DREAM COMES TRUE —— MAKEUP ARTIST GABBIE LEE

化妝師 Gabbie Lee

從事化妝工作多年的Gabbie Lee，近年都會在巴黎和米蘭時裝周參與時裝秀的化妝工作，而在二○二六秋冬時裝周，她就分別為Saint Laurent、Ferragamo、Emporio Armani及Alaïa等多個品牌的模特兒化妝。問到當初如何能獲得時裝周工作的機會，她直言主動是非常重要：「我由開始化妝工作那一刻起，便很想參與時裝周的工作。直至數年前移居至英國，地理上更接近四大時裝周，就抱着『豁出去』的心態，無論如何都要試一次。幸好我有一位做髮型師的朋友，先前都有參與過時裝周的工作，所以我便向他請教，而他的提點令我很快獲得第一個相關工作。」Gabbie的第一個時裝周工作，就是參與了Pharrell首個為Louis Vuitton設計的男裝秀，而她更是為她夢寐以求的彩妝大師Pat McGrath工作，令美夢瞬間成真。

「每個時裝秀，都會由一位首席化妝師設計和統籌整個時裝秀的妝容，而這些化妝師背後都會有經理人為他們處理事務。假如你希望能為這些首席化妝師工作，便要將自己的作品集電郵至他們的經理人，而我就是通過這個方式獲得機會。」Gabbie分享道。不過，時裝周向來競爭激烈，加上充滿變數，就算得到化妝師經理人的回覆，都不代表有工作機會。Gabbie進一步解釋時裝周的運作：「假如他們覺得你合適，便會詢問你能否參與他們負責的時裝秀，而你就可以按照自己的時間表和興趣排列和選擇，但這並不代表你已被確認，只是代表你把時間預留了給他們。他們還需進一步的確認，你才正式獲得工作。」

Gabbie亦有分享每一次時裝秀的化妝流程，往往都需要「執生」：「當你收到電郵確認工作後，然後便按照通告指定的時間到達會場，但未到達前，你往往不知道要化甚麼妝容。例如一個下午五時的時裝秀，我們可能早上十一時便要到達。到達會場後，我們需要登記和檢查證件，才能走入後台。在後台裏，我們需要快速整理好自己的工作空間，然後首席化妝師便會向所有人示範今次時裝秀的妝容。在示範的過程，他有時會說明需使用的產品，但整體來說我們必須留意着不同細節。當我們正式替模特兒化妝時，亦會根據她們的膚色或面部特徵作出調整；完成後需把模特兒帶到首席化妝師前獲得批准，才算正式完成。」

每一次的時裝周都猶如一次賭注，就算化妝師把時間預留了給相應工作，到最後都可能是一場空，更有機會賠上食宿、交通等支出。不過，假如得不到時裝秀的工作，時裝周其實還有很多不同類別的工作可以參與。「時裝周期間，很多藝人和influencers都會需要巴黎的化妝師幫忙，其次有些品牌亦會為到訪時裝周的VIP提供化妝服務。因此你必須擴展你的人脈，才能知道不同的工作機會。譬如你那天本來並沒有工作，便可主動向身邊的化妝師朋友詢問機會，始終時裝周有很多突發的事情，說不定臨時需要很多人手。」

縱使時裝秀化妝所帶來的收入未必是最可觀，而且很多事情都是不可預料，但Gabbie還是對此樂此不疲：「我認為時裝周是十分具挑戰性，你未到最後一刻都不知道要做甚麽，又要用最短的時間學懂首席化妝師的妝容設計再模仿，但就是這個過程令我進步，通過觀察其他化妝師了解更多的技巧。」行動比空想實際，Gabbie正正告訴我們，只要踏出第一步，機會隨時接踵而來。

CAPTURE THE MOMENT — VIDEOGRAPHER LAU KIT

近十多年社交媒體的興起，時裝品牌比起以往更加著重於錄像拍攝，除了記錄時裝秀的服飾外，更會拍下名人出席時裝秀的畫面、後台預備工作的情況等等。身為錄像導演的Lau Kit，在機緣巧合之下便獲得時裝周的拍攝工作，與工作夥伴一同到米蘭為品牌Anteprima記錄時裝周。

「當初我的工作夥伴Lewis Lau接了Anteprima的工作，便與攝製隊一同到米蘭。品牌之前都是跟日本或韓國的攝製團隊合作，但品牌裏的香港人亦想與本地人合作，因此促成了第一次的合作。」Lau Kit道出與品牌合作的由來。在一個星期裏，Lau Kit需要完成八至十條短片拍攝，其中很多拍攝都要在極短時間內完成，少一點應變力和執行力都未必能應付：「到埗後的頭兩天，通常我們都會事先尋找未來數天的拍攝地點。來到第三、四天，那就是品牌舉辦時裝秀的日子。我們會早上到達秀場，先拍攝後台實況，然後要立刻剪輯並發布相關影片。到名人進場時，我們又要拍攝他們到達的一瞬間，並要在走秀前發布短片，整個過程可能只有三十分鐘，因此同時亦需要一位剪接師同步剪輯。時裝秀後的幾天，我們便會與不同的名人和KOL在米蘭街頭拍攝一些穿搭短片。」

與香港的拍攝工作相比，時裝周的拍攝對Lau Kit來說節奏更快：「你必須很清楚自己在拍攝麼，並留意服裝的特色。一次時裝秀可能有三十套服裝，你要知道哪一套是重點、有哪些設計元素值得關注，並思考如何將相關元素串聯成本次主題。」話雖如此，在米蘭工作當然亦有一些「小確幸」：「在當地拍攝的時候，他們都會樂意借出地方、道具。譬如我們其中一條短片，希望到一間餐廳拍攝喝咖啡的鏡頭，結果餐廳竟然分文不收地借出場地。他們基本上就是支持你去做好時裝周，但你在香港拍攝餐廳就會有很多困難。不給錢是沒可能找到一個漂亮的場地，或者沒有人會支持你，這些事情上香港相對來說都比較功利。」

問到Lau Kit在時裝攝錄上還想有甚麼突破，他希望能以「好玩」的心態拍攝更多時裝短片：「每個品牌都有自己的特性和風格，而且時裝都要追求創新，容易接受新想法，因此希望可以與不同品牌合作。現在AI元素的盛行，其實mix & match不同的剪輯方式，便已經有很多有趣的拍攝手法。如果可以拍到不同類型的時裝廣告片、與一些品牌的代言人合作，我猜應該都會很開心，這是短期內想達到和最期待的事。」

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菅原德央（Norio Sugahara）是45R企劃部的裁縫及針織課長，一九七七年出生，於二〇〇〇年加入公司。在入職時，他擔任梭織布的打版師，並在約一年後轉型，專注於裁剪與縫合工作。自二〇一三年起，他成為企劃團隊的一員，負責裁剪與針織品的開發，參與從布料開發到成衣設計的每一個創作階段。

「所有東西都是用『心』去製作的。」

菅原德央先生提到，靛藍是每個創作的起點。在創立45R時，品牌希望能夠傳遞「穿著舒適衣服」的理念，藍染的選擇不僅是因為其美觀，更是基於對天然材料的尊重。他指出，每次規劃時，靛藍都是不可或缺的元素，影響着風格、紗線的選擇，甚至店內的擺設。

藍染技術的選擇

在藍染T恤的具體方法上，品牌選擇了繩染法，指的是在布料或紗線還未被織成布料之前，就先將其用繩或線捆紮起來，然後浸染，讓未被捆紮的部分被染上顏色。

這種方法可以創造出獨特的紋路和花紋，在染色過程中會讓線紗變得稍微黏稠，並且容易斷裂。他強調，這個過程雖然依賴機器，但每一步都充滿挑戰，特別是在織布和編織時，工匠們需要密切監控染色的狀態。他們的技術和經驗是確保每件產品獨特性的關鍵。

選材的重要性

在設計藍染T恤時，菅原先生特別強調了選材的重要性：「我堅持從全球各地精挑細選原料，並在日本進行紡紗。」津巴布韋棉花是45R產品中最常用的棉花，既不太細也不太粗，既不太長也不太短，非常稀有，僅佔世界棉花總產量的0.15％左右。這款棉布所呈現的完美凹凸紋理和舒適觸感。同時，他希望每一件T恤都能保留牛仔布的精神，並在每一針中融入牛仔元素，這不僅是設計的要求，更是品牌的文化象徵。

日本與其他國家的藍染差異

當問到日本與其他國家的藍染差異，菅原先生表示：「我們品牌創立於日本，也在田地裏種植自己靛藍染料植物，希望一切歸根於日本。」日本的藍染技術源於傳統服飾，使用的顏色如淺葱色（Asagiiro）是以前江戶時代，鄉村武士和下層武士所穿的衣服襯裏是淺洋葱色。隨着時間的推移，今天它已成為許多人喜愛的傳統顏色，帶有深厚的文化底蘊。相比於印度和台灣的藍染，45R的靛藍染色更注重於與日本傳統的連結，並在設計中融入復古的元素及情懷。

「我知道時尚圈發生甚麼事，但我不想隨波逐流，我希望45R的物品會隨着時間而改變而有穿著痕跡。愈舊，你就會愈愛它們，令衣服變得更有價值。」

問及現今快時尚的浪潮下，怎樣確保品牌能吸引到年輕一代買45R的T恤時，菅原先生表示，明白品牌必須保持獨特性和手工價值，他們不追逐流行，而是專注於創造不受時間影響的作品。他相信，這些「永不過時」的設計能夠吸引年輕消費者，因為它們不僅是服裝，更是情感的寄託。他希望45R的T恤是你放在衣櫃中五年、十年，甚至二十年都不會丟棄的單品，這可能是快時尚無法確保的質素。

菅原先生的創作理念深植於對藍染工藝的熱愛與尊重，每位顧客穿上45R的T恤時，不僅感受到舒適，更能與這些衣物建立情感的聯繫，讓它們成為生活中的一部分。這就是45R的魅力所在，也是菅原先生對未來的期望。

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profile
由店主Soyu（左）和Sam（右）創立，他們各有不同的背景，Soyu曾是布料設計師，對材料和色彩有着敏銳的洞察力。而Sam則曾是一名時尚買手，擅長捕捉潮流趨勢。這對天作之合的夥伴，將他們的獨特眼光及專業知識結合，搜羅各款限量版二手T恤。

從職業到熱愛

Sam和Soyu的背景各有不同，Sam曾是一名時尚買手，而Soyu則是布料設計師。兩人走上Vintage T恤之路，一切都是機緣巧合。Sam回憶道，從小就受到舊衣服的薰陶，尤其是母親的Ralph Lauren半拉鏈衛衣：「我媽媽擁有一件Ralph Lauren的半拉鏈衛衣，我從小就認為這件衣服的質地非常舒服。這件衣服先是由我母親穿著，然後到我的哥哥，最後輪到我。如今這件衣服依然在我家中，我仍然會穿著它。」這件事讓他對舊衣物的質感與背後的故事產生了深厚的情感。Soyu則在接觸可持續時尚後，意識到纖維廢物的問題：「其實很多品牌都有意慾用再生材料製作衣服，但因為成本相對昂貴而放棄。」所以她決定要從改變消費者行為入手，兩人相識後便一起開啟了這段Vintage之旅。

文化探索

在香港經營Vintage T恤店並不容易，Sam和Soyu都表示，學習的內容遠比想像中多。他們不僅需要辨別衣物的真假、年份和市場價值，還要深入了解流行文化和亞文化，包括音樂、電影和藝術等。Soyu提到，自己近期開始學習聽爵士樂，並收藏爵士T恤，更會從中尋找不同的爵士音樂，就像開盲盒一樣充滿新鮮感！透過這些T恤，他們能夠追溯到許多過去的故事，這讓他們的工作變得更加充實和有趣。

背後矜貴的價值

那麼，究竟是甚麼讓一件Vintage T恤變得矜貴？Sam認為，個人情感是無法忽視的因素：「每一件T恤背後或許都承載着某段人生回憶，而這些情感記憶使得它們對穿戴者來說變得無價。」而Soyu則指出：「像音樂T恤這樣的作品，因為其背後的藝術家對當代的影響，才得以在今天仍然保存其價值。再者，以前的印刷技術往往比現在更為精湛，這也使得Vintage T恤的質量更高。」

在進貨的過程中，Sam和Soyu會考慮品牌和背後的故事。當然，他們同時都會挑選自己喜歡的設計，因為熱愛才能讓工作更有趣。Soyu分享了尋找絕版T恤的艱辛過程：「好辛苦！」要從衣服的細節、手感、布料及裝飾上精挑細選並不容易，並提到自己最喜歡的Vintage品牌是Salomon的外套，因為那精美的刺繡工藝難以再現。

如今的市場上，有真一定有假，假 Vintage T恤並不罕見，Sam和Soyu表示有部分人認為真假並不重要：「許多人認為，只要能夠購買到一件有型的T恤就足夠了，因為大多數情況下只會穿幾次便不再需要，才會出現假T恤的市場。」他們強調，真正的價值在於對文化的理解，而非僅僅是外觀的造型。混水摸魚的人每個產業都有，他們鼓勵消費者可以多了解Vintage T恤的背後故事，以提升對這些獨特作品的認識，令身上的衣服更加有意義。

吸引年輕人的力量

現今的年輕人比昔日都更加勇於表達自我，他們不再滿足於跟隨潮流，而是渴望尋找獨特的風格，Soyu：「年輕人透過Vintage T恤來展示自己的生活態度和文化背景。」這些T恤承載着豐富的故事，無論是音樂、藝術還是社會運動，都是年輕人所重視的文化元素。例如Vivienne Westwood 二○○六年春夏系列時裝秀上，她在T恤寫下「我不是恐怖分子，請不要逮捕我。」（I AM NOT A TERRORIST, please don’t arrest me.）的宣言，以抗議英國政府推出的反恐法案，後來也有不少粉絲想在二手平台重新尋找及入手這件T恤。可以看出Vintage T恤不僅展示了各個藝術家的作品，還反映了那段音樂歷史和文化。在這個多元化的時代，這些T恤幫助年輕人找到自己的聲音，並在不斷變化的文化背景中，堅持自己的獨特性。

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歸本溯源，對Alex和Derek而言，甚麼是時裝？Alex表示：「我覺得是具備功能性，同時又可表現到你自己的氣質。」Derek補充：「時裝是一個很個人的選擇，無論上班還是出街也好，你所穿著的也是反映每個人的形象和日常生活的態度。」那個是你們成立Ponder.er的原因嗎？Alex說：「我們在倫敦讀書時認識，畢業後有回到香港和上海了解兩地的時裝市場，然後我們就發現到很多男裝品牌和設計未能表達到我們在大學裏所談論有關性別話題，所以帶着這個想法便成立了Ponder.er。」Derek緊接着說：「其實比較西方社會，在亞洲市場內，我們覺得很多性別相關的議題也未被討論到，所以我們想用自己的擅長—時裝設計來帶出這個相關議題。」就是這樣，他倆便展開Ponder.er的旅途，一段屬於他們的旅程。品牌成立約五年多的時間，問到他們最難忘的事，Derek想了很久後回答：「可能是Anna Wintour形容我們的設計很Chic吧！」

Ponder.er主理人Alex（左）和Derek

作為時裝設計的一份子，對未來本地時裝市場發展有甚麼看法呢？Derek認為：「希望可以有更多Funding（笑）！我自己覺得近年香港的時裝圈也有很多創意新能量，雖然香港這個環境從來都不是100%對創意十分包容，但我覺得很多比我們更年輕的社羣也會很開放地去探索不同的想法，算是很不錯的現象。」

在創作全新設計時，你們主要的考慮因素是甚麼？Alex半開玩笑半認真地說：「生意額（笑）！在每個設計誕生前，我們也會在各方面如受眾、剪裁、用料等考慮該設計是否屬於Ponder.er？平衡各種因素和考慮大家怎樣將這個設計應用在日常生活上。」Derek補充：「Ponder.er本身的原意就是以我們的方式去挑戰一些社會的框架或者對性別定型的疑問，但同一時間我們也很想我們的設計是可讓人家可以舒服地穿著或者完美融入他們的衣櫃內，所以我們的產品都會有一個平衡，怎樣表達到我們的想法的同時，又能夠滿足顧客的需求。」

他們在海外拿下不少殊榮，但在風光背後自然也有很多辛酸史，問到二人有否曾經想過放棄時，Derek說：「我覺得沒有後悔，但同一時間我不停地警告下一代的小朋友不要那麼倉猝便決定成立品牌，因為實在有太多考慮的因素，你所承受的事情遠遠超過設計。」Alex表示：「無後悔，但永遠也會想檢討自己有甚麼可以做得更好，可以更容易去進步自己。」那麼是甚麼令你們堅持？Derek：「其實不時也有不同人也會很認真地跟我說『多謝你們努力付出，因為可以帶到香港設計到一個國際市場。』我們不是為了得到這些讚賞，而是這些說話更能提醒到我當日想要投入這個行業的原因，就是從香港出來的設計師也有很多想法想要透過設計去表達。」

當記者問到他們有甚麼說話想要寄語準備加入時裝市場的新生代時，Derek立即說：「走啊！哈哈！」而Alex則表示：「入來做Internship，哈哈！」（？！）二人互相補充下表示：「我記得Zendaya的造型師Law Roach曾說過『尤其在剛開始時，造型師是一個非常體力勞動、非常不華麗的工作』，其實時裝設計一樣，可能大家小時候會覺得McQueen和John Galliano等，很多人幫自己處理所有事情，但在剛開始時，任何事情自己親力親為，包括pack貨、買布、搬搬抬抬⋯⋯所以不要覺得時裝像是一個很華麗的職業而入行，那些紅地毯場合可能只佔2%。」最後Alex一本正經地說：「Ponder.er正在做優惠，大家可到官網選購。」或許創立自己品牌的另一個要素，就算要足夠幽默，才能承受當中的辛酸吧！

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山本耀司曾經說過：「黑色幾乎成為了我的第二肌膚。」，他與「黑」之緣其實是建基於其童年時對於社會的不滿—長於二戰戰敗後經濟蕭條的日本，年少時家父在戰爭中逝世，母親為了守寡長年穿上黑沉沉的服裝，與活躍於新宿的一羣妓女身上性感而色彩斑斕的衣著形成鮮明對比。從母親身上，令山本耀司察覺到黑色的冷靜和節制美，也深深地影響了山本耀司日後的設計色彩。

在一九八一年，山本耀司藉着品牌「Yohji Yamamoto」在巴黎發表了一場小型時裝秀，在八十年代的時裝界盡是以華麗、誇張和俗豔的設計風格為主，但當時的山本耀司卻一反常態，以黑色為主色，配合看似骯髒、滿是皺褶和層次的布料，對當時喧鬧浮華的歐洲時裝界，造成一大衝擊。

可是，須知道「黑色」對於當時的歐洲而言是一種象徵着死亡的顏色，因此當時山本耀司挑戰傳統美學觀念的設計被主流媒體狠狠的批評，甚至被形容為「世界末日」。另一方面，當年在場看秀的美國版《VOGUE》的編輯則讚嘆山本耀司的「黑」是神祕、醉人、革新且叛逆的，而這種「黑」，也是前所未有的。

當黑色這種顏色應用在不同的布料上，可以助山本耀司藉此體現出不同的意義和感覺—黑色可以是冷酷、溫情、低調，甚至是充滿情慾的。自山本耀司在巴黎發表了一場以黑色為主調的服飾、系列後，彷彿引起了一場革命—引起了人們對於關於傳統美學的思考，也讓人們領悟到，原來黑色是可以如此奔放和優雅。

然而，黑色對於他而言，不但充滿藝術性，更能夠展現出一種高傲的態度—「我不打擾你，請你也別打擾我。」單單一種顏色背後卻有着這麼多含義，難怪「黑」這種顏色的地位多年來在山本耀司心目中，也一直無可動搖。

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川久保玲最初之所以迷上黑色這種顏色，原因和山本耀司其實是很相似的，兩者都是對於當時社會上充斥着浮華且色彩斑斕的服飾感到不滿，於是才以代表着反時尚的「黑」作為服飾系列主調，逆道而行。

在八十年代的初期，川久保玲以黑色為主調的破爛、不對稱和全身包裹等彷彿鼓吹着貧窮主義的服飾，與當時以奢華優雅服飾為主的巴黎時裝周形成強烈對比，深深震撼了當時的西方時裝界。

川久保玲就是這樣以原本看似沉默和孤獨的黑色，為當時色彩斑斕的主流時裝界帶來衝擊，試圖改變當時既定的主流價值觀，也令「黑」這種顏色充滿力量，自此，黑色便彷彿與COMME des GARÇONS 劃上等號。

然而到了二千年，川久保玲在日本一本時裝雜誌的黑服特集中，卻寫下了「黑色已死」一句話，表達出對種顏色的厭倦，而當中原因就是因為「當每個人都選用黑色的話，就再也沒有意義了。」無他，經過時裝界多年的洗禮，當時裝界幾乎每個人都穿上黑色，黑色得以被大眾所接受，不但令黑色失去了原來的獨特之處，同時失去了這種顏色在川久保玲心目中所追尋的意義。

當黑色成為了流行，對於堅持創新的 COMME des GARÇONS 而言，就明顯地失去了特權。由此可見，山本耀司與川久保玲手下的「黑」是不一樣的，前者透過「黑」來表現出一種情感和態度，而川久保玲小姐則是藉着「黑」來表現出一種創造力，甚至是衝擊性。

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Mary Jane雖然從未過時，但每個時代都需要新血傳承。來到現今網紅世代，我們有Nodaleto。2019年之前，沒人聽過這個品牌。忽然某天，社交平台上每個時裝KOL都踏著同一款Mary Jane鞋，瘋狂洗版的程度令你不得不馬上擁有一雙才像話。來自巴黎的Nodaleto在Gen-Z之間迅速冒起，起家3年，早已成功闖出名堂。

品牌背後靈魂Julia Toledano的來頭不少，爸爸是LVMH時尚集團掌門人Sidney Toledano，天生踏了半隻腳入時尚圈。她本身也很爭氣，先讀法律，再做時裝編輯和進修設計，最終在父親支持下創立自家鞋履品牌。靠著強大後台，Nodaleto首季便打進巴黎時裝周，又有名模Gigi Hadid和《Emily in Paris》加持，簡直贏在起跑線。

公道一點來看，Nodaleto的Mary Jane設計在坊間的確少見。品牌自有一套線條美學，厚底、方頭、粗跟、雙條搭帶的輪廓強而有力，即使沒有任何logo，還是一眼就能認出來。在云云鞋款之中，為何Julia偏偏看上Mary Jane？「我不是個愛穿波鞋或芭蕾舞鞋的女生，娃娃裝反而令我覺得更自信和性感，所以Mary Jane特別吸引我。它的美學不在於追求片刻時尚，事實上在我們推出自家鞋款之前，Mary Jane熱潮已過，但總有一天它會重新興起。每個鞋櫃都需要一雙Mary Jane，過去如是，未來也如是。」

 重新定義Mary Jane

點進Nodaleto的網店，搜尋Mary Jane不會找到任何結果，因為他們替Mary Jane取了一個可愛的新名字—Bulla Babies，Julia回憶名字的由來，「我的設計很大程度受建築影響，我喜歡50至70年代的設計，當中法國康城的泡泡皇宮（Palais Bulles）給我好多靈感，它的外型令我聯想到女性胴體，很自然就成為系列名字。至於另外半個名字，當我第一次親眼見到成品樣本誕生時，它就像我們的新生寶寶（babies）—一件我從未見過，並想終生帶在身邊的東西。」

Bulla Babies保留了Mary Jane的青春感，加入玩味和摩登，自成一格，剛好切合這個忠於自我的世代，跟Gen-Z同聲同氣。Julia知道現今女性需要怎樣的鞋，「這個世代的女性都是遊牧民族，一天穿梭幾場約會。我希望穿起Nodaleto的女性感到非常女性化和與眾不同，同時又酷又性感，但仍能穿著它走一整天（即使有厚底和高跟）。」老實說不知道有幾多人真心當它是日常鞋款，但至少大家都愛穿它搭配和打卡，因為不論多平凡的服裝，一對Bulla Babies馬上令全身變成時尚又霸氣。Julia提意用它搭配白Tee、闊腳牛仔褲、側孭袋打造Gen-Z造型，也可以配上娃娃裙和襪子重現90年代風格。現在整個Bulla Babies家庭已經有延伸出一系列色調、材質、兩種跟高（最矮也有8.5cm）、搭扣方式，不過Julia透露最好賣的還是元祖款全黑亮面。可惜Nodaleto暫時未有在香港實體舖上架，有興趣的話就要網購了。

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1920s: 舞池上的Mary Janes

實用好穿的Mary Jane不只在童鞋界掀起革命，甚至反佔大人女裝世界，衝破年齡界限。Mary Jane在20年代吹起歷史上第一波風潮，roaring twenties強調社會要有活力，女性第一時間丟掉束身衣，換起綴滿流蘇或亮片的連身裙。鞋款方面，她們追求一種年輕感，女學生常穿的Mary Jane鞋正好符合條件；加上舞場文化興起，不易飛脫的Mary Jane成為被選中的IT shoes，讓女性可以毫無顧慮地自由擺動身體。

舞池上的Mary Jane鞋會互搶風頭，衍生出花多眼亂的設計，有華麗緞面、有綴滿閃片、有高彩度…配合性感嫵媚的flapper dress，Mary Jane鞋忽然擺脫稚氣，昇格優雅鞋款。起初只有夜間的舞鞋款式花俏，漸漸連日間的都變得搶眼，鞋型亦逐漸演變成細長而高跟。經過這10載瘋狂年月，純真的女孩已經長大了。

婆仔鞋

Mary Jane明明是主張少女味的鞋款，然而香港卻對它有個別稱「婆仔鞋」，背道而馳得有點離譜。據說早年香港老婆婆常穿的布鞋通常會被設計成Mary Jane款式，而當時的學生還未流行穿Mary Jane上學。後來當它成為校服的指定配飾，因為外型類似老婆婆常穿的鞋，就有了這個別稱。隨著愈來愈多女童穿起Mary Jane，老氣漸漸褪去，「婆仔鞋」也甚少被提起了。

 1960s: 迷你裙時代

Mary Jane鞋史上首次回巢是在60年代。Swinging Sixties一洗50年代的Dior式優雅，舒適好穿才是王道。女性不再勉強自己塞進斗零高跟鞋，放下賢良淑德的大小姐形象，情願做個自由自在的小女孩，脫離上一代的枷鎖。帶著稚氣的Mary Jane正好被這個時代選上，矮跟設計走起來輕鬆有活力，鞋頭還有多餘空間讓腳趾活動，為雙腳來一次小解放。

60年代的Mary Jane鞋款帶著一股chic的氣質，擺脫20年代那種花姿招展，貴氣緞面由平實漆皮取而代之。一雙Mary Jane鞋配上迷你裙，就是這個年代的指定造型，交給經典超模Twiggy示範最傳神。那副像未發育少女般的平板身型，還原了Mary Jane原本的女學生氣息，卻顯得摩登有活力而不幼齒，成為當年時尚指標。另一位紅遍60年代的超模Jean Shrimpton將Mary Jane鞋穿出不一樣的神韻，標誌性的A字毛呢大衣搭配Mary Jane造型，露出修長的腿部線條，溫柔得體，讓女生都想擁有她那份優雅。傳奇IT girl Jane Birkin的風格就介乎兩者之間，她在約會時最常以迷你裙或迷你裙搭配一雙Mary Jane鞋，手挽小藤籃，感覺貪玩俏皮，但骨子裡流著性感。Mary Jane在這些繆斯女神演繹下，成為每個女生必有的一雙，跟go-go boots平分60年代的天下。

 1960s: 迷你裙時代

Mary Jane鞋史上首次回巢是在60年代。Swinging Sixties一洗50年代的Dior式優雅，舒適好穿才是王道。女性不再勉強自己塞進斗零高跟鞋，放下賢良淑德的大小姐形象，情願做個自由自在的小女孩，脫離上一代的枷鎖。帶著稚氣的Mary Jane正好被這個時代選上，矮跟設計走起來輕鬆有活力，鞋頭還有多餘空間讓腳趾活動，為雙腳來一次小解放。

60年代的Mary Jane鞋款帶著一股chic的氣質，擺脫20年代那種花姿招展，貴氣緞面由平實漆皮取而代之。一雙Mary Jane鞋配上迷你裙，就是這個年代的指定造型，交給經典超模Twiggy示範最傳神。那副像未發育少女般的平板身型，還原了Mary Jane原本的女學生氣息，卻顯得摩登有活力而不幼齒，成為當年時尚指標。另一位紅遍60年代的超模Jean Shrimpton將Mary Jane鞋穿出不一樣的神韻，標誌性的A字毛呢大衣搭配Mary Jane造型，露出修長的腿部線條，溫柔得體，讓女生都想擁有她那份優雅。傳奇IT girl Jane Birkin的風格就介乎兩者之間，她在約會時最常以迷你裙或迷你裙搭配一雙Mary Jane鞋，手挽小藤籃，感覺貪玩俏皮，但骨子裡流著性感。Mary Jane在這些繆斯女神演繹下，成為每個女生必有的一雙，跟go-go boots平分60年代的天下。

千禧名人示範

踏入千禧年後，Mary Jane鞋的曝光率仍然有增無減。女星們帶頭在電視劇、紅地毯、社交平台、MV裡示範它的不同搭配法，由日常到盛會都駕馭得來。Mary Jane鞋在她們腳上擺脫了稚氣，還出乎意料的時尚優雅，快來跟她們偷師！

Alexa Chung

著名IT Girl Alexa Chung可是Mary Jane鞋的死忠粉絲，不管去度假還是出席時裝周，她總會帶上一雙。而且款式再平實的Mary Jane鞋，她都有能耐將它變成全身亮點，跟碎花裙、冬裝長褲、牛仔褲等等完美融合，看似毫不費力，難怪她每次發帖都有粉絲留言問鞋子品牌。

Carrie Bradshaw (Sex and the City)

Mary Jane鞋可以有多大魔力，讓《Sex and the City》的Carrie(Sarah Jessica Parker 飾)告訴你。在劇集第4季，Carrie潛入《Vogue》的衣帽間，從無數對經典鞋款中，她一眼便發現了Manolo Blahnik的黑色漆皮高跟Mary Jane鞋，馬上像寶藏一樣捧在手心，驚喜大叫：「我還以為這是個都市鞋履傳說！」劇集成功捧紅Manolo Blahnik，哪位女士不想擁有一對「都市傳說」？這對1994年誕生的Mary Jane簡約又性感，連Kate Moss都有穿過。好消息是，目前市面仍未絕跡。

Emily Cooper (Emily in Paris)

猶如換裝秀一樣的劇集《Emily in Paris》充斥高調又華麗的造型，女主角Emily Cooper(Lily Collins飾)總是踩著高跟鞋四處跑。然而第2季中她難得換上平底鞋，而且是經典黑色漆皮Mary Jane鞋，帶來小驚喜。配上對比鮮明的黃黑色調，貫徹角色的時尚態度。

 Harry Styles

Gucci在2020年秋冬季將Mary Jane鞋破格帶上男裝天橋，回歸它誕生時的本性。而秀場以外，交給支持中性風格的Harry Styles來演繹最適合不過。他用白襪搭配黑色T字帶Mary Jane鞋，現身2020年全英音樂獎的紅地毯，令西裝造型變得又復古又新鮮。男神這身打扮猶如在宣告Mary Jane鞋不再為性別設限，把設計師的心思從天橋帶到現實。

Jennie (BLACKPINK)

回到亞洲這邊，韓團BLACKPINK單曲〈Pink Venom〉MV開首，Jennie在紅毯上霸氣邁步。一身鮮紅豹紋禮服本身非常吸睛，但腳上那對GCDS厚底Mary Jane沒有被搶風頭，存在感十足，亦令Jennie每一下步伐都極有份量。

Mary Jane大膽變奏

最經典的Mary Jane鞋必有3大重點：1.腳面有單條搭帶、2.低跟、3.密頭，配上黑色漆皮就更傳神了。以此作為原點，漸漸又衍生出五花八門的款式，令定義也變得愈來愈寬鬆。現在只要不露趾，腳面有一條甚至多條搭帶的，都能自稱Mary Jane鞋了。多年來Mary Jane鞋啟發了無數設計師，幾乎每個大牌都有推出過。有趣地，無論變成厚底高跟、抑或閃亮螢光，仍能保留那份少女味。來欣賞大師們如何施展Mary Jane的可愛魔法。

Salvatore Ferragamo

舒適和優雅，why not both？這雙平底Mary Jane啟發自女星柯德莉夏萍，由Salvatore Ferragamo在1954年親自為她設計，當年她才剛拍完《羅馬假期》，演藝事業正在起飛。雖然大師為她設計過好幾對鞋，但只有這對能冠上Audrey之名。現在你也起穿起經典女神的同款了。

Chanel

典雅的黑白拼色，一眼就知道出自Chanel。香奈兒的Mary Jane鞋向來不愛搞得太花俏，雙C logo低調融入鞋頭，鋸齒綑邊細節自帶復古氣質。2021年早春系列就復刻了當年Coco Chanel那雙Mary Jane鞋，還原它的少女本性，再創經典。

Prada

見識過Prada的Mary Jane鞋，誰也不敢再嫌它沒趣。2011年的秋冬系列將復古變得好玩，Mary Jane與長靴一體成型，由腳踝一下子延伸至小腿，突破單一鞋款框框。順便幫你預設好配搭，無需費神猶豫要配襪子還是單穿。

Vivienne Westwood

誰說Mary Jane鞋不能耍野性？經典的黑色漆皮款落到西太后手上，也變得性感又叛逆。3條搭帶配上銀色搭扣，自然散發龐克味道。最特別是招牌「animal toe」鞋頭，為腳尖注入狂野，顛覆Mary Jane鞋的乖乖本質。

Miu Miu

少女風代表Miu Miu絕對是Mary Jane鞋的頭號粉絲，而且每次都不會離經叛道。2015秋冬系列看上Mary Jane鞋最原始的搭帶元素，由一條變五條，雖然失去其容易穿脫的本意，但獨特又可愛的設計就是王道。

Dolce & Gabbana

如果Mary Jane鞋誕生於巴洛克時代，說不定就是長這樣子。在2015年秋冬天橋上，D&G將其提升至藝術品級別。搭帶部分造得特別幼細，減輕少女感。這次主角換成裝飾，偌大的水晶拼湊成盛開中花兒，鞋跟鑲有復古人像浮雕，仿似一個迷你畫廊，一切在浮華金光之下顯得更高貴了。

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她是一位來自紐約的女孩。

誕生於120年前的Mary Jane鞋，今天仍然是全球公認的少女代名詞。單條搭帶加上圓形鞋頭是它最經典的模樣，長得一臉乖巧純真，叫人討喜。漸漸校園藏不住它的魅力，一躍走上天橋，為每個年齡層的女性賦予減齡魔法，難怪一個世紀以來都集萬千寵愛於一身。如今每當潮流吹起少女風，Mary Jane就會帶著全新姿態回歸，延續其不朽青春。而有關Mary Jane鞋的一切，首先要從一個女孩談起。

Mary Jane之起源

Mary Jane這個名字第一次面世，可追溯至《紐約先驅報》由1902年開始連載的漫畫《Buster Brown》。男主角Buster Brown是個調皮的富二代黃毛小子，閒來沒事就愛搞惡作劇，而且年紀小小就交了女朋友，她的名字正是Mary Jane。頂著一頭濃密黑卷髮的Mary Jane十分好認，頭髮右側總會綁上巨型蝴蝶結，每次出場都會換上不同的花裙子，明顯是個未長大的時裝精。而這對小情侶腳上總是常常穿著搭帶鞋。漫畫中的Mary Jane真有其人，名字跟髮型都參考了作者Richard F. Outcault本人的女兒，據說這個小女孩亦常常愛穿搭帶鞋。

隨著漫畫連載愈來愈紅，到了20世紀初幾乎無人不知的程度，作者就想趁機賺一筆，於是拿著它到1904年的世界博覽會尋找商機，果然為他開拓一條財路。他將作品成功授權給200間公司，准許他們使用漫畫中的角色宣傳旗下商品，而Brown Shoe Company就是其中一間願意埋單的公司。

正式踏入時尚界

接下來，這間美國鞋廠推出的童裝鞋都改名為「Buster Brown」，由宣傳廣告到鞋墊上都印有漫畫男主角和他愛犬的大頭標誌。至於男女主角常穿的搭帶鞋，鞋廠就選擇冠上「Mary Jane」的名字。這等命名背後原因不得而知，或許是漫畫中的Mary Jane更切合乖學生的形象，不如Buster Brown般愛搗蛋。從此Mary Jane正式跨界時尚，成為不朽的名字。

用漫畫角色代言這回事，在當年簡直走在時代尖端。鞋廠更找來小演員cosplay主角宣傳，巡迴當地百貨公司和鞋店，讓孩子們都嚷著爸媽要買鞋。「Buster Brown」迅速成為大熱童鞋品牌，耐用的質料亦的確贏得家長歡心。

這間Brown Shoe Company至今仍然健在，經歷過破產和重組，鞋廠在2015年以「Caleres」之名重生，轉行經營一系列鞋履品牌，不再自行生產。公司沒再以漫畫角色作招徠，但Buster Brown標誌上的「★5★」標記就變成了新logo的一部分。據說在18世紀後期，若印在鞋底的「★5★」標記被磨蝕，鞋廠願意退款美金$5作為品質承諾。這份職人精神在一個世紀後仍然備受尊敬。

非女生專屬

如今Mary Jane普遍被認為是女裝鞋款，其實它最初無性別之分。正如上文提到的《Buster Brown》漫畫裡，男女主角都在穿。翻看20世紀初的流行兒童文學，《愛麗斯夢遊仙境》的愛麗斯、《綠野仙蹤》的桃樂絲、甚至《小熊維尼》的羅賓，男女主角的指定鞋款一律是Mary Jane。若再追溯久遠一點，早於16世紀已經有英格蘭國王亨利八世穿著初始版Mary Jane。

由上學到出席特別場合，Mary Jane都是孩子們的公式搭配鞋履。它好在搭帶設計不易鬆脫，而且穿著簡單方便，幾歲小孩亦能自行穿好，無需大人操心。後來Mary Jane逐漸從男生的鞋櫃消失，變成女士專屬，多少是受明星效應影響。

童星效應

美國史上最有名的天才童星Shirley Temple是個將Mary Jane穿活的女孩。由她1931年的電影出道作《Baby Burlesk》開始，Mary Jane鞋一路陪她走過幕前生涯。濃密捲髮和蓬鬆傘裙是她的指定造型，加上陽光般的樂觀個性，如果世上真的有完美的小女孩，肯定就是Shirley Temple本人。她的可愛模樣深深烙在觀眾心裡，順便為Mary Jane鞋貼上甜美女孩的標籤，一直到90年代才被挑戰。

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