E.L.V. DENIM品牌創辦人 Anna Foster

INNER：曾擔任時尚雜誌編輯長達20年的你，這段經歷如何啟發或促使你創立 E.L.V. DENIM ?

Anna：擔任造型師和編輯近20年，我清楚意識到時裝界已經與我剛入行時大不相同。 產品質素與生產過剩的情況日益嚴重，我深愛的行業顯然正對環境造成負面影響，而我也在不知不覺中成為了其中一部分。創立E.L.V. DENIM的初衷，正是為時裝界帶來一點改變，將二手衣物轉化為值得永遠珍藏、獨一無二的經典單品。我們挑戰時裝界對環境影響的現狀，以創新賦予現有高品質布料的衣物第二次生命，從而創造一個更美好的世界。

創立品牌的經歷重塑了我的觀點。我開始以完全不同角度創作，不再受限於傳統的製造模式，並經常反問自己:「為什麼我們不能這樣做?」。傳統設計師通常先設計單品再尋找布料，但我們恰好相反，從不在新布料上進行剪裁，反而是透過升級再造復古衣物，令每一件成品都是獨一無二的。我們希望透過這種獨特性，為穿著者與衣物之間建立起強烈的情感連結，從而啟發穿著者愛惜衣物。

INNER： 在眾多布料中，有什麼原因讓品牌如此專注於牛仔布？如何才能真正做到歷久彌新的牛仔單品？

Anna：我非常熱愛牛仔布，它本來就是為耐穿、持久而設計的實用布料。可是在生產過程中，牛仔布也是污染最嚴重的材質之一。世界上牛仔褲的數量比全球人口還要多， 而製造一條牛仔褲所需的耗水量，相當於一個人 13 年的飲水量，因此，我希望從源頭 「彌補」這種材質生產時所造成的破壞。僅僅因為一條牛仔褲的款式、狀況或不再合身的尺寸，並不代表它的布料也失去了價值。其次，牛仔布的魔力在於它的個性。每一條復古牛仔褲都經歷過歲月洗禮，其顏色、褪色痕 跡和紋理都是獨一無二的，因此每一件 E.L.V. DENIM單品都與穿著它的人一樣與眾不同。

一件經典單品始於材質，而我們的牛仔褲只使用硬挺的牛仔布，因為彈性牛仔布無可避 免的變形會影響設計。硬挺的牛仔布則能保持挺括、修飾身形，並且能穿上一輩子。我們根據布料的品質手工挑選每一件衣物，並在設計和重組過程中應用材質本身的特性。我們標誌性的撞色縫線貫穿每條褲管的前後，這不僅是為了美觀，更具備實用功能。我們採用了來自倫敦Savile Row的傳統裁縫工藝，預留了寬裕的縫份，讓牛仔褲可以隨著你的身形 變化進行修改。你可以在 18 歲時買下我們的牛仔褲，直到 80 歲依然合穿。

INNER：品牌名稱中的「E.L.V.」代表 East London Vintage，堅持在英國設計與生產。東倫敦這個地方為 E.L.V. DENIM 帶來了什麼獨特靈感與價值？

Anna:品牌的命名源自東倫敦，這是我居住的地方，也是我們生產牛仔褲和將復古衣 物循環再用的基地。東倫敦是一個受多元文化啟發的創意樞紐。作為一個倫敦品牌， 你不可能不受到這裡藝術和文化氛圍的薰陶。它賦予我們追求創新的渴望，並塑造了 我們的獨特性。我相信挑戰現狀，而東倫敦正是這精神的代表。我們堅持只在倫敦生產，並只與工作室 5 英里範圍內的工坊合作，確保我們擁有最低的碳足跡，也讓我可以與所有工坊保持緊密的合作關係。作為一個紮根倫敦的品牌， 我們認為有責任支持本地社區和企業。東倫敦擁有悠久的時裝製造歷史，希望能盡一分力，確保這個傳統得以延續發展。

INNER：你能分享將舊衣製作成 E.L.V. 牛仔褲的具體過程嗎？當中哪一個部分是最困難、或者最耗時的？

Anna：我們從英國的復古衣物批發商那裡採購復古牛仔褲，並根據布料的品質進行挑選，然後我們會對每一條牛仔褲進行評級：我們需要量度 8 個部位的尺寸，這決定了它能被改造成什麼作品。評級完成後，在進行拆解前，我們會對每一件衣物進行反覆考量。我們的目標是盡可能提取最多的布料，而重組過程必須依據材質本身的特性和衣物原有的特徵。

這些材料接著會在我們位於東倫敦的工坊中逐一製作，工坊會小心翼翼進行裁剪和重組。即使是多餘的碎布，我們也會加以利用，例如品牌的吊牌便是用剩餘的牛仔布碎製成的，因為我們的目標是將手中的每一塊材料都轉化為有意義的物品。當中最耗費心力的部分，就是在下第一刀之前的反覆考量。與一整匹布料不同，每一條復古牛仔褲都是獨特的，因此沒有捷徑可走。這需要花費大量時間，但亦是慢工出細貨的生產模式，這正是最終成品質素的保證。

INNER：這次 E.L.V. DENIM 來港參與連卡佛 “The Curator’s Diary”，在 ifc 店開設期間限定店， 希望能為顧客帶來怎樣的體驗呢？

Anna：我非常興奮能與連卡佛攜手將 E.L.V. DENIM 帶到香港。我深信現在有一種遠離大量生產的趨勢，未來我們將更推崇個性化，消費者也會重新因為找到一件專屬自 的衣物而感到興奮，這正是我希望帶給連卡佛顧客的體驗。店內的每一件單品都是獨一無二的，採用復古牛仔布於東倫敦手工製作而成，絕不會 有兩位顧客買到一模一樣的牛仔褲。希望大家能發掘衣物背後的故事:布料從何而 來、是誰製作，以及它如何被轉化，亦希望消費者能記住他們在哪裡、為什麼買下 等，每一件衣物都應該有一個故事，當你打開衣櫥時，這些故事會自然而然地對你訴 說。此外，我們還帶來了一些獨家單品，例如 Bailey 飛行員外套和 Billie 裙款，以及我們與Sanderson合作的系列，如Rio飛行員外套和Eden外套。

E.L.V. DENIM 系列現已登陸連卡佛，於 IFC 門市開設期間限定店，並於 11 月初至 12 月底移師海港城門市。

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1. 理解

商標設計的第一步並不是打開電腦畫圖，而是先了解品牌本身。不同品牌的背景與歷史也截然不同，對方可以是一家初創公司，也可以是一個百年老牌。品牌的目標客羣是誰、核心價值是甚麼、想向外界傳達甚麼信息？這些看似與設計沒有直接關係的問題，都是商標設計的重要起點。

「在創作初期就找參考圖，反而會限制了大家的想像力。」為免被一張圖片或單一風格牽着走，不如先保持開放態度，去尋找更多可能。Kelly會先釐清品牌背景、目標客羣及核心價值，再逐步奠定後續的視覺方向。

2. 構思

熟讀過品牌資料，下一步就要將抽象的品牌概念轉換成具體的視覺想像。先羅列出一系列關鍵字，繼而延伸出一幅心智圖（Mind Map），從詞語之間的聯想，探索品牌可以呈現出怎樣的視覺世界。

從關鍵字出發，想像的不止有商標，還包括品牌未來可能出現的空間、材質、色彩與氛圍；換言之，是先建立一個完整的品牌想像，再從中尋找適合凝聚成商標的元素。

3. 轉化

真正的商標在此階段才會出現雛形。此前整理出來的文字、概念及關鍵字，會被轉化成具體的圖案、字體、符號等視覺元素。因此，設計師往往不會只遁單一方向創作，而是盡可能探索不同方向，再逐步收窄選擇。

大量創作並非單純為了讓品牌多幾個選擇，而是透過反覆的嘗試和比對，慢慢確認哪一個視覺概念最能代表品牌。過程中亦需與品牌持續討論，來回調整方向，直到找到最合適的商標。

4. 打磨

直到商標設計有了定案，設計工作亦會進入更精細的階段，由草圖正式變一套完整的視覺系統。字體、圖形、比例，以至顏色，都一一被設計師放大檢閱並來回雕琢，只因分毫的偏差，也有可能直接影響整體視覺是否平衡。

5. 落地

在商標正式面世之前，還要先經過重重測試。一個商標不止要在電腦熒幕上看起來漂亮，還得在現實生活中呈現出同樣完美的狀態，因此，設計師又要展開一次無止境的試驗，將放到不同的實際應用場景之中：招牌、包裝、卡片等，因應不同尺寸、材質、媒介的特點再作出細微調整。

當商標、字型、顏色及各種應用規則全部確立，設計師還需要將它們整理成一套完整的品牌手冊，清楚列明商標的正確用法、色彩規範、字體、以及不同應用情境下的視覺標準。到了這一步，一個商標才算真正完成。

start from scratch
從零開始，才是最難的一步。

一個商標由無到有，動輒也要花上足足一個月的時間，在整個過程中，Kelly認為最困難的始終是「由零開始」。畢竟，商標設計既沒有標準答案，也沒有一套固定的公式可以跟隨，要從無限可能之中揀選一個視覺方向，她形容就如「在雲海之中尋找正確方向」一樣。而且商標對品牌而言也是攸關重要，商標一旦落實，便可能陪伴品牌多年，因此作出的每一個決定都必須格外謹慎。

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Vince Cheung

Instagram

Instagram最近一次的字標更換引來了極大迴響，品牌由較具古典感的字體，逐步轉向更符合當代數碼環境的字形，不少用家也評價負面，但Vince卻認為這是一次成功的轉型。他點出了新設計依然保留了部分原字體的特徵，其中兩個英文字母沿用了潦草，「它的可讀性其實不高，但大眾根本不需要去拼讀它中間的字母也能一眼看出是Instagram，就算在設計上稍微犧牲一點可讀性，仍能保留獨特性。」

全球用戶規模如此強大的Instagram，真的有更換商標的必要嗎？Vince指，面對TikTok等新平台的競爭，加上新一代用戶進入社交媒體市場，品牌需要持續讓自己的視覺語言與新的使用習慣接軌，更換商標與否不能只考慮美學：「它並非只服務既有用戶，還得吸引年輕族羣成為新用家」，對一個數碼平台而言，商標的演化某程度上也是產品本身持續更新的一部分。

dior

一個品牌名稱，字母採用大楷還是細楷、字體有沒有襯線、線條是尖銳還是圓潤，都會改變人對品牌的第一印象。Vince指，大眾往往會覺得全大楷的字體擁有莊重、成熟，甚至更具權威感的視覺效果；相反，細楷與較柔和的字形、圓潤的字母結構，則可以令整體感覺更顯輕盈和年輕。

這些看似細微的調整，其實與近年的品牌策略變化密切相關。時裝品牌今天面對的，已不再是既有客羣，同時亦需要透過不同產品線接觸更年輕的消費者。如何在維持品牌高端定位的同時，讓識別看起來不至於過於老派，字體便成為其中一個可以調整的細節。

Dior商標變化便是一個例子，品牌於二◯一八年將原本大細楷並用的”Dior”字標改為全大楷”DIOR”，呈現更鮮明利落的視覺效果。不過，隨着 Jonathan Anderson掌舵，原有的”Dior”字標再次廣泛出現在品牌產品與社交媒體上，反映字體選擇並非一成不變，也可以隨着創意方向與品牌形象的演變而重新調整。

YouTube

在過去，一個商標的要求是能清楚地放在網站、廣告或包裝上，但當品牌進入智能電話為主導的世代，商標往往首先要面對的，是一個小小的方形圖示。

Vince指，YouTube的舊商標尺寸太長，無法直接應用於應用程式圖標的方框之中。因此，YouTube後來將原本的文字識別與具代表性的播放圖形結合，讓一個簡單的圖示已經足以代表整個品牌。

Vince點出，YouTube原有的視覺元素本身已經具有極高的辨識度，所以新的商標並不是從零開始創造，而是將既有資產濃縮成一個更適合智能電話和數碼介面的符號。當在智能電話裏看到那個紅色圖形，即使沒有完整寫上YouTube，品牌身份依然清晰。

Balenciaga

與其他時尚品牌不同，Vince認為Balenciaga的個性與風格強烈，產品本身亦富有實驗性，因此過於複雜、帶有濃厚歷史感的圖形與字標，反而未必最容易與不同系列共存：「當商標要用於這類實驗性極強的產品時，簡潔的字標才是最適合的元素。」

Vince又提到，時尚品牌的商標其中一項重要條件，就是具備足夠的適應力。從手袋、服裝到配飾，商標需要被放置於不同材質、比例和設計之上；一個過於搶眼或帶有強烈年代感的標誌，反而可能限制產品本身的視覺表達。

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星野集團北海道事業集團總監相內學

進入酒店業的契機

出生在千葉縣市原市的相內學，現為星野集團北海道事業集團總監，從事酒店業超過三十年，視北海道為自己的「第二家鄉」。能在同一行業工作多年而保持着熱情絕對不是一件容易的事，而相內學回想進入這個行業的契機，便要從他年少時的兩個經歷說起⋯⋯

在升讀大學前的暑假，相內學在國際知名的主題樂園兼職擔任清潔人員：「那已經是三十年前的事了，但當時樂園如何維護世界觀與品牌形象、如何全心讓賓客享受其中的服務精神，以及如何凝聚數千名員工共識的管理理念，都令我獲益良多。那份工作不僅非常有趣，更讓初次接觸顧客服務的我體會到『服務業』的魅力。」之後他前往北海道升讀大學，除了開啟了他跟北海道的緣份，更在派報紙的工作中學會了待客之道：「當時大型報社為了確保派報人手，推行了『報紙獎學金制度』，也就是只需在報紙店寄宿並工作四年，報社便會資助大學學費，甚至還能領取薪金。當時我的家境並不富裕，因此我為了賺取學費而接受了這份工作。我負責一百二十戶客人，每天需派報兩次和每月親自登門收取訂閱費。我深知要與這些客戶相處四年，因此絕對不能與他們交惡，更要按照他們的各類需要，靈活地調整自己的工作，當中包括不同的派報時間、摺疊報紙的方式甚至是投遞報紙到郵箱的手法等等。」每一項細節，令他深切體會到面對顧客的營商之道，更發掘到自己對服務業的熱愛，因而在畢業後投身酒店業，在北海道飯店管理公司工作。

位於星野Tomamu度假村的雲海平台

也許是與生俱來的天分，又或是對服務業的熱誠，相內學在工作時提出了不少吸引顧客的計劃，令他在工作中創下優異業績，繼而被調派至業績欠佳的酒店，負責振興業務。這個極具挑戰性的任務對很多人來說可能是一項棘手工作，但相內學卻能從中找到樂趣，一次又一次為不同酒店帶來新曙光。二○○六年，相內學加入星野集團，負責改善位於北海道的Tomamu度假村。這個現在北海道無人不曉、以雲海平台成名的度假村，原來當年曾經破產，並正處於重組經營的階段。回想起參與這個改善工作，他認為是一個極為寶貴的經歷：「當時我需要全面強化Tomamu的市場推廣與銷售雙軌策略。我在試行各種推廣方案時，度假村的營業額提升至我入職時的3.5倍，利潤更是成長了十倍。能夠親眼見證並參與一座曾破產的度假村歷經近十年重獲新生的過程，這對我而言是影響深遠的經驗。」

度假村KUMO Cafe以雲朵為靈感的的甜點

成功度假村的三個要素

在酒店業深耕多年，見證了不同度假村的高低與發展，相內學認為一個成功的度假村必須具備三個不可或缺的要素：「首先度假村的選址必需擁有獨有的體驗價值，因為在其他地方複製的體驗，終究會被模仿。以Tomamu度假村為例，若非當地具備獨特的地形與氣候，便無法成立我們引以為傲的雲海平台。挖掘地區特性並將其昇華為體驗企劃，才是度假村最本質的核心優勢。第二，度假村要與周邊社區建立深厚的信任關係。度假村單憑一己之力無法長遠生存，我們必須與周邊社區建立關係來聯動整體價值。這種價值不僅指觀光資源，還包括人才、食材以至當地產業等等，而當整個區域的綜合價值愈強，度假村自身的價值亦會隨之提升，令旅客能全面地享受到一次難忘的旅程。最後，度假村要保持不斷革新與演進。若滿足於現有的成功，度假村便會開始走向老化與過時。」

RISONARE Tomamu

北海道的魅力

除了酒店業，相內學亦與北海道這個地方結下不解之緣，而他在當地居住的時間甚至比出身的千葉縣更久。對於這個「第二家鄉」，他認為當地最大的魅力是能以遼闊的格局展現大自然、美食與文化等各方面的體驗。他透過數據和地理，細數北海道的獨特景致：「北海道是一個擁有豐富多元觀光資源的地方。作為全球第二十一大的島嶼，正因版圖遼闊，北海道每個區域的自然環境、飲食文化與地區文化均有所分別。加上氣候四季分明，每個季節都呈現出多樣的景致與風味。」

度假村以「螃蟹×三文魚」為主題的自助餐

「以自然景色為例，雲海、粉雪、花海、湖泊等等都是旅客希望能親眼看到的景致，而當中特別是從Tomamu到富良野、旭川一帶的『北海道粉雪帶』，依然保留着極高品質的粉雪，在現今全球暖化下更顯得珍貴。同樣在冬季，旅客乘搭碎冰船破冰前行、穿梭於鋪滿鄂霍次克海的流冰景致，亦極具震撼力。夏季則非常適合在美瑛與富良野自駕遊，連綿如拼布般的丘陵與一整片紫色薰衣草花海均是美不勝收。此外，北海道擁有活火山，使許多地區均湧出天然溫泉，如著名的登別溫泉及十勝川溫泉等，讓當地成為溫泉勝地。其次，位於白老町的『Upopoy（民族共生象徵空間）』，則能讓旅客深入了解北海道原住民愛努族的文化與歷史，同樣值得推薦。」相內學更形容北海道宛如一座「美食主題樂園」：「海鮮以道東與道南最著名，乳製品與蔬菜則首推道央與十勝的農作物，而拉麵更是分為札幌、旭川、函館等不同流派。」

聽到相內學娓娓道來北海道的各種特色，就知道要成功經營度假村，如他所言不僅要對酒店業充滿熱誠，更需要了解與度假村有着共生關係的當地環境。環境及歷史是大自然及前人留給我們的重要資源，更是每一個地方的獨有特色，無論我們身處何方，都應該一同珍惜這些日朘月減的珍貴資產。

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A. SOCIETY產品設計師Julien（右）與視覺設計師Lamdee（左)

轉換心情的濾鏡

太陽眼鏡從來不只是抵擋紫外線、保護雙眼之用，更是日常衣櫥mix & match的得力助手，隨手往頭頂一扣能當成頭箍的一種，一物多用，對A. SOCIETY共同創辦人Julien與Lamdee來說，它是一件每天的mood switcher。

「太陽眼鏡就像化妝一樣。有時候想展現自己，有時候想隱藏自己；選眼鏡就像選擇mood of the day。」挑選太陽眼鏡的心態，與每日打理妝容如出一轍。就像派對場合以全妝glam look登場，平日上班以淡妝出門，從結構誇張到線條利落的日常款式之中，選擇對應不同狀態。

「心情好一點的時候，我會戴有顏色的鏡片，別人看到我的眼睛，整個感覺就亮起來了。」Lamdee的眼中，太陽眼鏡更是連結穿搭與心境的媒介；臉龐是人與人相處的第一視覺重點，也是傳達個人情緒、氣場與狀態的窗口，無聲表達自我風格的最佳配飾。

打造專為亞洲面孔 而生的設計密碼

A. SOCIETY以都會風格、創新、共創為三大設計核心，取材自亞洲大都市的活力與原生質感。招牌RAW系列便致敬香港都市美學，從這石屎森林與粗糙的混凝土紋理擷取靈感，演繹專屬本地的都會鏡框風格。

當季潮流款式從來不是人人百搭，亞洲人與歐洲人的骨相五官條件截然不同，依照歐美版型眼鏡骨相結構的設計邏輯，往往容易出現佩戴時不斷下滑、鏡框貼臉壓頰、鏡腳夾頭等問題，導致許多款式「好睇唔好使」，最終被閒置在衣櫥角落。

作為土生土長的香港眼鏡品牌，A. SOCIETY從創立之初便專注於Asian fit版型，針對亞洲人的骨相特質設計每一處細節。Julien拆解：「亞洲人鼻樑普遍較扁平，所以從托高鼻墊着手，提升支撐度，加上亞洲面形偏寬、頭圍比例不同，鏡腳長度也會特意縮短。鏡框正面都會保留適當傾斜角度，但角度過大便會貼頰磨臉，每一毫米的落差都需要反覆測試、拿捏平衡。」

「無論鏡框輪廓多前衛和浮誇，不舒適的話也不能算是最好的設計。」作為每日的貼身配飾，設計必須以舒適為重，惟有如此才能融入日常。「如果戴了兩小時耳根會壓痛、笑起來刮到顴骨，絕不是好設計。」Lamdee亦表示亞洲顧客普遍喜歡大鏡框，同時着重鏡框的重量。大鏡框視覺上可以修飾面形，眼鏡夠輕，佩戴起來亦更為舒適。

太陽眼鏡從來沒有黃金法則

坊間流傳無數關於揀選太陽眼鏡法則：圓臉適合有框方形眼鏡、長形面要避開圓形眼鏡等。「就像那些規則告訴你，個子小的一定要穿窄版T恤，高個子就一定要穿寬版一樣。戴太陽眼鏡最有趣的地方，就是沒有標準規範。」對於Lamdee而言，這些刻板的法則，反而成為了無形的束縛。

人難免會為自己設立無形的限制，執著於某種既定審美，「只要戴起來讓你有自信、感覺對，那就對了。這才是最重要的。當然，戴起來也一定要舒服！」在A. SOCIETY的設計理念裏，找到適合自己的，永遠比符合任何法則更重要。

Big frame當道

潮流向來物極必反，單一風格走到極致，便會迎來反向變迭。Julien分析當下太陽眼鏡的趨勢走向：「運動風、千禧年款式已經走到瓶頸，很難再掀起熱潮；反而是七○、八○年代的復古大框輪廓，正在悄悄回歸市場。」歷經小框美學長期主宰時尚圈後，時尚審美迎來明顯轉向，氣場十足、覆蓋度更高的浮誇大框墨鏡，成為新一季造型重點。

談到團隊欣賞的業內品牌，Julien與Lamdee不約而同題名柏林兩大工藝眼鏡品牌Kuboraum與Mykita。二人認為，兩大品牌不僅做工精細、結構考究，設計視野前衛大膽，敢於突破常規審美，以充滿實驗性的輪廓打破市場框架，也是A. SOCIETY在追求工質與風格突破路上，一直十分欣賞的品牌。

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何謂浪漫？大眾眼中的浪漫，往往是工整、完美、邏輯通順、色調悅目的標準樣貌。但在視覺藝術家Lonely Kidney的創作世界裏，浪漫從不依附完美，而是藏在碎片、失衡與曖昧之中。

「把腦袋裏那些亂七八糟、卻又莫名其妙的怪東西具象化。不和諧、不完美，甚至有點醜或媚俗的元素拼湊在一起，製造一種和諧的混亂。」這是Lonely Kidney對自身創作最精準的定義。不同於主流審美的工整精緻，她的創作始終游走在邊緣地帶，擁抱所有不完美與不規律，以平面設計與插畫為載體，將腦中荒誕、奇異的思緒，化為可被看見的視覺藝術。

Lonely Kidney與dreamcore的邂逅，始於一場偶然的網路瀏覽。「第一次接觸dreamcore，應該是在pinterest上無意中翻到一些圖片。」憶起初遇，她依然清晰記得那種矛盾又迷人的獨特感受。不同於常規視覺，dreamcore的畫面擁有極強的情緒張力，「那些圖片看完會有種不舒服、詭異，卻又異常熟悉的感覺。那些柔和低飽和度的色彩、超現實的元素、模糊又帶點雜訊的畫面，讓人既想移開視線，又忍不住一直看。」

在大眾認知裏，夢是虛幻、飄渺、無跡可尋的，但在Lonely Kidney眼中，dreamcore是具象的、有溫度、承載記憶的。「對我來說，『夢核』就是一種半夢半醒的虛幻感。它帶有濃厚的懷舊色彩，像是一段被遺忘的童年記憶，或是發了一場模糊的夢。」一半疏離孤獨，一半溫柔治愈，正是夢核美學最動人的核心魅力。

相較於取悅普羅大眾的視覺，dreamcore的意義在於共情情緒。「這種美學不追求討好觀者的眼睛，而是邀請觀者進入一種更主觀、更情緒化的空間。」也正是這一特質，讓dreamcore被無數年輕人譽為「電子鄉愁」，成為現代人寄託思念與遺憾的載體。對於這種的說法，Lonely Kidney深表認同。在她看來，夢核美學的本質，是現代人的「空間創傷」與遺憾慰藉。城市不斷迭代翻新，童年熟悉的街景、商場、公園逐漸消失，那些無可挽回的美好時光，最終只留存於記憶之中。

她的創作始終緊扣這份懷舊情緒，執意重現千禧年代的場景與風物。「在我的創作中，常常重現千禧年代的復古場景、人事物。每當創作時，我都會回想起小時候無憂無慮的時光。」懷舊從不是單純的感傷，而是美好與遺憾的共生，「那種念舊的愁緒與美好並存，既有對逝去童年的懷念，也有一種透過創作把記憶碎片重新拼貼的溫柔。」而這份濃厚的網路懷舊情結，也成為Lonely Kidney創作的情感核心。成長於網路蓬勃發展的千禧年代，網路文化、流行印記深深烙印在她的記憶裏，也徹底融入她的藝術創作之中。

長輩圖作品

身為香港藝術家，Lonely Kidney的dreamcore沒有照搬通用模板，而是深深烙印着獨有的香港城市氣質。在她心中，香港dreamcore對應的，正是無數人的黃金年代—千禧年初。小時候總盼着快速長大，以為未來漫長、萬事可期，可成年後回望，才發現最珍貴的時光早已悄然遠去。「香港dreamcore的代表性元素，我覺得包括霓虹燈招牌、Windows系統裏的藍天白雲草地、早期論壇的介面，以及那些九十年代至千禧年盛極一時、如今逐漸沒落的舊式商場。」

除了復古本土的符號，Lonely Kidney的作品還有極高的辨識度—滿載趣味的meme（迷因）元素與黑色幽默。

談及meme與dreamcore的共通性，她表示兩者的底層邏輯高度契合：「兩者最大的共通點，就是依賴視覺拼貼，並且帶有一種粗糙感、打破傳統邏輯的敘事方式，能夠瞬間引發大眾的集體共鳴。」而她的創作巧思，便是將兩者完美融合，重塑經典記憶。「在創作時，我喜歡把千禧年代經典的meme題材dreamcore化。把主體進行低像素化或模糊處理，再把它置入藍天白雲或超現實場景中，故意製造那種詭異又熟悉的感覺。」

與meme元素相伴的，還有貫穿作品的黑色幽默。不同於直白的搞笑歡樂，Lonely Kidney的幽默耐人尋味。例如港人才能知曉的「忘了愛」、「末代mk妹」及「長輩圖」梗圖等，還會賦上一句潮語，就如作品「破房了」，再配上一句「兄弟刪了吧，我有點破房了」。網站使用高飽和度、對比強烈的「土味」風格設計也另有一番風味。而dreamcore的獨特氛圍，恰好成為黑色幽默最好的載體。「dreamcore本身就帶有一種故意製造的詭異熟悉感，這剛好適合承載黑色幽默。我喜歡把不搭調的元素硬生生撞在一起，看它們能不能撞出火花。」失衡、突兀、不協調，在她的筆下不再是瑕疵，而是獨特的藝術表達，「當你把這種不協調、不完美的怪異物件跟夢幻場景並置時，就會打破原本沉重的氣氛，碰撞出一種荒謬的喜感。多了一層曖昧和不安，讓幽默變得更耐人尋味。」

「mk」妹梗圖作品

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大家對營業時間過後的百貨公司有甚麼想像？晚上的百貨公司撇去白天的熱鬧，筆者總是覺得那些模特兒人偶入夜後會自己到處遊蕩，更多是恐怖吧。

這趟來到位於黃竹坑，走進Serakai Studio所舉辦的《dreamedcore》展覽，展覽空間搖身一變，化身打烊後的百貨公司，小劇場、噴水池、展示新一季產品的T台、公共休憩空間一應俱全。我們跟跨媒介策展人Shirley Lau一同談談夢核美學的大小事。

那「真實卻不真實」的矛盾感

在超現實、朦朧的夢核（Dreamcore）美學裏，從來沒有標準答案。談到對夢核的解讀，對Shirley而言，夢核從來不是冰冷的網路美學標籤，它更像一種細膩而矛盾的感覺：「夢核就是一種很微妙的矛盾感，熟悉又陌生，好像去過又沒去過，亦是明知再也見不到的遺憾與眷戀。」現實與幻夢之間的獨特張力，正是這次策展的靈魂。

踏進展覽，空間看起來秩序井然有序：噴泉、T型伸展台，廣場不時舉辦商演活動。場內擺放多個畫着歐式濃妝的模特兒人偶，透出一絲微妙的尷尬。Shirley解釋：「我的記憶中充滿百貨公司的種種片段，因此選用百貨作為展覽主軸，它可以串連藝術、時裝與設計。這個形式容許我們大膽嘗試，打破藝術展和概念店的界線，百貨的開幕與閉幕，放在這個概念之下也變得順理成章。」

鍾情於懷舊事物的Shirley，對於舊式百貨商場有着獨特的情意結。「小時候居住的社區並沒有大型商場，也不是現代化的城市，所以在我記憶中百貨公司也是充滿懷舊感。」這份成長記憶，成為她很重要的創作養分。

留在黃金年代的夢核城市

當夢核風潮席捲全球網絡，Serekai Studio集結了二十二位亞洲藝術家舉辦跨媒介展覽，為何特別選擇香港作為展覽的落腳點？Shirley覺得一切再自然不過：「香港本身就是一個懷舊的夢幻城市。」她自言很喜歡王家衛的電影，而導演鏡頭下朦朧又帶點頹廢的都市浪漫，也形塑了她看待香港的視角。

談到香港那些充滿「熟悉又疏離」氣息的地方，Shirley認為許多城市角落仍藏着九十至千禧年代初的時代痕跡。從深水埗、佐敦、尖東一路到中環，無論市井街區或是商業地帶，總被貼上「復古」、「舊香港」等的標籤。「有些地方的生活模式幾乎沒有改變，依舊只收現金，不接受PayMe或是電子轉帳，這種運作模式，我覺得就很夢核。」

但Shirley也提出了一個值得深思的觀點：大眾往往沉溺於八、九十年代香港的黃金想像，卻忽略屬於當下香港的夢核質感，很少認真思考該如何面對城市懷舊情懷與真實現實之間的落差。

與舊日和解 在過去與現在之間尋找平衡點

藝術作品流轉於畫廊、概念店以至居家場景，模糊藝術展覽、零售與社交體驗之間的界線。

這場漫遊式展覽，把抽象的夢核美學，化為可以親身感受的空間。「假如沿用傳統展覽形式呈現，觀眾很難沉浸式感受Dreamcore，也難以連結自身童年回憶，與美學產生共鳴。我不想讓大家覺得這裏涇渭分明，作品歸作品，觀眾歸觀眾。我想營造百貨公司的體驗，讓大家明白眼前物件，既不單純是商品，也不只是藝術品。」

被問及希望觀眾從中收穫甚麼：她希望觀眾在看完展覽或思考過後，在面對現狀的失落與無奈時，可以找到一個中間點，不必極端地二選一：只活在過去或憎恨當下，也不必強迫自己割裂過去、全然擁抱現在，學會以新的方式面對過去的懷舊與思念。

或許Dreamcore就像一個濾鏡，或一種梳理情緒的方式，讓我們能更好地面對當前的迷茫。縱使無法設身見證那些年的巔峰輝煌，但那些屬於舊時代的美好、童年的溫柔，也都值得被好好珍藏，保存記憶最好的方式，從不是原地緬懷，而是重新詮釋。

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這種對理性的反撥並非憑空而生，其根源可追溯至打造了當今世界的現代性（modernity）。現代性指啟蒙運動與工業革命起，現代社會的特質，尤其強調客觀與邏輯。馬傑偉解䆁：「現代社會的進步，正是因為人們具備邏輯思維、懂得分析，進而發明許多新事物。他們也相信這份邏輯分析，所以選擇讀醫、讀法律，或從事其他行業，從而獲得成功。」

隨着十八世紀啟蒙運動的結束，現代性達至頂峰，築起了全球經濟的金字塔。戰後的嬰兒潮世代確實享受到現代性帶來的富裕。然而，如今在階級固化、科技急速發展下現代性的紅利已所剩無幾。馬傑偉說：「現在生活資訊碎片化，情緒也碎片化，人生規劃很困難，工作也沒保障。我們以前那條正路—讀好書，現在也不一定行。」當舊時的「人生必勝法」隨着現代性崩塌，人們無法以此管理人生，便將目光投放於毫無規則，顛覆日常的夢境。

夢境中的潛意識提示

既然未來岌岌可危，我們又能否透過解夢得到啟示？馬傑偉表示解鈴還需繫鈴人，「所有的夢只有當事人自己才能解讀」，同一個意象於每個人皆有各自的解讀。現時馬傑偉每個月會舉辦夢境工作坊，八位具研究背景的朋友解讀同一個夢，「我講一個夢，其他人就開始追問夢裏那些我沒注意到的細節及當時的感受。不會問你故事的起承轉合，而是你情緒最強烈的地方在哪裏，哪一部分讓你特別有感觸。」由此引導做夢者梳理更多夢境的細節，並反思夢境中的符號，而非給予定論，「比如說我是心理學解夢博士，我來告訴你為甚麼，這種做法傷害大於治療，因為多了一個外在的權威替你解釋。」

馬傑偉鼓勵讀者關注Little Dream以外的Blockage Dream：「坊間對解夢有種迷思，認為要解開特別信息、破解密碼，這是不對的。第二類夢不止是單一的夢，更與你現實中的處事作風、過去創傷、性格中重複的行為模式有關。夢有補償性，一個很理性的人在夢裏會很瘋狂。這是補償作用，使你不致於在現實中崩潰。它牽涉到你整體的成長。」夢境似是一座鏡像迷宮，每面鏡子皆折射着潛意識中的情緒與欲望。與其尋找逃生門，直視鏡像中的自我才是出路。馬傑偉視夢為一封邀請信：「邀請你去認識自己的另一面」、「重新審視生活方式、性格，也可能牽涉創傷。」

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二◯二四年，台灣歌手Andr橫空出道，首張專輯《shhh, it’s under my bed》以臥室音樂為基礎，注入了Indie Pop、Alternative R&B與Indie Rock元素的另類質感，成功入圍金曲獎、金音獎等獎項，被一眾媒體譽為怪物新人。

有人亦稱Andr為默默觀察地球的外星人，流露鬆弛而飄浮的狀態，以音樂電波回應人類複雜情感。

Andr則形容自己為鴨嘴獸：「有鴨子的嘴、毛茸茸的身體，還是哺乳類。真的很怪。」

Wow～ 蛤？有趣!

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與鴨嘴獸拼湊各種特徵於一身相同，Andr的音樂也糅合了多元曲風。請Andr用三個詞彙概括其音樂特色，也讓她直呼「太難了。」相較之下，Andr形容她的音樂是一聲「Wowwww～」或者「蛤？」

或許是因為她在創作時，游離於華語與英文之間的巧妙。創作之初，Andr以西洋音樂為養分——Frank Ocean、Tyler, the Creator 與 Steve Lacy等音樂人多數自己編曲，誘發她嘗試做出自己的聲音，「歌詞冒出來或哼旋律時，我會用亂哼的英文。」而現在Andr嘗試用不同方式將二者融會貫通，隨心所欲地使用。

又或是在音樂上Andr喜歡保留歪斜、很“raw”的狀態，也會保留錄音中的瑕疵或沿用最原始的版本。Andr表示：「 就是比較有趣！我覺得沒有那麼好的東西更有趣，太完美的反而讓我覺得可惜。」不同人對於這種風格各有己見，有人驚喜，有人疑惑。Andr則坦言：「到現在還是無法想像用別的方式唱歌，所以常有人覺得我的咬字很有趣，但我其實不知道有趣在哪裡；還有人說這種咬字太怪，我聽不懂，不知道奇怪在哪裡。」面對外界評論，Andr只是很淡定地表示：「看你有沒有feel。」

凝視皮膚的重量

繼首張專輯討論房間內赤裸的種種情緒後，是次迷你專輯《Skin》則推開家門，步入社會與人們互相凝視。“Skin”之於Andr可能是肌膚的紋理，穿著的服飾，或是佩戴的面具。Andr說：「皮膚給我一種真實又私密的感覺，是我最想讓別人看到的第一層，但永遠不清楚那是不是某種偽裝。」這種欲求坦誠，卻下意識偽裝的糾結如同心頭大石，久久未能消磨。

新專輯同名歌曲〈Skin〉便是適合打水漂、薄到幾乎能看透的鋒利石頭，「在水面上彈跳，發出噠噠噠的聲音。」似是在一聲聲蕩漾中更換一層層臉皮，展露拙劣而誠實的演技。而〈Cry in your TV〉像玻璃彈珠，「裡面有一小條(彩色螺旋花紋)，很多顆放在口袋裡，一大把的感覺。」玻璃彈珠之於Andr，閃爍着童年回憶，不論是古早味的波子汽水，還是兒時的彈珠遊戲，都有其身影。這種復古感與〈Cry in your TV〉九零年代獨立搖滾的爽朗曲風不謀而合。〈安〉則是恰到好處的鵝卵石，「剛剛好的線條、完美的弧度、柔和偏白」、「光滑到需要你特別去看它，卻在一堆石頭中不顯眼。」這種拿捏得當正是〈安〉所探討保護與限制之間的平衡。普通人害怕過猶不及，讓愛變成束縛的敏感情緒，化作編曲中若隱若現的吶喊及如槍響般的鼓聲。而新專餘下的三顆石頭便留給聽眾摩挲。

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脫胎換骨之後？

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承接着皮的意象，Andr展開了以「Shedding Skin 脱皮」為主題的亞洲巡廻演唱會，九月也來港開唱。

人每小時會脫落約0.03到 0.09公克的皮屑：「一生加起來可能有好幾公斤，但自己卻不知道」這種不經意的蛻變令Andr着迷：「因為各種經歷，你不斷脫皮，長出新皮。我覺得人每天都在重複這件事，即使你沒察覺，也一直在變化。」

脫皮亦符合Andr當下剛完成了上一張專輯，處於巡演的過渡階段，準備邁向下一個里程碑的狀態。被問到理想中脫胎換骨後的自己有何特質，Andr則沒有設限：「我覺得對這件事完全沒有期待是最好的。每天慢慢累積，遇到新的人，吸收新經驗。雖然還不知道那是甚麼，但已經開始前進，這種感覺很好。」

或許當皮囊也成了枷鎖時，放下執著才是真正的蛻變。Andr將成為怎樣的音樂人？留給時間給予答案。

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PHOTOGRAPHY BY KRIS YEUNG
PHOTOGRAPHY ASSISTED BY VICTOR TANG
WRITTEN & STYLING BY HUBERT TSUI
HAIR BY MATCH TONG
MAKEUP BY SAMUEL WONG

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