一九二八年，自瑞典社會民主黨主席Per Albin Hansson提出「人民之家」（Folkhemstalet）理念，以「為人民創造更好的生活條件」為社會核心之後，設計界出現一股鼓吹功能主義（Functionalism）與民主設計（Democratic Design）的潮流。這種設計思維強調透過優質、實用且價格親民的設計，改善大眾日常生活品質，同時注重工藝品質、可持續性與人性化使用體驗，提倡美好設計應是人人可擁有，非只屬社會精英階層。

北歐設計（Scandinavian Design）簡約、功能至上兼具美學元素的風格一直備受追崇。利落線條、自然材質、明亮色調，這些元素創造了溫暖且實用的空間。隨着現代社會日益複雜且步調加快，北歐設計繼續提供一個永恆的避風港，在嚴峻的環境與社會挑戰之下，安放情緒與日常生活。

本刊走進四名在瑞典工作的設計師真實的家居，探索創意之源，如何於居住空間實踐北歐設計哲學。他們又是如何在北歐追求的設計倫理之中容身，在家展現自己獨特的個人風格？

斯堪地那維亞設計 北歐五國共同追求的烏托邦

「斯堪地那維亞（Scandinavian）」通常指稱丹麥、芬蘭、冰島、挪威及瑞典五個北歐國家，但地理上只有後兩國位於斯堪地那維亞半島。斯堪地那維亞地區的國教路德宗（Lutheranism）強調真理與理性，鼓勵人民透過腳踏實地努力工作、造福人類來獲得救贖。這種肩負社會責任的道德觀念，成為北歐設計哲學的基石。對於大多數斯堪地那維亞人而言，設計不僅被視為日常生活不可或缺的一部分，更是推動社會變革的手段。所以斯堪地那維亞流行一種「民主化」的設計理念，旨在透過合適且價格合理的技術與產品，追求社會理想並提升生活品質。

嚴峻氣候與地理環境亦令當地人極為重視居家環境的舒適感。二十世紀斯堪地那維亞設計和工藝的關鍵特徵，在於追求品質和厭惡平庸。不論椅子、花瓶、咖啡壺還是儲物罐；不論是手工製作還是機器製造；不論是昂貴還是廉價，其設計都應該予人情感慰藉，體現「hygge」概念（丹麥詞彙，意指幸福而舒適的感覺），同時捨去浮誇，偏好低調而又細膩的空間。

儘管北歐五國之間存在許多相似之處，但在設計這個領域，各國之間仍存在着鮮明的風格差異。芬蘭建築師、全球首位城市設計長Anne Stenros則有如此見解：「在情感層面上，丹麥人稍顯『南方』氣質，芬蘭人稍顯『東方』氣質，挪威人稍顯『北方』氣質，而瑞典人則秉持中庸之道。冰島人則擁有自己堅實的根基。」

瑞典設計風格起源則可追溯至十八世紀。時任國王古斯塔夫三世開創了一種裝飾風格，靈感源自歐洲、尤其是法國盛行的新古典主義風格。瑞典古斯塔夫風格的室內設計強調輕盈、舒適、簡約與空間感，特色在於柔和色調、淺色塗漆松木家具以及不加裝飾的原木地，為歐洲大陸的新古典主義風格進行了更溫和且宜居的詮釋。一八三◯年代和一八四◯年代，瑞典設計師受德國畢德邁爾風格（Biedermeier）影響，製作裝飾簡約的家具，使用淺色木材，尤其是樺木和楓木為主。

第一次世界大戰結束後，瑞典開始流行簡約之美。新世界秩序令人開始構思如何實現社會進步。直至第二次世界大戰後，「人民之家」（Folkhemmet）的社會理念造就瑞典成為一個福利國家（Swedish welfare state），國家主導的住房政策對瑞典社會結構產生了深遠影響，「設計即生活方式」的理念自此在瑞典設計界日益盛行。

RETRO／材質混搭 創現代復古風

Sara Ottosson，瑞典資深產品開發人員，曾推出彩色音響及燈具等，著重美化家用電子產品，強調大膽圖案、鮮豔色彩與情感表達，讓電子產品成為居家裝飾的一部分。

Sara抱着她的小狗打開深褐色木門，倚站在白磚牆前打招呼。陰天之下，踏進Sara的寬敞別墅恍如步入一個極具情調的高級餐廳，每一處陰暗都有屬於它的光明。

這間屋距離Älmhult市區約十五分鐘步程。業主原是一個石材公司的老闆，此別墅用作展示室，所以地板採用了紅色花崗岩，而這種沉實色調直接定調了整個家的風格。Sara配合地板，全屋採用粉紅偏暗的牆壁顏色，「我們一開始就選了粉紅色，這讓空間更溫暖。或許更有國際風格吧。我覺得這風格有點算是……現代復古風。既懷舊又非常現代。」她形容屋子的建築偏向美國西岸風格，所以樓底不高，格局偏向低矮寬闊，搭配落地玻璃採光，粉色牆壁在晴天則會變得十分明亮。

屋子使用單層設計，改裝前設有很多小房間，包括洗衣房；廚房空間原本小得只夠用來翻熱食物，難以煮食。Sara搬進來後拆了一面牆，使開放式廚房範圍更大，且與飯廳連接。「或許是因為我們常跟朋友一起下廚。聚會都圍繞着食物，家不止是單純招待客人的地方，而是邀請大家一起做菜，我們一同在室內外穿梭，忙進忙出。」

飯廳其中一面牆壁使用了非織造材質壁紙，盛開的粉色牡丹花兼綠葉背景在柔和燈光下散發出如舊織錦般的細膩質感。下方深啡色木櫃線條簡潔有力，上方鏡子曲線柔和，溫潤的白色球形檯燈配合簡潔的金屬壁燈，交織出古典之美，奢華而又低調。

飯廳其中一面牆，復古牆紙配上現代感直條型垂吊燈飾。

打通牆壁增加空間感

轉個身，飯廳與客廳雖然有一牆之隔，但是牆壁上挖了一個約五十厘米寬的圓形開口 ，光線互通，令兩者氛圍更為連貫。其實原本這個位置安裝了一個電話插座，電話響時兩邊空間的人都能接聽，後來拆掉電話才造成如此有趣的空間。「很適合家人相處共處。現在坐在這裏，感覺真的很棒，能與其他空間的人連結在一起。」

她最愛她家之處，在於所有公共使用空間都匯聚於左方，臥室及其他房間則分布在兩側，動線全都是通往家的中心。常有親友探訪，小朋友進出室內和戶外空間也極為方便。

燈飾、櫃子、梳化、牆上畫作、半透明窗簾……客廳所有家具圍繞着紅橙黃三色，同色系搭配令整體視覺協調，整個空間籠罩在柔和的暮光氛圍之中。不時有綠色點綴但不突兀，反而相得益彰。「室內光線稍微暗了些。但話說回來，當陽光灑落時，屋內會透進絕美的光影，這種昏暗感反而讓空間顯得格外溫馨。我們盡量維持暖色調，所以牆面都帶點粉色。」

Sara的先生從事與音樂相關的工作，她家一共有十九個音響及差不多相等數量的燈具，亦有許多黑膠唱片。全屋使用智慧系統，只要去到晚上十時，所有設備都會自動關閉；第二天早上的起牀時間，設備會自行開啟，燈光亦會調整到最舒適的亮度；打開電視時，燈光會自動調暗，切換到電視模式。

復古花紋壁紙與現代燈具大膽共存，溫潤木質與冷調金屬相互襯托，材質混搭卻又不違和。石材地板、牆壁的豐富色彩與燈飾柔和光影相互輝映，打造出充滿藝術感、又具個性的典型現代感住宅。

VILLA VILLEKULLA／不多不少哲學 色彩豐富不失個性

Caisa Ericsson，瑞典平面設計師，畢業於Nordiska Textilakademin（北歐紡織學院），專門設計紡織品印花及圖案、開發家用紡織品。

Caisa的窩居位處一幢古老木造屋的二樓。這幢木屋不是原地興建，而是從別處整幢建築移築於此。樓下位置是一間售賣精品的小店。走上狹窄的木梯，樓上空間也極為擁擠，但眼前出現四個色彩分明的空間：藍色的廚房、綠色的書房、黃色的客廳和橙紅色的臥室。每個房間都極具個人風格，牆上不缺藝術品、復古家具與趣味裝飾。

Caisa說如果要用一個詞來形容她的屋，那會是「Villa Villekulla」，這是瑞典經典兒童書籍《長襪皮皮》（Pippi Longstocking）之中，主角皮皮與她的寵物猴子和馬居住的奇幻小屋，以色彩繽紛、沒有大人規管、充滿童趣而聞名。

她剛搬進來時，牆壁和天花板是不太好看的米黃色，她早已有把整個空間重新粉飾一遍的想法。後來她在跳蚤市場購買了一幅畫，而她很喜歡畫裏藍色的椅子，忽發奇想：「為甚麼不把整個房間漆成藍色？」於是她動手把廚房牆壁髹油，連椅子也重新上色，所以廚房內有三張藍椅子。後來，她又想要有一張綠色的椅子、一張粉紅色的椅子，所以直接將她喜歡的顏色作為每一個房間的主色調。就是這樣，她只憑一個令她心動的物件，通常是畫作，來決定房間的牆壁顏色，之後的裝飾就會以其為基準，「一切都是順其自然。」

一個心動物件 定調房間主色

「色彩總能讓我感到快樂又充滿活力，原因就這麼簡單。」Caisa的家居設計思維就是盡情享受，選取讓自己感到開心自在的物件，「別擔心搭不搭，反正不是形成對比就是互相襯托，怎麼搭都沒問題。」

每間房的牆壁，她都放上大量瑞典作家兼插畫家的作品，那都是她小時候媽媽讀給她聽的故事畫。亦有些是她買了二手書，把喜歡的插圖剪下來，鑲起來貼在牆上。任何讓她開心的東西，都是她的家品。每走進一個房間，就如同打開一本童話故事書。

這一抹色彩不是永久，Caisa非常隨性，只要突然心血來潮有了靈感，第二天就會出發去買油漆，改變每一間房間的故事。

瑞典有一哲學稱為「Lagom Living」，亦即一種剛剛好、不多不少的哲學，從家居設計而言，則是創造一種介乎雜亂與空洞之間的和諧空間。於Caisa而言，即使不走北歐典型的極簡風格也可以做到「Lagom Living」。她每次去跳蚤市場、二手店，或是單純買了新東西，她都會試着遵循這個原則：進一件，出一件。「如果我買一件東西，就必須把手邊現有的某樣東西賣掉、捐出去或送人。」

CHIAROSCURO／光線營造層次感 簡約不單調的舒適圈

Lukas Bazle，德國產品與室內設計師，曾效力德國廚具品牌MYKILOS，醉心燈飾設計。其作品見於荷蘭燈飾品牌Moooi、北歐設計電商平台Finnish Design Shop以及IKEA等。他的設計始於探索材料，喜歡藉此發掘材料的獨特性與潛能。

距離Älmhult五公里有一個小村莊Loshult，四周是乳牛忙着吃草的田野、種滿各種蔬菜的田園。那裏住着約九十位居民。就在兒童遊樂設施的不遠處，藏着一間小型烘焙坊，Lukas的家就在烘焙坊的樓上。

尚未踏上屋前的小木梯，已有陣陣麵包香飄過來。我們攀上二樓，首先迎接我們的是一個傳統日式紙燈籠。拐一個彎後，左邊是斜陽色調的飯廳，中央懸掛着一盞米白色傘型百摺紙質吊燈，映照下方的深木色長形餐桌，燈光柔和暖黃，是整個空間的視覺焦點。天花、地板與木製傢俬深淺木色交錯，日間時窗戶引入大量自然光，營造成溫馨的用餐空間。

飯廳上方，New Works Nebra系列燈罩，由Lukas設計

傘型百摺紙質吊燈其實是Lukas八年前設計的作品，為丹麥品牌NewWorks Nebra系列的產品，燈罩樣式可以隨意變換為上錐形、下錐形與圓柱形，使用者可手動轉換燈罩的照明方向。如調整成下錐形燈罩，燈光可以利用天花板反射，光線更柔和，也能讓桌面光線更充足。

臥室實木平台牀上方亦掛上同一款式的壁燈，錐形輪廓在光源變化之下在牆壁上呈現出不同光影效果，靜謐而又深邃，也拉開空間的視覺高度，令房間顯得更為開闊。

「晚上只要透出一點微光就很有氣氛了。」Lukas說，大量運用光線，是斯堪地那維亞設計的精髓，燈具可以展現不同的質感，才會讓簡約設計看起來不會太單調，而他的燈飾也傳承了斯堪地那維亞的摺疊工藝。

Lukas全屋牆壁保留灰色，反而更為突顯燈飾的光線之美，盡顯融合斯堪地那維亞極簡主義及日式精湛工藝的北歐侘寂風格。

燈罩形狀改變 光線折射不同格調

近年居家生活的趨勢可見，疫情之後，有別於以往通常重視與親友相聚的區域，人如今更為渴望創造令自己感到安全、只屬於自己的私密空間。在這個空間裏，人可以逃出日常瑣事，感到自在且放鬆。北歐寒冷又漫長的冬夜裏，燈具能在空間之中再創造另一個空間，突出溫暖、明亮與舒適的氛圍。

Lukas認為，不依靠顏色，單靠傢俬形狀和比例，也能創造出讓人感覺可愛或友善的家品。他居住的空間比起其他當地其他屋子而言相對較小。走廊右方的客廳空間較大但傢俬不多，淺色原木地板以直鋪方式排列，挨着牆的家品只有電視櫃。綠色燈芯絨材質沙發前放着圖騰地毯，以及線條簡約的米色長方形單柱式基座茶几。茶几上方的半月造型米紙燈，是他為今年IKEA PS（Post-Scriptum）系列設計的作品。

客廳上方，IKEA PS 2026吊燈，手製設計。

Lukas本來想在家裏安裝一個球型燈飾，惟天花板太低，家裏變相壓迫，這個需求成為他的設計靈感。IKEA暌違九年重推這個系列，重點落於功能與趣味兼得。有別於一般圓球狀的米紙燈，Lukas考慮到很多人家裏的天花板不高，放不下形狀龐大的球體燈，所以他把米紙燈往內縮，令他整體形狀扁平，但照亮範圍仍然很大，可透過柔和的散射光線來營造溫和氛圍。

「我想在不同空間營造溫暖柔和的光影，也想為米紙賦予新意。」Lukas說，他設計時，切入點在於希望至少傳達一個訊息，家品也適用於狹小的居住空間。因為這類居住情況只會愈來愈普遍，未來追求小型空間家居設計的趨勢，也顯然會持續一段時間。

WOODCRAFT／沉醉於木頭生命力 見證大自然歲月痕跡

Friso Wiersma（左）與太太Maddie（右）。Friso是荷蘭設計師，曾從事木工、造船和櫥櫃製作，設計理念強調對材料與使用者的「奉獻」（devotion），注重手工藝與日常生活的連結，曾開發多個木造儲物產品。

斯堪地那維亞地區的人每年需歷九個月黑暗寒冬與三個月燦爛盛夏，所以當地人仰賴設計巧思來維繫生存，熟練地善用有限資源來達到高效作用。

相較於西歐其他地區及美國，斯堪地那維亞的工業化來得相對較晚，因此北歐五國的手工藝傳統得以保存得更好。當地豐富的手工藝體現了他們希望為日常物品注入自然、不事張揚之美的渴望。透過將這些古老的工藝技巧與現代設計實踐相結合，北歐設計師得以生產出極適合工業製造的高質產品。而他們的作品，通常被認為傾向尋求人造世界與自然世界之間的最佳平衡。

Friso居住的木屋則是其中一個例子，其採用的建築技術為斯堪地那維亞地區典型的原木建築方式「Timmerhus（ 瑞典語： 原木房屋）」。亦即使用水平堆疊的圓木或加工原木，透過角落「X型接合」以及特殊的砍削，令原木相互鎖定，形成穩固的結構。過程無需大量金屬釘子，同時可讓木頭在乾燥後自然收縮的情況之下，仍能保持木屋結構緊密，具有良好的氣密性與保溫性能。這種建築技術已擁有數百年歷史，是北歐傳統民居最主要的建築形式之一，尤其在農村與森林地區。

這幢全木房屋始建於一八四◯年，全由人手打造。八年前Friso買下這幢木屋時，它已荒廢了二十年，電力及供水不足。他笑言首四年他住在這裏時，根本與露營沒有甚麼分別。為應對嚴寒氣候，他們在木屋外牆加上了隔熱層，並盡可能保留內部原始樣貌。他足足花了七年時間執修。直至一年前，這個溫馨的家才真正完工。

他們保留本身屋內的大量舊有結構，包括門框及木製牆壁，並擺放幾乎全木家品，不少家品由Friso親自設計。樓下的廚房櫃子則分別髹上薄層深藍色及深綠色油漆，色彩沉穩，仍以突出木材的樸實無華為主。二樓則大量採用紅色家品，偶爾有墨綠色及植物點綴，襯托深木紋色氛圍。

廚房及飯廳

全屋建築只有暖爐不是木材

木材如「不可靠的男朋友」

Friso獨愛木頭隨歲月流逝呈現的迷人色澤。他說木頭是一個很有個性的材質，質感溫暖又自然，「我熱愛木工，這簡直是一種享受。木頭是有生命的，對我來說，能與它相處真是太棒了。」但木頭同時有很多限制，他以前的師傅曾形容木頭就如一個「不可靠的男朋友」，「說是一回事，做出來是另一回事。」

多年的木工經驗告訴Friso，學習木工，其實也是在學習謙卑。「舉例來說，這裏有個很大的木結，但翻到背面卻沒有。如果你心想，這塊木料真漂亮，可以開始動工吧。結果它就像個不可靠的男朋友，因為背面突然冒出個大木結。如果你把它用在結構件之中，那就會是個麻煩。」Friso說，即使你只選擇將一塊原木板從原始狀態打造成品，也必須明白這棵樹當初是如何生長、為甚麼這個地方會有裂縫。而這需要經年累月的磨練，才能真正學會「讀懂木材」。

Friso一直希望可以把木材編織工藝打造成實用家品，今年他終於圓夢，其作品成為今年IKEA PS Collection之一。櫃門的編織工藝百分之百純手工打造，也被放在他家中一處被陽光照亮的角落。

Friso的太太Maddie本身是一位畫家，偏好豐富色彩，所以她喜歡保留大量木質原色，色調偏向白色和米色之餘，同時加入與之和諧的跳脫色彩。「我們都很尊重木材，也很欣賞木材，尤其是木材工藝，所以屋內有很多色彩，也有許多充滿故事的物件。」這裏很多建材都是就地取材，木質結構本來就是這間屋的靈魂所在，「某種程度上，是把戶外的自然氣息帶進室內。」

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人手製作是歐洲大陸首間水晶製造商Saint-Louis堅持了四百四十年的態度。任時代巨輪洗刷，它們憑一雙手跨過一個又一個機器革命與金融危機。行政總裁Jérôme de Lavergnolle接受本刊專訪，揭露歷久不衰的秘密。

Jérôme de Lavergnolle曾是Hermès副財務總監，歷任多項要職。

奠定經典法國皇室水晶杯

早前Saint-Louis香港圓方店開幕，Jérôme特意來港見證。他表示選定香港為亞洲區旗艦店，是因為除了香港客羣，還有許多往返亞洲的旅客會停經香港。說到香港最暢銷商品，他說與其他地區差異不大，餐具產品中最受歡迎的款式仍然是經典的Tommy系列水晶杯。

Tommy系列誕生於一九二八年，最初十年時間都沒有名字。直至一九三八年凡爾賽宮為英王喬治六世舉辦國宴，席間每位賓客面前皆擺放了十一隻水晶杯。國王好奇地問道：「這套水晶杯收藏品叫甚麼名字？」當時Saint-Louis的代表答道：「目前尚未命名，但我們正準備為它命名為Tommy。」

「Tommy」是英國士兵的暱稱。第一次世界大戰期間，法國與德國激烈交戰，英國作為盟友協助法國，而Saint-Louis工坊所在地洛林（Lorraine）當時正處於德國統治之下。正因英國的協助使洛林重獲自由，Saint-Louis為表達感激之情，逐將此系列命名為Tommy，以致敬英國軍人。

手工雕刻四百年不變

「我們現在的做法和十九世紀時完全一樣。」工坊座落於一處偏遠地區，四周被茂密森林環抱，與世隔絕。歷史上，這片森林恰好提供水晶製作所需的一切資源—沙子和鉀鹼。用森林的岩石製沙、將森林的蕨類植物燒成灰後，與沸水混合製成鉀鹼。鉀鹼可用於降低熔點，是製成硬度更高、透光性更佳水晶的重要原料。

每一隻水晶杯的鑽石紋理，每一劃、每一個切面，皆經歷工匠手工打磨，精準卻同時獨一無二。「水晶杯的一致性的確有些標準，但這正是Saint-Louis的迷人之處。每件產品都是手工逐一製作，每件都是獨一無二的藝術品，所以當你買下一個杯子，它就是專屬於你的，這不是機器量產而是工匠們親手打造的，但這些過程往往是看不到的……這就是專業所在。」

每一劃紋理都是手工精準切割而成，切割需要用水減緩衝擊，如果不用水，水晶則容易被切壞。

決心傳承每年招募新工匠

工坊現有約二百名工匠，平均年齡僅三十八歲，這在傳統工藝領域中可謂相當年輕。他坦言，為了確保品牌技藝得以延續與精進，工坊必須年復一年招募新一代工匠。「因為書本學不到這些技藝，確實有些學校會教授玻璃切割或吹製技術，但學校訓練達不到我們要求的專業高度，所以我們要自己內部培訓。」

所有設計師加入Saint-Louis，在開始創作前，都必須先在工坊駐留一段時間，「我們希望他們先了解品牌的精髓。」Jérôme將工坊比喻為一座博物館，鼓勵設計師走遍每個角落，參觀歷史典藏區，以及深入了解Saint-Louis的根源，並以此為基礎開創未來。「我強制要求他們去，這很必要，否則無法理解產品根本。」他堅定地說。

不僅要求工匠，他同樣要求合作的設計師要實地考察工坊。他談及和Matrice燈具系列荷蘭設計師Kiki Van Eijk初次見面的情景，當時Kiki帶設計圖前來，他婉拒觀看，明言希望她先花時間熟悉工坊環境，了解運作流程，感受這裏的氛圍，找出品牌的核心精神，再構思新系列。Kiki於是走遍整座工廠，在地下室發現了數千個鑄鐵模具，靜靜躺在架上，彷彿沉睡的遺骸，整個空間宛如地下墓穴。

隨後她來到工作室，見到相同的模具正在使用，水晶在其中閃閃發亮，溫暖而有生命，與地下室的景象形成強烈對比。她因此萌生念頭，希望讓這些模具重獲新生，因而設計出Matrice，讓模具本身成為閃耀的主角。

Golden nish table lamp，Matrice系列產品之一。

設計總是在工坊誕生，令每一件產品都流露着Saint-Louis獨一無二的氣息。例如便攜燈Folia系列，是設計師Noé Duchaufour-Lawrance初次造訪工坊時，被周遭森林氛圍打動，因此他以水晶與木材為本，仿若樹葉切割水晶表面紋理，向森林致意。「這就提供了一個很好的範例，示範系列作品是如何發想成形的，他領悟到關鍵，森林在Saint-Louis歷史中佔有重要地位，因此他想追溯本源，所謂本源，正是與森林密不可分的，正因如此他從中獲得靈感創作系列作品。這些作品也都是大自然孕育而成的，很有意思。」

Folia系列便攜燈，亮燈後光影於桌上綻放。

除了切割工藝，色彩運用亦是工坊另一特色。為了香港新分店開幕，特地打造兩款花瓶，採用雙層水晶結構，展現出層疊交融的雙色效果。這種雙層套色彩色水晶工藝，是工坊標誌性技術，以Tommy Flamboyant為例，工匠首先吹製一個紅色水晶，隨後在其內層注入透明水晶，再次加熱並重新吹製，最後以口吹旋轉工藝賦予其最終形態。待水晶冷卻後，工匠會細緻地切割紅色外層，使透明內層隨切割紋理自然顯現。Jérôme自豪地指出，水晶所呈現的紅色並非來自人造色素，而是天然水晶本身的色澤，乃因添加了金屬氧化物與純金，才得以展現如此瑰麗的紅。

Tommy Flamboyan花瓶以兩層水晶套色吹製而成，在一件作品中展現了六種切割工藝，包括鑽石形、斜面切割、細線形、品珠形、平紋和星形切割，限量發售八件。

逆境求變推出燈具產品

當然，四百四十年品牌不可能一帆風順。二〇〇八年，全球爆發金融海嘯，Saint-Louis業務受到重創，當時品牌的大多數零售客戶均以婚禮市場為主，餐具類產品佔整體營收七成。金融危機導致許多客戶資金周轉困難，甚至申請破產，Saint-Louis的零售網絡因此萎縮一半。品牌處境艱難之際，Jérôme於二〇一〇接任Saint-Louis行政總裁，着手為品牌尋找轉機。甫上任Jérôme花了兩個月的時間，全心投入工廠環境，走遍每個角落，親身參與基層工作，包括吹製與切割水晶，徹底掌握製作流程與各項技術。他深知：「要親手試過每項技術，才能夠進行之後的討論。」Jérôme決定將品牌重心轉向燈具發展。當時照明產品僅佔總營業額的一成五，如今已成長至佔據一半比重，成功帶領品牌走出低谷，轉虧為營。

他對每件作品的創作理念與工藝細節瞭若指掌，無需看任何資料便能侃侃而談。談及他初接手對品牌的第一印象，他沉思良久，苦思如何形容，忽然靈光一現，笑說：「一看就知道是迪士尼的電影，女主角一睡就睡了整整好幾年……《睡美人》！」

Jérôme解釋，其實Saint-Louis實際上沒發生任何大事，其水晶作品的色澤之美，早已如沉睡中的公主般靜靜綻放。如今，這位公主被喚醒，展現出既現代又美麗的風采。他表示，未來Saint-Louis依然會讓傳統與創新交融並存、延續傳承精湛工藝，以及秉持卓越品質，而這些，正是品牌始終如一的核心價值。

法籍設計師José Lévy的作品Les endiablés將不同造型的器皿組合，透過重塑、翻轉與搭配，創造出獨一無二的藝術品，本月推出新顏色。

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展場模仿停車場環境，貼上告示、展品如車子停泊在格子內。對於Monad 11來說，停車場目的明確，指示清晰，是獨特的地方。

M＝Monad 11

Genos創作理念是甚麼？

M：Genos的目標與藝術最初的目標非常相似——有用！我認為藝術不僅應該提升審美享受，還應該能夠引起對緊迫問題（社會、政治或其他）以及對自我與個人空間的關注。簡而言之，我們通過製作的物品提出不同的論點，因此它有一個傳遞訊息的使命，無論是甚麽內容，你都會有一個簡短的描述，其他的由你自己動腦筋，這就是藝術所做的，它讓你思考。

Post Humanity矮几的創作靈感源自米蘭夏天被高溫熱熔、留下路人鞋印的路面。團隊反覆試驗，造成近似瀝青的質感。

Genos為甚麼選擇匿名？

M：坦白說並不容易。對我來說並不容易，對整個組織來說也不容易。我們之間存在分歧。我們之中有些人想要公開，當然，我沒有道義上的權利限制他們的表達。但在這個階段，作為Genos的創意總監和創始人，這對我來說是唯一的妥協，以保持整個集體的力量。人們的感知方式是這樣的，當你提出你的名字和物品時，他們首先記住的是你的名字，而不是物品本身。有多少人能夠區分俄羅斯抽象畫家Kandinsky的《第4號構圖》和《第5號構圖》？很多人只會簡單地說Kandinsky，就這樣。

我們希望人們關心、慶祝、思考或欣賞每個物品中蘊含的意義，每個物品中有甚麽樣的訊息。保持匿名，令關注減少放在自我（ego）層面，更多放在我們所做和傳遞的東西。

硬幣的中心不再是女皇，而是你自己——Objects in the Mirror Are Closer Than They Appear 鏡子挑戰傳統性別定型，也鼓勵我們以不一樣的角度檢視自己。

Genos成員保持匿名，希望人們關心、慶祝、思考或欣賞每個物品中蘊含的意義。

你們會稱呼包括組織成員以內的所有人為「Monad」（由德國數學家Gottfried Wilhelm Leibniz提出的形而上概念，意指一切事物最根本純粹的元素），為甚麼？

M：我喜歡Gottfried Wilhelm Leibniz的形容：「這個世界存在無限的單子（Monad），它們是組成宇宙的基本非物質粒子。」我就再加上一句：「宇宙就是我們，存在於我們每個人內部。」我們真正相信，不僅僅是在Genos中，而是在每個個體，整個宇宙都在我們身上體現。

桌面是磁石，字母拼砌出Scattered Minds字樣。作品靈感源自創作者一樣散亂又奔放的腦袋，希望點出所謂缺憾也有其美好之處。

展場佈置

作為一個集體組織，Genos內部如何協調與運作？

M：每個人在以他們關心的主題創作時，都有絕對的自由，不需要遵循任何設計、建築或其他形式的規範。作為創意總監，我擁有最後決定權，決定哪些作品將投入生產。

我們的工作方式：想像力、技術和即興創作的絕對自由。在生產過程中，我們只與意大利廠商合作，儘管找到與我們具同樣熱忱的合作夥伴非常困難，因為在創作的每個階段都需要對技術和材料進行詳細分析。例如，”Post-Humanity” Table桌面的材料混合具有特定的配方，以造出類似於瀝青的效果。”How Dare You”椅子也一樣，它的結構非常堅固，跟市面上所有椅子都非常不同，而且它是從單一鋁材切割出來，造法大膽且具有挑戰性。為甚麼你們沒有參與米蘭設計周？你們認為意大利年輕設計師面對甚麼挑戰？

M：可能聽起來有點偏執，但我個人認為米蘭家具展（Salone Del Mobile）比較是讓來自布里安薩省（Brianza）的廠商紛紛展示自己的機會，而不是讓年輕設計師參與的平台。總括來說，這與意大利設計的整體狀態相關。在我們看來，意大利設計目前正處於一個非常糟糕的時代。品牌對新興設計師的關注不足。因為不能忘記，參加米蘭家具展的成本非常高昂。大品牌更喜歡與赫赫有名的藝術家合作，甚至更糟糕的是，與已故藝術家的檔案庫合作。

名為How Dare You的椅子，創作意念來自為了現實生活，需要營役活出異化人生的人。椅子由單一鋁材切割而成，難度極高。

象徵破蛹而而的新生的’Future’ Stool

連時尚界也開始沾手做家具或藝術品，甚至是匙子和碗碟……但他們拒絕與年輕藝術家合作，卻跟五十年前的頂端藝術家聯乘，這對設計的未來是毫無幫助的。所以Genos的出現，可能是為了給年輕人提供最大的機會來表達自己，相信自己的夢想，而不是與已故的人競爭。我們堅信創新的想法不斷發展，也相信那些帶有一點瘋狂熱情的創作者們。我們的網站Genos-design.com上有一個「Join Us」的按鈕，因為我們隨時歡迎新的想法加入，即使沒有設計或藝術背景也可！

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Catena Table，桌腳由泥磚組成，桌子表面則是海灘塌樹的木材。

Pieter Van Bruyssel是Grond Studio的創辦人，抽着他的CBD香煙，向我介紹展出的每件物品，當中拉扯生命大大小小的物事與雲煙。他以鏡頭記錄比利時遊行期間，被警察擊暈的憤怒；建築師好友在伊拉克以泥磚袋子（Superadobe Bag）建造難民營，他痛心說：「這種人在建築界肯定會被eaten alive」；眼前一張由橙色古董車引擎蓋造成的桌子，則來自一對熱心夫婦的花園，他們善心照顧父母意外身亡的前女友；一張名為Ahed的凳子，向那個掌摑以色列士兵的巴勒斯坦小女孩致敬……眼前的家具與物件，都記載了Van Bruyssel生命所曾遇見的美麗、良善與醜惡。

Grond Studio創辦人Pieter Van Bruyssel

展覽場地，小孩自在地把展品當踏腳石，玩起跳石遊戲。

「我相信人類是性本善的，他們生出來，想踢足球、想在河裏的石頭跳來跳去。人們做壞事，是因為我們的社會壞掉了。」

因此Van Bruyssel相信，我們需要革命。「我的創作，都是關於殖民主義與資本主義的。」「我們失去所有關於夯土建築的知識，都是因為殖民主義及工業化，我們自此只會用石屎建樓……而真正的夯土建築知識在於非洲、南美洲。」他說。

由橙色古董車引擎蓋造成的桌子，則來自一對熱心夫婦的花園，他們善心照顧父母意外身亡的前女友

名為Colonial Warriors系列矮凳，由石灰岩、石膏、大理石碎片，靈感源自Van Bruyssel前祖父一百多年前於其工作室的設計。

製造一噸水泥，需要排放六百二十公斤二氧化碳；而一噸夯土的碳排放只得二十公斤。Grond Studio相信， 復興夯土，除了有助自然環境可持續發展，也是利用風土建築（Vernacular Architecture）方法，運用當地材料、僱用當地工匠及工人，確保本地人分享建築成果。

Catena Table最引人注目的是泥磚檯腳。

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設計師Jadot說， 他的家具創作都圍繞兩個主題：對「人類世」（Anthroprocene）的關注及「見步行步」 主 義（Ad-hocism）。「人類世」是由一九九五年諾貝爾化學獎得主Paul Crutzen提出的名詞，主張人類已經成為地球變化的重要媒介，因此需要把當下這個地質時代重新命名。

「在這個世界裏，製造物件的目的，彷彿就是為了被淘汰。即使花了許多力氣創造它，五年後，還是需要被取代。」Jadot說。Jadot選擇使用撿來的瀝青作為家具材料，也因為在消費品周期不斷被縮短的年代，他希望能製造出恆久耐用的家具。他也把撿來的塑膠套在自己設計的椅子上，再把塑膠燒熔，看來像鬼魂的罩袍，亦是他對人類世的批判：「展覽完結後，我會在樹林挖一個洞，把它放在洞裏待上五年。當木造的椅子會完全蝕爛，但塑膠依舊如故。」Jadot說，自己到處撿拾廢棄物料，已有三十二年。

Lost Highway廚房系列

Barazante Ateliers展場寬廣偌大，工業場地殘餘無政府主義海報與塗鴉，與風格各異的家具相映成
趣。

燒熔的塑膠套在椅子上面，希望表現對人類破壞自然的批判。

他有一輛貨車，還有用作安放不同物件、以顏色作嚴謹分類的大貨倉。靈感襲來，他同時會製造五、六件不同的家具，「雖然這有點混亂，但我就喜歡把不應該放一起的東西放在一起。」這也說明了他所相信的Ad-hocism：「你可以利用任何在你手上的材料去創造，你可以試試去創造衝擊、把舊的跟新的融合，這就是我的創作理念。」

Jadot的另一身份，是被譽為歐洲最具實驗性的設計工作室Zaventem Ateliers的創辦人。工作室位於布魯塞爾的一間紙工廠，面積達六千平方米，由不同領域的前衛家具設計師及工匠進駐。 後頁的Grond Studio也是進駐的藝術家之一。Zaventem Ateliers會不時於歐洲各地的廢棄工業用地舉辦展覽，今次在米蘭設計周， 就於接近Linate機場的一個貨物裝卸區，舉辦聯合展覽Barazante Ateliers。

Zaventem Ateliers位於布魯塞爾的一間紙工廠，面積達六千平方米，由不同領域的前衛家具設計師及工匠進駐。

展場寬廣偌大，像一張舒展的白紙；工業場地殘餘無政府主義海報與塗鴉，與風格各異的家具相映成趣。也與鴨子趕路一樣的米蘭展會不同，Zaventem Ateliers展場的設計師就站在以其強烈風格裝飾的展區，樂意與好奇觀者對話。

「我們不是一個展會（Fair）。我會說，我們一起分享會場空間的呎數，當然最後我們會攤分成本，但目標不是賺很多錢，而是建立一個集體，讓大家一起被看見。」Jadot說。

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米蘭設計周期間，散落在城市角落的裝置設計，顛倒水平視角、懸浮半空之中、 或把尋常物件如廁所解構成粗獷風景。 物件不會說話，但一樣學會尋釁滋事。

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都靈大學的學生在校園裏紮營抗爭（法新社圖片）

帳篷、臨時淋浴間經已搭建妥當。計劃參與者也已進駐帳篷。萬事俱備，只是米蘭四月天氣反常驟降，晚上跌至三、四度。是設計師也是營地經理的Matteo Proietti，為大家張羅多張毛毯，也在羣組裏問有沒有人有需要幫助。

「有人撐不住想要離營嗎？」記者笑問。「還沒有。」Proietti答。今次計劃的參與者背景及文化多元，分別來自法國、墨西哥、斯洛維尼亞、夏威夷等地。為了確保大家的共居時光平順愉快，Proietti下了不少功夫。他先制定了一份協議讓大家簽署，列出條款如請尊重公共地方整潔；不同文化必定存在差異，敬請理解及不要容易感到冒犯；大家可自由出發參與設計周活動，但請務必共進早餐，每天同享早晨時光。此外，計劃也安排了集體活動，如頌缽治療、烘焗麵包等等。

米蘭設計周期間，Base Milano發起天台紮營計劃，抗議昂貴地價租金。

設計師Matteo Proietti也是今次計劃的營地經理

廉價住宿以外 學習共生共存

Proietti及Base Milano的文化總監Linda di Pietro皆指出，這次共居計劃受去年席捲意大利的校園紮營抗爭所啟發。「這座城市的貧富懸殊愈來愈嚴重，這在房屋的售價與租金方面反映出來。」di Pietro說。Proietti也說，設計周也帶來暴漲租金，造成不平等：「整個設計周就只能被可以負擔的人所形塑……很多人會被排拒在外，特別是年輕、或創作路向比較社會導向的設計師。這樣的話，米蘭設計周只會變得愈來愈商業化。」

他們於是開放天台，盡綿薄之力，讓想參與設計周的年輕人能以廉租入住。同時，Base Milano也於今次設計周訂下「The Convival Laboratory」的主題，開宗名義以共居及共生為主題，同步舉辦展覽及藝術家進駐計劃。

「在西方資本主義社會，我們好像只懂得一種居住方式，就是在私人物業住宅裏居住。所以我們今次計劃的想法是，為甚麼我們不試試透過共居、共住，分享資源、共議決定，從行動中實現民主？我們怎樣透過設計，去重新思考我們可如何住在一起？」di Pietro說。

Base Milano的文化總監Linda di Pietro

設計試驗羣體共生

設計師Victor Papanek及James Hennessy，早在七十年代出版著作《Normadic Furniture》，是一本教人如何以極低成本購買及建造可以摺疊、吹漲、快速砌起的家具DIY指南，讓人建造流動家園。di Pietro亦提及，去年威尼斯建築雙年展意大利館所擺設的The Carpet House展覽，就展示如何以簡單的帆布變成野餐空間、戶外影院、孩子遊戲及帳篷，「一張地毯，可以成為對話發生的空間，也可以變成私密的空間……當你把很多地毯放在一起，它又會變成一個市場，讓想法可以交流及分享。」她說。

物件經設計生成後，也打開了想像管道，讓人摸索穿越其中的不一樣方式，甚至改變羣體的思考形態。di Pietro遂介紹他們設計周期間所展出的作品，如何表達對於「共生」主題的探問。意大利設計組合Lemonot的裝置作品Talamo，是巨型但輕盈、形態曲線抽象的牀，由多個「小沙發」所砌成，每天也以不同形態呈現，有時甚至會吊於半空，成為空中雕塑。Lemonot的設計師Lorenzo Perri及Sabrina Morreale在倫敦的皇家藝術學院任教，也研究及教授關於人類居住環境的設計，所以跟Base Milano的策展方向不謀而合。

兩名舞者Martha Pasakopoulou及Aris Papadopoulos在Talamo裝置前表演，與之互動

「你可以自己躺下，也可以跟家人、朋友、其他人在上面互動。這不只是一件看起來漂亮的藝術品，它也是一個被觀眾所激活、吸引互動的裝置。」di Pietro說。

同時間，Base Milano也邀請歐洲各地的設計師進駐，各自在一間房間展示其扣連「共生」主題的計劃。對人類皮膚及微生物感興趣的Erica Curci由身體出發，以皮氏培養皿及矽膠模型造出顯示血管結構的仿生皮膚，探討人內在身體的共生關係。

Erica Curci以皮氏培養皿及矽膠模型造出顯示血管結構的仿生皮膚。

Montjoi Institut則在房間裏重構了一個居家空間，放滿既熟悉又具象徵意味的廚具與碗碟，以此表現工業社會結構以及人處於其中的情感連結。Sophie Conroy則決定在她所居住的荷蘭城市Eindhoven流浪半年，在街上住、朋友家寄宿，以行為實驗探問家的意義。「你不再僅僅視城市為一個穿越的空間，城市變成你的家，你就得找一個可棲居的地方、找一個可以洗澡的地方，你就會發現可以讓你生活的公共資源很少。」di Pietro說。

Montjoi Institut則在房間裏重構了一個居家空間，三位藝術家每天都在房裏進行不同日常活動。

多元才是屬於所有人的未來

或許在注重個人化與競爭的現代社會，提醒人類相互依存與包容的習性，可會令更多人在此覓得容身之所？di Pietro說：「在這樣富裕的社會，卻會有那麼多人得睡在街上，其實很瘋狂。在非洲，反而不見人們流浪街頭。因為房屋都會為露宿者打開大門，讓他們不必暴露危險之中。」Base Milano今年也特地跟去年參與威尼斯建築雙年展的加拿大館合作，舉辦有關房屋與土地問題創新方案的對談，討論頗具創見的題目如士紳化稅（Gentrification Tax）等等。

回到天台的共居實驗—參與者感受如何？來自美國的設計師Allison Rowe說，她對於參於者的多元感到驚喜：「我們當中都是很不一樣的設計師，有做工業產品設計、室內設計的，也有攝影師，這是在日常生活不常接觸的有趣羣體。」「我覺得有這樣的空間去承載不一樣的參與者很重要。因為說到最尾，設計是關於我們想要的未來，所以我們需要來自不同地方、有着不一樣想法的人，這樣我們才能肯定我們正在設計我們所渴望的未來。」Rowe說。

設計師Allison Rowe

營地經理Proietti在計劃期間也住進帳篷。他也珍惜跟其他參與者的交流。其中一名經驗豐富的平面設計師，開始對他的工作感厭倦，希望能嘗試可持續產品設計。「當見到人們即使在某範疇工作多年，但去到某個時間點，選擇回應時代精神，作出改變，這是很教人鼓舞的。」Proietti說。

「共生」如何影響設計？

這班設計師除了在現實紮營，學習如何一起生活；也一直在設計上，嘗試與不同文化與社羣「在一起」。Matteo Proietti的一個作品，嘗試綜合其人生經驗及設計行動，列出十二句看似平平無奇的建言如「問你鄰居最愛的食物是甚麼，然後一起烹煮」、「當有人想請你借出一分鐘的時間，嘗試給他兩分鐘」、「找一間可以進入的社區中心，不要問，只需幫你可以幫上的忙」……

雖看似簡單，但Proietti就因為依循這些建言，助他在缺乏資助的情況下，連結餐廳及當地戲院，幫助荷蘭Eindhoven的一間難民中心實現了電影之夜與全民意粉日的計劃。「我不是在hard sell，但這些（指他列出的十二句建言）都實實在在幫助我實現想做的計劃，而這些行動都是基於對人的同理心，也幫助我們連結他人。」

營內安排讓設計師參加的集體活動，如頌缽治療及瑜伽。

營內安排讓設計師參加的集體活動，如頌缽治療及瑜伽。

藝術家Rosalie Piras帶領大家烘焗麵包

另一營友Allison Rowe也分享，她曾受IKEA之邀就墨西哥城（Mexico City）的缺水問題研究創新方案。這班外來設計師，認為與其為當地居民解決問題，更應視他們為善用水資源的先鋒，應從中學習。「這些人沒有iPhone及其他數碼產品，但他們是在這種困境生活的人，並發展出適應方式。他們面對的挑戰是我們在未來也可能面對的。」Rowe說。

於是，設計團隊細心觀察居民們如何善用生活廢水，留意到他們往往利用廢水再洗碗碟、為植物澆水等，設計師便決定嘗試幫居民在家居建立一個便利儲存及取得廢水的系統。「我相信我們應該從地方出發去思考，應該對本地人的需要、文化、經已存在的處事方法更為敏感。」Rowe說。

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擁四百三十八年歷史的水晶品牌Saint-Louis，今年在米蘭帶來驚喜之作。走入幽黑的教堂小禮堂，如象形字或標點符號的線條，幽幽發亮，懸在半空，像意猶未盡的說話。更難得的是，歷史品牌突破傳統水晶燈包袱，帶來富現代感的演繹轉化。關鍵來自設計師Stefania de Petrillo的剎那靈感。「我在Saint-Louis的工房裏，看見燈臂是怎樣被吹製的。它們像是一條通透的管道，為了在裏面穿電線，對我而言這就像是用上另一種新奇角度去看水晶。所以我就開始想，與其放電線，不如試試想方法把燈光放在裏面。」她說。

為研發此燈具系列，設計師Stefania de Petrillo足足花上四、五年。

於是，本來僅是配角、甚至是邊緣的燈臂，成為Torsade的燈具系列的唯一主角。另外，由於Saint-Louis水晶的形狀由工匠以人手扭曲而成，這啟發了de Petrillo設計燈具的繞圈線條，全系列燈具都僅以一個「U」字形及一個繞圈形的形狀構成。「就像小孩子畫畫一樣。」她說。

工匠以人手扭出水晶形狀

de Petrillo亦透露，此燈具系列一共用上四、五年研發技術，才正式成形。「如果沒有科技，我是不可能設計這款燈的。」她跟工作室團隊一直等待LED燈的技術愈來愈成熟，變得更輕、體積更小，才可以通過水晶燈臂中心的孔洞。

看着半空發亮的線條，予人溫暖之感。de Petrillo也希望自己的作品可以為人帶來撫慰。她笑說：「有時我覺得我的工作並不會對世界起甚麼作用。因為這個世界現在挺糟糕的。」

裝飾藝術家Pierre Marie 為 Saint-Louis 所創作的Chamade藝術水晶系列。

紫色水晶其實由兩層水晶構成，工匠先吹製紫色水晶，再於裏面吹一層透明水晶，對工藝要求極高。

她的另一身份是瑜伽老師，每次上課，在短短的一小時與學生一起把心念放在當下，變得平靜安好，讓她感到滿足。「所以可能瑜伽也會影響我的設計吧！」她笑說。

Saint-Louis跟設計師Stefania de Petrillo合作推出的為Torsade燈具系列，展覽設於教堂旁的小
禮堂。

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Don Cameron曾為Blur執導的《Music Is My Radar》MV，曾被英國電影協會（BFI）選為近五十年百大最具影響力的MV。

曾是著名MV導演，近年改以室內及家具設計為中心的Don Cameron (攝：Pier Sorgetti)

Cameron的攝影作品Churches Neviges

Cameron名為「Communion」的攝影計劃，探索歐洲近代史的黑暗痕跡。他的鏡頭記錄了納粹在歐洲西邊所建的大西洋堡壘（Atlantic Wall）、現已消失的南斯拉夫在六十至八十年代風格奇幻獨特的紀念碑、以及粗獷主義混凝土教堂。在他照片黑白單色的處理，以及模糊地點的抽空手法下，由納粹所建，看來無堅不摧的戰爭武器；既為統一民族服務、但以抽象藝術形式表現獨特個性的戰爭紀念碑；以及六十年代由Claude Oarent、Gottfried Bohm、Fritz Wotruba等建築師所興建的教堂，看起來互相牽引，有如矇矓的鏡像。 

Cameron的攝影作品Spomenik Kozara

Cameron的攝影作品Spomenik Petrova Gora

「Cameron一直致力於將他所捕捉的圖像的氛圍，從一種媒介轉譯到另一種媒介⋯⋯一座建築物被轉譯成一張照片，而這張照片又成為一種物體。設計、建築與雕塑不知不覺中融合在一起。」英國設計博物館榮譽主席Deyan Sudjic為Cameron的家具系列撰文寫道。

有趣的是，每件家具作品皆參考照片中的某個主題，但它們並不純粹模仿建築外形。這些家具，更像是以形狀、線條及材質，表現建築的氛圍及觀者的情感共鳴。英國Alderney的一座水泥觀察哨站，變成一張帶抽屜的木製桌子。位於維也納的Wortruba教堂層層堆疊的外形，啟發他設計長方體枱燈。一張黑胡桃木凳，則取材 自Claude Parent與Paul Virilio設計的、有如防空洞外形的Nevers教堂。

Don Cameron的家具召喚一段段被埋藏的歷史。「這樣的作品反思着過去，不急於追求新的方法論或過程，而是在物料上找到與人們相關、熟悉和已知的參照點。」但同時，當我們匆忙奔往未來之際，「透過使用燒土、黃銅、木材和鋼材，我想創造一系列作品，它們不受變革的影響，感覺它們似乎一直存在着……這些物件具有信念，並提供信心，以便應對我們進化的下一個階段。

受建築Maison Bordeaux Le Pecq所啟發的Coffee Table ‘Oblique’

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Nendo設計工作室  從無名瞬間提煉詩意

由著名設計師佐滕大領班的人氣日本設計工作室Nendo，向來擅於在平凡中提煉昇華詩意。今年米蘭設計周，Nendo的新系列家具展覽「Whispers of Nature」也如是。其藍本不是大自然的壯烈蝕骨，而是散落在日常，模楜而難以名狀的瞬間——飛機穿越的半透明雲體、長於池畔的植物被水浸染的深淺顏色、泥土裏埋藏地殼堆疊的時間。

看展過後，感覺如看了一部平淡但暗藏剛勁的電影。影片結束時人也無恙，晚上睡覺時卻不住輾轉回味，被其凌厲後勁扳倒。

Clustered Clouds書架  疏雲透光   矇矓如詩

從遠處看雲朵時，白雲像一捆捆綿花。但當我們身處高空，卻發現雲並不是一朵朵，更像是輕飄飄的一縷半透明煙。書架系列Clustered Clouds，靈感便啟發自雲朵的矇矓曖昧。書架由佈滿圓孔的不銹鋼金屬所製，設計團隊反覆試驗金屬的厚度、孔洞的密度等，務求達致最理想的透明度。 材質構成的對比與遊戲，層次豐富——疏漏的圓洞，卻承托實物；金屬冰冷，卻帶出矇矓詩意。

Light and Shade系列   光與影的圓缺共舞

平時製作傢俬的過程中，鑄模只是成形工具，鑄造品才是會流傳下去的製成品；但在此系列，鑄模可以是另一張凳子、反轉可為成枱的底座、或與鑄造品一起成為鐘的半圓等。

單看此系列的成品：椅子、枱、燈等，或會看不出所以。但當我在現場看解釋產品製作過程、部件如何拆開又組成其他物品，可說是看得目瞪口呆。此系列受光與影子的關係所啟發，希望以物件的鑄模與鑄造品的互補關係作比擬。平時製作傢俬的過程中，鑄模只是成形工具，鑄造品才是會流傳下去的製成品；但在此系列，鑄模可以是另一張凳子、反轉可為成枱的底座、或與鑄造品一起成為鐘的半圓等……喜歡展覽的介紹：「光造成影子。或者可以說，因為影子，我們才感知到光的存在。」

Depth of Soil系列 岩層時間摺疊

透過水磨石工藝，將形象不一的染色的亞加力透明片層層堆疊，灌注丙烯酸樹脂石膏後拋光完成

科學家透過發掘地表結成的化石，了解年月如何在地表堆積摺疊。所以，某程度上，把目光望向腳下泥土，也是在看見歷史。Depth of Soil的系列希望探究如何以深度表現時間，透過水磨石工藝，將形象不一的染色的亞加力透明片層層堆疊，灌注丙烯酸樹脂石膏後拋光完成，呈現重疊而細膩的獨特樣貌。

Passing Rain系列  雨本無常

碗狀的飾品，以多根直徑半厘米的不銹鋼細棒組成

Passing Rain直譯便是「過雲雨」，一場談話之間，可見証其開始及完結的雨。此碗狀的飾品，以多根直徑半厘米的不銹鋼細棒組成，構成「過雲雨」驟來驟去的形態，讓人從雨水中感受時間。

Pond Dipping系列   像植物一樣浸染

白色紗線以不同角度或特定位置浸泡於黑色染料中，解開紡線後再編織，便形式不同條紋圖案

透過「浸泡」的步驟，染色同時創造了圖案

在池塘與沼澤生長的植物，其浸泡於水底的部分會變色，可被視為「大自然界的染色」。受此啟發，此系列的織毯的紗線也以浸泡的形式染色。白色紗線以不同角度或特定位置浸泡於黑色染料中，解開紡線後再編織，便形式不同條紋圖案。此系列巧妙之處在於，當現代紡織技術多是先統一染色，再編織或印刷以生成圖案；這系列卻以「浸泡」的步驟，染色同時創造了圖案。

重現雲隙「耶穌光」

Studio Poetic Curiosity為一家餐廳裝設
Pouring Lights，從全黑到完全發亮，需二十分鐘。（攝：Mina Asaba）

Studio Poetic Curiosity的創辦人之一三好賢聖（左）及青沼優介。

一場雨完結後，陽光從密雲的縫隙之間透射出來—這個被港人稱為「耶穌光」的現象，既是日本設計師三好賢聖與青沼優介的創作靈感，也是他們找到希望的所在。Studio Poetic Curiosity的創辦人之一三好賢聖說，他們創作這個作品的一個目的，是希望表現一種同理心。

「兩場巨大的戰爭正在發生，疫後經濟仍飽受挑戰，但我們仍希望看見希望。而這種在逆境之中仍追尋希望的態度，就像希望從雲朵之中看見陽光。」

他們把Pouring Lights系列帶到米蘭SaloneSatellite衛星展，包括一個高達天花的裝置燈飾，與一個新推出的枱燈。兩者利用密集排列、由京都工匠製造的絲線，營造出柔和而強烈的光線。大型裝置燈飾的燈光藏於頂部，以動力學設計，讓光線緩緩從高處滲出，直至完全照亮，巧妙捕捉到從黑暗到光明的過度，以及自然陽光的漸變本質。三好賢聖指，大型裝置本為一家位於京都的餐廳設計，由全黑到完全照亮，須約二十分鐘的時間，讓客人在等待食物時可觀察光線的微細變化。

「我們本身有試驗其他物料，如尼龍線，但是感覺太硬了，我們還是喜歡絲線的溫柔與軟感，柔和地折射光亮，表現雲層中透射的光線。」三好賢聖說。

向地衣學習 頑強存活

地衣引發放熱反應，使乳液沸騰，並將橙色色調賦予樹脂

比利時設計師Tomas Van Noten

作者Bill Bryson在那本野心勃勃、涵蓋普世萬物的《A Short History of Nearly Everything》裏，這樣形容地衣（Lichen）。他寫道：「地衣會忍受所有艱苦與侮辱，僅僅為了存活多一瞬間。簡而言之，生命於地衣而言，就是只想要存活下去。」

地衣也同樣教創建家具品牌Togigi的比利時設計師Thomas Van Noten着迷。他曾於位於墨西哥、由超現實建築師Edward James建造的村莊發現，混凝土建築上爬滿地衣。「後來我更進一步研究地衣，發現這種生物常常克服人類環境，或與之共生。橙色地衣尤其常見於受污染的環境之中，這為我的設計作品提供了一個有趣的爭論點。」

Thomas在比利時巴斯通地區（Bastogne）發現一種會跟環氧樹脂發生作用的橙色地衣

他設計的椅子，不見舒適座位，卻被地衣所「佔領」。他在比利時巴斯通地區（Bastogne）發現一種會跟環氧樹脂發生作用的橙色地衣。地衣引發放熱反應，使乳液沸騰，並將橙色色調賦予樹脂，因而塑造了椅子上的雕塑，亦引發關於人類與大自然之間的張力的思考。品牌另一張引人注目的桌子，超現實但優雅。從側面看，桌腳彷彿跟檯面融為一體，營造桌子由單一木材所造的錯覺。

Van Noten說：「通過這張桌子，我們試圖展出我們的木工可以實現任何有機形狀的技術，從而創造出對話與交流的可能性。」

桌子外形獨特，也考驗木匠技藝。

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