愛音樂的JACE，曾以樂迷身份到訪過大大小小的音樂節，每一次均是充滿「冇王管」的派對氣氛，當中美國著名的Coachella音樂節令她留下了難忘的回憶：「以前覺得香港音樂節的規模已經不小，直至去到Coachella才發現原來音樂節可以是更盛大，草地更廣闊、音樂種類更多，人和事全部的體驗升級了！試過跟朋友去了不同的舞台，然後大家失散了，這些經歷對我來說是刺激但又樂而忘返的。」不同音樂節的演出均令她留下深刻印象，當中包括來自西班牙的Rosalía及美國創作歌手Kali Uchis，不過說到最刻骨銘心的還是二○一八年在Clockenflap表演的Neo-soul女王Erykah Badu：「那年和樂隊Dusty Bottle下午演出過後便一直留到晚上等她。我沒有理會其他朋友，早在表演開始前便站在舞台前排，希望可以近距離地看Erykah Badu。她對我來說不單是一個偶像，她好像一位大地之母，所以當可以那麼近欣賞，當刻感覺非常不實在，她的音樂深深地打動了我。」問到還想參加哪些音樂節，JACE渴望能到訪西班牙的Primavera Sound音樂節，感受主辦單位精挑細選的line-up和當地的熱情，再次衝擊自己的想像。

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音樂節的奇妙化學反應

「當你離開一個音樂節時，心中總會有點期盼生活能一直是這樣就好了。」Clockenflap聯合創辦人及CEO Mike Hill表示。

Clockenflap團隊成員不約而同認為，音樂節比起一般演唱會和表演更具一種奇妙化學反應，形成了特殊的文化。營運總監兼市場總監Simon Bratt指出音樂節文化是由當中獨有的混合式沉浸體驗而生：「演唱會當然是一個好機會，讓你能感受到自己喜愛的歌手現場演出所帶來的刺激，可是音樂節卻是個截然不同的體驗。你會在不同舞台之間遊走，偶然認識到新的音樂單位，更能品嚐美食並認識新朋友，整個周末都沉浸在這個氛圍當中。以Clockenflap為例，你能觀賞國際級歌手的表演，然後發現一個讓你驚豔的本地樂隊，並能在香港的天際線下跳舞。它不僅是一場演出，那種音樂、藝術、美食和人羣的融合創造了音樂節文化，一種一加一大於二的共同體驗。」

展現兼容性與包容的社羣

「音樂節邀請參加者在多方面進行探索、發現和參與。我一直很喜歡這不可預測性，尤其是那些只有在音樂節才能經歷的隨機邂逅。」聯合創辦人兼藝術總監Jay Forster認為音樂節文化有一種集體協議：大家放下了各自的日常生活，踏入一個圍繞着創意、好奇心和連結人的世界。這種強烈的連結，亦是音樂節文化與其他表演的區別所在，更如Associate Producer Toby Poon所言， 展現出日常生活所缺乏的兼容性與包容性：「數天的音樂節有着不同衣著、年紀、背景等等的觀眾，而大家的共同目標就是享受音樂，這正正體現出和而不同的價值觀。」身為市場推廣主管的Kelyn Yuen亦補充音樂節的連結是多面向的：「演唱會可能更接近一場獨白，歌手表演而大部分時間觀眾接收。反之音樂節是一場多方位對話，不管參加者是否意識到，其實在場的每個人都在為這種體驗做出貢獻。音樂節有一種演場會不一樣的實在感覺，你與成千上萬不認識的人一起站在陽光或雨中，你們可能因為完全不同的演出單位及原因聚在一起，然而大家卻是感受着完全一樣的氛圍。大家趟開心扉，這種共同脆弱性是罕見而美麗的。」

強大陣容背後

要成功將音樂節文化帶給本地樂迷，Clockenflap每年三天的節目，均要用上一整年的時間策劃。由選擇表演者、場地設置、推廣及贊助，幕後團隊在每一部分都花盡心思，務求將音樂與藝術的價值放大，令觀眾從中獲得最滿足的體驗。樂迷每年最期待的音樂節陣容，是經過Clockenflap聯合創辦人、音樂總監Justin Sweeting及團隊的深思熟慮而得出的：「我們的陣容定位很大程度上是反映出香港最優秀的特質，受中西文化的交匯影響、致敬經典的同時展示新興力量，用不同類型的音樂涵蓋各個層面，從而能與廣大樂迷溝通並啟發他們。」在多年努力之下，Clockenflap已經在業界中建立起聲譽，因此團隊不用像當初需要說服表演者為何要來港演出，而Justin明言表演者不能參與的原因，大多是純粹的「撞期」或更現實的預算問題。為了維持音樂節的多元性，Justin與團隊會避免同一表演者連續幾年重複演出：「我們希望盡最大努力為新的本地藝術家提供發展途徑，讓他們不斷湧現。」

確認了音樂陣容後，如何安排演出時間表同樣是涉及精密計算，才能令演出成為觸動人的一刻。「當我們邀請表演者時，永遠不只是關乎邀請『合適的表演者』，而是要為合適的舞台、在一天中特定的時間為觀眾創造真正絕無僅有的體驗。同時我們也必須考慮到當時音樂節上發生的所有其他事情，包括安全和人流。」Justin解釋道。要令表演者順利演出，背後的接待團隊也是功不可沒的，而擔任Promoter的Cora Chan便仔細講述接待流程：「整合過程通常由申請簽證開始，再透過電郵與表演者的巡演經理收集和核對他們的後台和接待要求。我們會根據每個表演者的飛機行程、音樂節綵排和技術彩綵的時間表，為他們安排交通接送。技術綵排不時在凌晨進行，而且大家的行程經常有變動，所以我們經常笑說負責演出單位交通的同事是音樂節期間睡得最少的人！但沒有了他們，海外的單位會就很難成功到達場地演出。」音樂以外，場地內的藝術裝置及表演同樣不可或缺，聯合創辦人、藝術總監Jay Forster希望以多元化的藝術啟發觀眾：「我們挑選藝術家的過程更多是出於直覺。一年中我大部分時間都在參加不同音樂節和表演、關注藝術家、閱讀等，這些事情令我可以聚合藝術節目的想法和主題。雖說策展過程更多是由直覺引導，而不受任何框架限制，但從一開始Clockenflap的定位就有一個核心承諾，希望展示國際藝術家的同時，也能展示香港本土的才華。香港擁有非凡的創意人才，他們值得擁有這個規模的平台，與世界級的國際表演者放在同一個節目裏，向大家宣告這座城市的能力。」

跨界合作 文化直根

確立了音樂和藝術這兩道主菜外，音樂節還需各類攤位、餐飲的配合，以及妥當的場地規劃，才令體驗變得完整。近年，Clockenflap中的跨界合作，像去年與譚仔合作的特色美食，都成功在網上引起熱話，而這一切可歸功於Director of Partnership and Business Development Kinny Barlow及團隊。Kinny表示，她們並沒有一套嚴格的指引來選擇品牌合作夥伴，但它們必需是一個的具有信譽和市場影響力的品牌，更必需與Clockenflap擁有相似價值觀和願景，提升音樂節體驗。在場地規劃方面，團隊中擔任執行製作人的Matt Jones，分享了不同舞台區域之間的通行便利性，是創造出音樂節凝聚力的關鍵部分。一個音樂節就是全靠各部門多方面的配合和策劃，才能彰顯出其獨特性。

Clockenflap發展出現有的規模，背後還少不了透過市場推廣的教育。市場推廣主管Kelyn回想起十多年前，要向大眾傳達音樂節最基本的概念和知識：「Clockenflap早期舉辦時，香港並沒有真正的音樂節文化。如果你提及『festival』，大多數人會想到中秋或重陽等，而當代音樂節的概念還未被大眾廣為了解。我們花了很多時間解釋基本概念、它與其他拼盤 show 或演唱會的不同之處、為甚麼沒有劃位座位等等。」原來這些現在樂迷皆知的理念，曾經是完全不被了解。當然，每年大型活動總帶來很多不同討論，面對觀眾的評論，Kelyn 坦言：「評語我們都虛心接受希望可以做得更好，但當中有些留言可能出自對於行業的誤解。一方面這個行業確實相較神秘，另一方面我覺得也是因為大家在乎才願意花時間討論，我們一直都很感恩，特別是在這個注意力為王的年代。」

「我心底對於Clockenflap的願景，就是希望Clockenflap能夠成為香港的一部分。它不僅僅是一年一度的音樂盛事，而是融入這座城市的血肉，成為本地人與外地人談起香港時，自然浮現的一個名字。」CEO Mike Hill希望透過Clockenflap映照香港美好的不同面貌，包括香港人那種靈活、多元、充滿活力的氣息。

用數字拆解音樂節

透過以下從Clockenflap得來的數據，便可知道要策劃一次音樂節，需要動用的人力物力，絕對是龐大得令人難以想像。

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判斷一位經典人物的時代影響力，最直觀的標準，是其能否跨越歲月流逝，持續被後世致敬與借鑑。瑪麗蓮・夢露歷經半個世紀的沉澱，其獨特的性感美學與造型風格，深深薰陶、影響了數代歐美當代女星，從Lady Gaga、Sabrina Carpenter到Kim Kardashian，皆從她的風格中汲取靈感。

重塑後代荷李活風範

歌影視三棲的全能天后Lady Gaga，亦是夢露美學的忠實追隨者與重塑者。Gaga對夢露的致敬從不局限於整體造型，更落實在細節與風格創新之中。二○一七年她亮相洛杉磯活動，一改常態換上檸檬黃復古波波短髮，靈感正是源自夢露的經典髮型，側分剪裁完美還原五十年代復古韻味。與此同時，她借鑑夢露標誌性的濃密睫毛與貓眼眼線，搭配大尺寸貓眼墨鏡，僅以粉調唇膏替代經典正紅色，在復古基底中融入個人特色，復刻之餘更具新意。

Lady Gaga二〇一七年亮相洛杉磯活動

Lady Gaga於二〇一六年金球獎頒獎典禮穿著黑色禮裙致敬夢露

Marilyn Monroe穿著黑色禮裙出席《亂點鴛鴦譜》（The Misfits）首映禮

於電影《索女・重炮・神經刀》（Machete Kills）中，她飾演「變色龍」一角，海報造型極具衝擊力：頂着復古夢露鬈髮，身披狼毛皮草、赤裸上身手持冒煙左輪手槍，將夢露的柔媚與自身的冷豔叛逆結合，演繹出反差極強的復古性感。而在一九六一年夢露最後一部完成的美國經典電影《亂點鴛鴦譜》（The Misfits）首映禮上，她穿的經典小黑裙驚豔無數人，這一名場面也被Gaga完美致敬。二○一六年金球獎頒獎典禮，她刻意遮蓋全身刺青，以純粹復古的造型還原夢露的典雅嫵媚，向經典隔空致意。

Lady Gaga於電影《索女·重炮·神經刀》（Machete Kills）海報

新生代人氣女神Sabrina Carpenter，則精準繼承了夢露「甜媚共生」的核心氣質，被業界與大眾譽為新一代「瑪麗蓮・夢露」。不同於張揚豔麗的主流審美，Sabrina傳承了夢露風格中的低調高級感，將復古美式曲線美融入新生代流行審美，成為年輕一代復古夢露風格的最佳代言人。她多次在頂級時尚場域公開致敬經典，每一次亮相皆驚豔全場。

二○二六年Met Gala盛會上，Sabrina身穿Versace SS18系列禮服登場，上面印有Andy Warhol的絲網印刷圖案，包括Marilyn Monroe、James Dean等流行文化icon，成為當晚熱議焦點。此外，她曾登上美版《Vogue》封面，以標誌性金髮搭配復古束衣造型，畫面氛圍兼具夢露的純真嫵媚與麥當娜的前衛復古，辨識度極高。在個人專輯《Man’s Best Friend》的替代視覺封面中，她同樣暗藏巧思，以造型、氛圍全方位致敬瑪麗蓮・夢露，亦多次公開坦言，個人風格的塑造深受這位傳奇女神啓發。

Sabrina身穿Versace SS18系列禮服

Sabrina Carpenter個人專輯《Man’s Best Friend》

「總統先生生日快樂」連衣裙

說到最令人印象深刻的夢露復刻造型，絕對是Kim Kardashian於二○二二年Met Gala帶來的「爆軚裙」事件。當時Kim Kardashian復刻的造型是一九六二年，瑪麗蓮・夢露身著Jean Louis為其量身打造的膚色亮片透視緊身禮服。這件改寫時尚史的經典透視禮服，是完全零公版、百分百為夢露量身定制的獨家高訂作品。設計師當年細緻參考夢露的原生膚色、身形曲線與淺金髮色，以「融於肌膚、勝似裸肌」為核心概念打造視覺效果，六千顆手工縫製的細緻水晶亮片貼合人體工學的立體剪裁，耗資一千四百四十美元。也正因是專人專屬訂製，這件禮服自一九六二年夢露最後一次公開穿著後，從未經過任何清洗，衣襬底部至今仍保留當時的原始痕跡與歲月印記，是無可複製、帶有真實時光溫度的時尚文物。

Kim Kardashian於二○二二年Met Gala穿著Marilyn Monroe「總統生日宴」長裙

伴隨半世紀時光流轉，這件禮服的收藏價值與傳奇性不斷攀升。一九九九年它於佳士得拍賣會以百萬美元高價落槌，寫下當時影星戲服拍賣紀錄。二○一六年再度易主，由信不信由你博物館（Ripley’s Believe It or Not!）以高達四百八十萬美元的天價收購，正式列為頂級典藏文物。為完整保存其脆弱面料與半世紀的歷史狀態，博物館將其長年存放於恆溫恆濕的68℃黑暗保險庫中，嚴格管控光照、溫度、濕度，極少對外公開展出，是業界公認「難以亮相、難以借用、難以復刻」的頂級禮服。

一九九九年佳士得拍賣行

「爆軚裙」炎上事件

Kim Kardashian深知這套禮服的歷史重量，為實現這場跨世紀致敬，她耗費大量時間輾轉溝通、多方牽線，最終成功說服博物館破例借出這件絕世珍品。為了以最大敬畏之心對待文物、尊重歷史規範，她事前嚴格遵守博物館的所有借出條款：提前試穿禮服複製品確認整體呈現、全程不更動古董禮服的任何一吋版型結構。為避免化學成分、香精、色素殘留損傷古老面料，她全面停用日常所有香氛乳液、彩妝與香水。運輸環節更出動私人飛機搭配武裝保全，以專業文物級恆溫恆濕設備全程護送，將禮服安全運送至豪宅。

與此同時，為無限貼近夢露當年的身形比例與穿著狀態，Kim Kardashian極端管理身形，短期內急速減重十六磅，並耗費十四小時完整漂染髮色，復刻夢露標誌性的柔軟白金捲髮，從身形、皮膚質感、髮色到復古氣韻全方位還原，只為呈現最貼近經典的模樣。即使極致備戰，這件專屬一九六二年夢露體形的古董禮服仍存在無法跨越的時空差距。相較夢露嬌小玲瓏的曲線骨架，瘦身後的Kim Kardashian依舊無法完整拉上禮服背後拉鏈，最終只能搭配白色皮草巧妙遮掩細節，僅在Met Gala上樓梯的重點環節短暫穿著數分鐘，隨即立刻換上安全的禮服複製品，最大限度降低古董真品的磨損風險。

Marilyn Monroe「總統生日宴」長裙

當晚這場短暫卻轟動全球的亮相致敬陷入兩極熱議，不少觀眾認為無人能複製夢露天生自帶的純真嫵媚，經典終究難以超越。儘管爭議滿滿，Kim Kardashian受訪時也真切闡述自己的致敬初衷：「我不斷思考，最能代表美式經典、最雋永的時尚符號是甚麼？答案永遠是瑪麗蓮・夢露。」她坦言，夢露在甘迺迪生日晚宴的獻身舞台，是荷李活黃金年代最動人、最難忘的時尚瞬間，而自己希望透過這次亮相，讓年輕世代重新看見這件半世紀禮服的傳奇價值。

時隔半世紀，夢露留給當代娛樂圈與時尚界的，從來不是單一固定的穿搭公式，而是一種獨立自信的女性生活態度—性感無需依附低俗，嫵媚不必等同柔弱，女性可以憑藉原生曲線之美與溫柔從容的氣質，綻放專屬於自己的獨特光芒。

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