然而，褪去這些充滿距離感的華麗標籤，我們更想探究的，是它冷硬金屬外殼下的一座為「人」而生、充滿歷史文化底蘊與人情味的立體空間。「四十而不惑」，《論語》中的這句，意指歷經歲月洗禮與世事磨礪，步入通透而篤定的境界。將這句話套用在滙豐總行身上，似乎再貼切不過。四十年來，中環的天際線變化不斷，維港兩岸的摩天大樓爭相拔地而起，時代的巨輪從未停止轉動；但它卻始終如一地堅守着剛落成時的承諾，那份全都是為「人」而設的初衷。

一紙「空白戰書」

時間回到一九七零年代末，香港的經濟正值騰飛，滙豐的業務版圖已擴展至全球超過四十個國家。建於一九三五年的第三代滙豐總行，儘管曾是遠東最高的雄偉地標，卻已漸漸無法滿足現代電子化銀行日益龐大的空間與技術需求。正值香港前途籌劃的重要時期，滙豐做出了在原址皇后大道中一號重建總行大廈的重大決定，向香港、甚至全世界，投下對這座城市未來充滿信心的一票。

一九七九年，滙豐邀請了七家國際頂尖建築事務所參與競圖。當時的福斯特團隊，在其他競爭者聽完簡報便匆匆離港之際，選擇留了下來。諾曼·福斯特與妻子在香港逗留了整整三個星期，穿梭於街頭巷尾，親身感受這座城市的高密度，觀察舊建築如何應對亞熱帶氣候，甚至着迷於舊唐樓外牆那些充滿生命力、層層疊疊的露台與霓虹招牌。這些充滿「人情味」與「適應力」的城市觀察，深深植入了福斯特的設計基因中。

管理層當年給予福斯特的任務要求，可以說是一份沒有既定框架的「空白戰書」：為滙豐打造世界級傑出銀行大樓。這份不談細節、只談卓越的氣魄，最終孕育出這座跨越時代的經典傑作。這是一份與城市共榮的承諾，為香港留下了一個跨越世紀的空間文本。

當科技遇上傳統

總行興建時是一場罕有的全球化建造工程，建築組件來自世界各地：鋼結構在英國製造，玻璃與鋁合金幕牆來自美國，而包含廁所的巨型機電服務模組則在日本的工廠裝配。團隊甚至找來設計和諧式客機的工程師，運用極為先進技術來研發輕巧堅固的樓板。

然而，當這些西方頂尖的高科技材料，飄洋過海抵達中環皇后大道中的施工現場時，包圍着它們、協助工人們進行高空安裝的，卻是香港最草根、最具韌性的傳統竹棚建築技術。

你可以想像那個不可思議的畫面：高空中，搭棚師傅僅憑幾根尼龍篾和一根根青竹，交織出立體鷹架。工人在竹棚上穿梭如飛，小心翼翼地將那些誤差不容許超過三毫米的美國航太級鋁合金外牆逐一安裝。這種前衛科技與民間傳統工藝在同一地盤上交織的強烈對比，不僅帶來強烈的視覺衝擊，更深刻體現了一種專屬於香港的「港式智慧」——以極致的靈活與變通，完美駕馭並成就世界級精密準則。

興建時，本地搭棚師傅以傳統青竹承托起西方航太級建材。視覺上對比震撼之餘，更體現了專屬於香港的「港式智慧」。

建構「天空之村」

若要更深入理解滙豐總行，必須先明白它如何顛覆了傳統摩天大樓的「冷漠」。傳統的辦公大樓，往往被福斯特戲稱為「串燒」。一個巨大的封閉式混凝土核心筒貫穿整座建築的中央，將每一層的空間劃分成環狀的走廊。不同層數間的員工毫無關聯，人們被困在靜止的平層與密不透風的升降機廂內，日復一日地進行着疏離的勞動。

「建築是關於人的」。 這是福斯特及當年設計團隊始終堅信的核心理念。為了解決空間上的隔閡讓建築回歸人性，設計團隊決定捨棄傳統，把機電服務、洗手間與樓梯全部推向建築的兩側邊緣，徹底釋放中央的辦公區域，創造出極度開闊的室內平原。更富人情味的，是大廈內部被稱為「天空之村」的立體社交網絡設計。福斯特刻意打破依賴單一升降機直達各層的封閉感，將大廈垂直劃分為五個區域。員工必須先搭乘高速升降機到達開闊的接待樓層，然後再轉乘扶手電梯前往各自的工作平層。整座大廈共安裝了多達六十二部扶手電梯，刻意營造宛如「村莊小徑」般的動線，讓人們在轉換樓層的過程中能夠產生不期而會、互相給個微笑、點頭問候，把冰冷的企業空間轉化為一個充滿溫度的微型社區。

沒有華麗矯飾的幕牆，大樓坦蕩地將猶如「衣架」般的鋼鐵骨架外露，用最真實的結構力量，挑戰了當時商業大廈對外表的刻板追求 。攝影：伍梓濠（Gary Ng）

把空間還給公眾

中環心臟地帶寸土寸金，滙豐總行卻將最具價值的底層空間徹底騰空，在地面創造出一個完全開放的公共廣場。平日中環白領們在這座巨大的鋼鐵庇護下快步走過；閒暇時，亦有市民在此停下腳步，仰望穿透玻璃腹部灑落的微光，感受穿堂而過的微風。這正是福斯特所樂見的景象，讓大廈不淪為一座資本堡壘，而是真真正正與市民生活共生共存的城市客廳，把空間還給公眾。

滙豐總行的底層空間徹底騰空，創造出一個完全開放的公共廣場。攝影：伍梓濠（Gary Ng）

海岸線的「老朋友」

四十年過去，中環的天際線日新月異，國際金融中心等更高的摩天大樓相繼拔地而起，重新定義了這座城市的高度。然而，當我們回望這座大廈，卻並沒絲毫的過時與老態。那開放的廣場依然包容着城市的喧囂，那外露的鋼鐵骨架依然向世人訴說着當年的破格。

四十年來，滙豐總行大廈始終靜靜佇立於皇后大道中, 與這座城市共同呼吸。攝影：伍梓濠（Gary Ng）

時至今日它早已不再只是一棟銀行總部，而是香港海岸線中不可或缺的一部分。而滙豐亦依然秉承着當年不斷創新、追求突破的精神，以這份前瞻視野與香港並肩前行。

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ReMIX發展里程碑

ReMIX自二O二一年開展以來，已成功促成了三十二個香港品牌（當中包括粵港澳大灣區其他城市兩個品牌，以及一個亞洲品牌）與二十四個設計團隊合作，共匯聚了三十八位香港卓越設計師。ReMIX透過深度共創，在創意上取得突破性的成果，誕生超過一百六十款引人注目的產品。

多年來，ReMIX聯乘產品在香港獲得廣泛推廣，更積極參與中國內地及國際展覽，不僅推動設計產業跨市場發展，構建雙贏局面，也加強了香港設計界與中國內地及其他國家的聯繫。這些具備市場競爭力及商業價值的創新成果，獲得多項國際設計獎項。ReMIX持續為香港工業設計作出貢獻，以至帶來世界設計領域的影響。

第一屆 (2021-2022)
在首屆伊始，率先推動香港品牌與設計師之間的配對計劃，邀集擁有超過二十年歷史的香港優質品牌合作，其中包括駱駝牌「唯一冷熱水壺廠」。

• 成功配對六個品牌與五個設計團隊。
• 合作設計師涵蓋產品設計師、時裝設計師和藝術家。
• 創造了二十二款引人注目的產品。
• 榮獲五項「香港智營設計大賞」。

（左起）ReMIX顧問李永銓先生、梁振輝先生及陳鑑光博士出席「專業顧問團與設計師交流會」

第二屆 (2022-2023)
透過參與STYLE Bangkok展覽及設計師交流活動，進一步擴展亞洲能見度和影響力。

• 創立於一九二九年的香港知名珠寶品牌「周大福」加入ReMIX的合作行列。
• 成功配對六個品牌與六個設計團隊。
• 創造了二十三款引人注目的產品。
• 榮獲六項設計大獎：兩項來自歐洲、一項來自中國內地、一項來自台灣，以及兩項來自香港。

22-26/3/2023 STYLE Bangkok

設計團隊與泰國創意產業的THINKK Studio展開交流

第三屆 (2023-2024)
深化與中國內地及泰國之間的交流與合作，參與Bangkok Design Week展覽及設計師交流活動，並憑藉多項國際設計獎項，獲得更高層次的專業肯定與國際認可。

• 創立於一八八五年的歷史悠久品牌「梁蘇記」加入ReMIX的合作行列。
• ReMIX的合作品牌擴展至大灣區其他城市。
• 成功配對十個品牌與十個設計團隊。
• 吸引了不同界別設計師參與，包括建築設計、平面設計等。
• 創造了五十一款引人注目的產品。
• 榮獲八項設計大獎，包括四項國際大獎及四項香港大獎。

27/1 – 4/2/2024 Bangkok Design Week

第四屆 (2025-2026)
本屆聚焦於更具活力的跨界合作，涵蓋家具、玻璃燈飾及器皿、餐具、咖啡杯套裝、書法學習工具、兒童眼鏡、盲盒公仔、心靈遊戲、電子旅行配件、服飾及手袋，充分展現多元設計動力。更積極對外宣傳，參與「設計深圳」及「Maison&Objet Paris」，展示香港設計實力。

• 吸引了全球知名的主題公園、歷史悠久的百貨公司，以及日本與香港的合資公司品牌參與計劃。
• 文創產品、教育玩具和視光產業加入。
• 成功配對十個品牌與十一個設計團隊。
• 本屆吸引了插畫師，另類領域的設計師參與。
• 創造了超過七十款引人注目的產品。

18-21/9/2025 設計深圳

ReMIX香港與巴黎的創意對話

第三及第四屆ReMIX設計師及品牌代表於今年一月十五日至十九日赴法國巴黎，首度參與具全球影響力的年度設計盛事「Maison&Objet Paris」，標誌着ReMIX邁向國際舞台的重要里程碑。

ReMIX展區集中展示第三及第四屆的聯乘設計成果，合共超過九十件產品，匯聚來自香港、大灣區及亞洲多個地區的二十個品牌與十七個設計團隊。當中逾五十件產品為全球首度亮相，設計類別涵蓋文化創意產品、玩具、個人配飾、家居用品及小型家具等，充分體現跨地域、跨界別合作的創新精神與多元面貌。

Maison&Objet Paris展覽的ReMIX展區

（左一至四）香港駐布魯塞爾經濟貿易辦事處副代表吳肇基先生、文創產業發展處文創產業專員黎細明女士、Maison&Objet展覽總監Guillaume Prot先生及香港工業設計師協會主席張耀輝先生出席Maison&Objet Paris展覽

同期，ReMIX代表團亦展開一系列專業考察與交流活動，包括參觀以裝飾藝術與設計聞名的巴黎裝飾藝術博物館（Musée des Arts Décoratifs），深入了解自十三世紀以來歐洲設計與工藝的歷史演進與精湛技藝。

ReMIX代表團到訪巴黎裝飾藝術博物館（Musée des Arts Décoratifs）

此外，代表團亦獲邀出席「Maison&Objet In The City」，走訪國際知名香氛品牌Diptyque及藝廊BOON_ROOM，與創意業界人士交流，親身體驗當地在設計、工藝、品牌建構及市場實踐方面的最新發展。

ReMIX代表團出席「Maison&Objet In The City」，參觀國際知名香氛品牌Diptyque專門店。

是次行程中，ReMIX代表團也到訪以工業及產品設計見稱的法國知名設計學院Strate School of Design，與師生及國際事務主管在設計學術領域進行交流，從教育層面認識歐洲設計的實踐與發展。透過建立跨地域及跨領域的連結，ReMIX成功為本地設計師及品牌搭建通往國際市場的橋樑，開拓更多發展機遇，進一步鞏固香港作為創意之都的國際地位。

ReMIX代表團與法國知名設計學院Strate School of Design交流

ReMIX · Yesterday’s Future, Invent Tomorrow!
「融・創未來」未來發展

ReMIX未來將與更多優質品牌及專業產品設計團隊建立夥伴關係，為創意產業注入源源不絕的創新動能；透過持續累積的成果，以卓越產品塑造未來，進一步提升香港設計產業在國際上的地位，並繼續致力於促進香港設計品牌的發展。

了解更多：https://remix.idshk.org/

主要贊助機構

文創產業發展處（文創處）於二O二四年六月成立，前身為自二OO九年設立的「創意香港」。文創處是香港特別行政區政府文化體育及旅遊局轄下為文化和創意業界提供一站式服務與支援的專責辦公室，致力為香港營造有利的環境，促進藝術、文化及創意業界的產業化發展。文創處的策略重點為培育人才及促進初創企業的發展、開拓市場、推動更多跨界別跨領域的合作、推動文化藝術和創意業界產業化，以及在社會營造創意氛圍，以加強香港成為亞洲創意之都和中外文化藝術交流中心的定位。

免責聲明：香港特別行政區政府僅為本項目提供資助，除此之外並無參與項目。在本刊物／活動內（或由項目小組成員）表達的任何意見、研究成果、結論或建議，均不代表香港特別行政區政府、文化體育及旅遊局、文創產業發展處、「創意智優計劃」秘書處或「創意智優計劃」審核委員會的觀點。

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一個E人 一個I人

Vivienne Westwood，華語媒體愛替她起暱稱「西太后」，「西」取其姓Westwood，「太后」指向她在時裝設計界的地位，影響力甚至滲入流行文化。《色慾都市》（Sex and the City）二○○八年電影版，主角Carrie身穿的婚紗原型來自Westwood的時裝秀；日漫《NANA》，主角大崎娜娜總身穿Vivienne Westwood品牌的龐克衣服，在日本一時哄動。

七○年代，Westwood（右）一身龐克打扮，出現在倫敦街頭。（Tim Jenkins / WWD / Penske Media via Getty Images提供）

九○年代，軟硬天師創作歌曲《川保久齡大戰山本耀司》，歌曲以川久保玲為時尚象徵，或多或少也說明了她的影響力。一九六九年，川久保玲開設品牌Comme des Garçons，法語的意思是「像男孩一樣」，名字預告之後前衛作風。八○年代初，川久保玲登上巴黎時裝周的舞台，評價好壞參半—系列服裝全黑、破損、不對稱，譬如穿了大洞的黑色毛衣被揶揄「瑞士芝士」，整個系列遭戲稱「乞丐裝」。不過，時間似乎證明了一切。

川久保玲時裝首秀出現穿洞的黑色毛衣，當時被揶揄「瑞士芝士」。（Peter Lindbergh提供，模特兒：Linda Sperrings）

時間，也是NGV展覽「Westwood | Kawakubo」對照兩人的原因。策展人Katie Somerville表示，兩人出生僅相差一年，活躍年代更是一致。一九四一年，Westwood在英國中部出生，一年後，川久保玲在東京出生，日後她們的時裝首秀只相隔一年。

然而兩者性格截然不同。若以MBTI分類，二○二二年底逝世的Westwood是鐵一般的E人，喜於鎂光燈下露面，樂於受訪和拍攝個人照；相反，川久保玲像I人，泰半拒絕訪問，甚至不願解說自身作品。即使她八十有三，仍在品牌王國親力親為，Somerville在今次展覽聯繫Comme desGarçons，她透露：「我們知道，籌備這次展覽的過程中，任何事情都必須經過她（川久保玲）的批准才能通過。」

展覽映入眼簾，是Westwood最早為人熟知的龐克設計。（Dan Castano攝）

挑逗你的保守神經

展覽映入眼簾，是Westwood最早為人熟知的龐克設計。一九七○年代的Westwood未發布首個系列Pirate，甚至未能稱之時裝設計師，她純粹撿拾次文化，製作能讓人穿上身、走在街頭的衣服。她跟音樂經理人Malcolm McLaren合作，設計Sex Pistols和Adam and the Ants等龐克樂隊的服裝，形成所謂龐克風格，挑戰保守社會的神經。

Westwood時裝首秀系列Pirate，以海盜為靈感。（David Corio / Redferns via Getty Images提供）

束縛衣、束縛褲、漁網衣、鎖鏈，印着一雙乳房或兩個牛仔下半身赤裸的T恤，Westwood被譽為龐克教母，設計的服裝甚有DIY美學，龐克作為七○年代英國青年的反叛文化，其中藉衣服挑釁保守者。龐克精神一直在Westwood的血脈竄動， 在高級時裝界採用像彈性針織布的運動服布料、穿運動鞋，又將內衣當成外衣來看，把胸罩穿在外面。

Westwood的龐克設計挑戰七○年代英國社會的保守氣氛。

Somerville提到，Westwood曾形容川久保玲內心有着龐克，的而且確，川久保玲二○一六年系列18th Century Punk：想像如果龐克在十八世紀出現，他們會怎樣穿著？

系列採用十八世紀西方服裝流行的錦緞布料，她設計時造訪法國仍生產傳統布料的工廠，沿用十八世紀至今的製作工藝。Somerville形容服裝款式前衛現代，甚至有點像武士服，布料卻選材自十八世紀風格。其中一件衣服結構獨特，許多金屬鈕扣不是裝飾，都可以拆開，像拼圖般組合每一條布條。系列另一件衣服曾由天后Rihanna穿著，二○一七年在Met Gala的紅地毯亮相。

川久保玲系列18th Century Punk，想像龐克在十八世紀出現。

Somerville坦言，川久保玲設計的服裝總讓許多人疑惑：這在日常生活真的能穿嗎？「人們無法想像自己穿著這些衣服去超市，其實也無關緊要，因為這並非她的本意。這是她放縱自己的方式，試以服裝的形式把自己的想法能推到多遠。」

「垃圾袋」也能當衣服

現代衣服從西方傳統服裝演化而來，川久保玲—由亞洲過來的使者並未帶來異國風情的服飾，反而有着另一個身位，以解構者的視角參與其中。

「對川久保玲來說，『解構』這個詞至關重要。解構就是將事物拆解、翻轉、顛倒。」Somerville指着一件威爾斯格紋（the Prince of Wales check）的西裝大衣，儘管布料屬傳統，衣服輪廓絲毫看不出是女裝，造型似懸垂多層披風，當你以為只有一個袖，其實有三個袖，還需要三個人才搬得動這件衣服。另一套西裝外套看似訂製，但比例奇怪，比實際需要大，成人穿起來像小孩偷穿父母的衣服。

川久保玲愛解構衣服，如改變比例，變得脹大肥厚。

川久保玲二○二五年秋冬系列Smaller is Stronger（Comme des Garçons提供，模特兒：Mirre Sonders）

「川久保玲另一個非常感興趣的面向是『品味』的概念。甚麼是品味？甚麼是時尚？包括我們認為哪些顏色是品味高雅、時尚，甚至包括一些人們可能會覺得『噢，這真醜』或『刺眼』的顏色組合，她卻被這種風格所吸引。」Somerville說。一套黑色衣服像以垃圾袋紮成的大蝴蝶結；衣服像和服有着寬大袖口和蓬鬆感，圖案卻非傳統；甚至將漫畫流行文化印在衣服上。

川久保玲早期使用大量黑色創作，二○一五年系列Blood and Roses卻只用紅色來創作。川久保玲始終如一， 從未解釋用意，Somerville推測：「我想她實際上是在問我們：紅色意味着甚麼？紅色會讓人聯想到哪些情感？例如興奮、激情、紅色賽車，還有速度、危險、鮮血、激情、浪漫、心形、愛，甚至戰爭—歷史上發生過一場名為『玫瑰戰爭』的戰爭。」

歷史是創新的靈感

川久保玲著迷解構，Westwood就著迷於歷史。Somerville打趣道：「Vivienne Westwood似乎想用每一件作品都給你上一堂歷史課。」有趣的是，Westwood本來受訓成小學老師，只不過後來由學校轉到時裝秀舞台「上課」。

十八世紀末十九世紀初，許多法國人迷戀英式風格，因而在法國掀起英式穿搭熱潮，Westwood一九九三年系列Anglomania以此為靈感，系列重新剪裁英國傳統服裝。一九八七年系列Harris Tweed，意指蘇格蘭傳統粗花呢布料，傳統紡織本來跟時尚不著邊際，她卻以此來創作。花呢格紋通常跟氏族相關，Westwood甚至設計自己的格紋，以丈夫的名字命名「Mac Andreas」，在蘇格蘭官方註冊。

一九九三年，英國女名模Kate Moss穿上Westwood的Anglomania系列走上時裝秀舞台。（firstVIEW提供）

一九九一年系列Cut and Slash用酸漂白牛仔布，以露出縫在牛仔布內的蕾絲圖案，這種做法其實向十七世紀男裝致敬。十七世紀，富裕男士為了炫富，會訂製特殊的外套，表面精心剪出許多洞，以露出內裏昂貴的襯衫。

歷史上如狩獵或鄉村服飾的男裝，常用到紅色羊毛，但是Westwood用在女裝之上，「不同之處在於這不是沉悶保守的男裝，這是超性感的女裝。」Somerville表示，可留意剪裁強調腰部線條，胸部線條更被誇張突出，「她將非常男性化的東西變得非常女性化。」

Westwood承襲英國傳統服裝，卻剪裁成突顯女性身體線條的西裝。

身體VS衣服

帽子設計師Stephen Jones分別跟Westwood和川久保玲合作過，亦有份參與今次展覽，他向Somerville如此總結兩者：「對Westwood來說，一切都關乎性愛、性、令人衝擊和展示身體。對川久保玲來說，這更關乎雕塑感和知性，幾乎創造一種新的形態，一種新的身體形態。」

Westwood早期龐克時期使用性元素，後來衣服剪裁強調身體線條，暗藏性的意味，之後更大膽打破身體和衣服的規範，內衣當作外衣穿著，換到現在已不是稀奇事。一九九四年系列Café Society，讓超模Kate Moss上身赤裸，下身穿着超短裙和高跟鞋，舔着冰淇淋登場。「你知道她想製造轟動效應。她很清楚媒體會拍甚麼，她知道如何製造戲劇性場面，如何取得新聞版面。」

Westwood將內褲當成外衣穿搭（左），又在衣服臀部部位塞入填充物（右）。

Westwood曾讓名模Kate Moss上身赤裸、下身只穿超短裙登場左），又有設計將內褲穿在長褲外面，圖案模仿原始人用樹葉遮蔽私人部位（右）。

川久保玲知名系列，一九九七年Body Meets Dress, Dress Meets Body， 常被戲稱「腫塊和疙瘩（The Lumps and Bumps），衣服凹凸不平，腫脹肥厚，臀部、背部和腹部等位置加入填充物，完全隱藏穿著者原來的身體線條。「透過使衣服扁平化或更具雕塑感，她（川久保玲）創造了一種全新的形狀。她甚至質疑，衣服必須實用嗎？衣服必須有袖口嗎？」Somerville解釋。

川久保玲的衣服重塑人體線條，猶如雕塑。

川久保玲二○一七年春夏系列Invisible Clothes（Comme des Garçons提供，模特兒：Georgia Howorth）

衣服，一直是Westwood和川久保玲傳遞理念的媒介。Westwood晚年，她的角色更像關注政治和環境議題的社運人士，變得跟她的時裝事業同樣重要。她將議題帶到時裝設計和時裝秀，甚至將街頭示威跟時裝秀融為一體。川久保玲二○二五年系列Uncertain Future也默默回應當下議題：LGBTQI權益、氣候變化、移民難民……衣服不止一件衣服，變成她們向世界發問的武器。Why not？

川久保玲系列Uncertain Future回應當下議題，如LGBTQI權益、氣候變化、移民難民議題。

策展人Katie Somerville

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由英倫搖滾樂團 Blur 主唱 Damon Albarn 與漫畫家 Jamie Hewlett 聯手打造的這支虛擬樂隊，於香港時間 2 月 28 日凌晨零時在 Gorillaz 官方 YouTube 頻道免費首播最新短片《The Mountain, The Moon Cave and The Sad God》，為他們的第九張專輯《The Mountain》發行打響頭陣。

致敬傳統的賽璐珞美學

這部長約 8 分鐘的短片，是 Gorillaz 與 The Line 動畫工作室聯手向傳統賽璐珞動畫（Cel Animation）致敬之作。在絕大多數動畫都已數位化的當下，Gorillaz 選擇了截然不同的道路：畫師將角色一幀一幀手繪在透明的賽璐珞膠片上，再與手繪背景層層重疊拍攝，創造出線條分明、色彩厚實、充滿手繪溫度的獨特畫面。

19世紀末，美國荷里活等公司開始使用賽璐珞製作動畫底片。原理是將角色繪製於賽璐珞底片，並置於固定不變的背景上方，拍攝不同動作的角色的賽璐珞底片與背景的照片，通過連續放映照片以達到「動畫」效果。

賽璐珞動畫是一種傳統的 2D 動畫製作工藝，流行於 20 世紀，透過在透明賽璐珞膠片上繪製角色，並於背景上層攝影來完成製作。這項技術在香港人耳熟能聞的動畫《龍珠》、《櫻桃小丸子》、《灌籃高手》等經典日本動畫中應用廣泛。隨著電腦技術成熟，賽璐珞動畫已於 2013 年全面停產，取而代之的是電腦繪圖（Digital Painting）。「賽璐珞」一詞正是膠片原料 celluloid sheets（cels）的譯音。

Gorillaz 是誰？

樂團由四個虛擬卡通人物組成

相信樂迷對 Gorillaz（街頭霸王）這個名字絕不陌生。樂隊成立於 2001 年，由四個虛擬卡通人物組成，包括滿臉英倫厭世的貝斯手兼團長魔頭（Murdoc Niccals）、空洞呆滯的主唱 2-D（Stuart Harold Pot）、來自日本大阪的吉他神童小麵（Noodle），以及爆炸頭鼓手洛胖（Russel Hobbs），在 AI 生成圖像與IP宇宙尚未誕生的年代，成功打破了音樂與漫畫的界線。2007 年，他們打入健力士世界紀錄大全，成為搖滾史上「最成功的虛擬樂團」。

英倫搖滾巨團 Blur 的主唱 Damon Albarn （左）與漫畫家 Jamie Hewlett （右）

這個虛擬四人樂隊的幕後主腦，正是英倫搖滾巨團 Blur 的主唱 Damon Albarn 與漫畫家 Jamie Hewlett。兩人於 1998 年萌生概念，在各自擅長的領域，合作創造一個只於螢幕存在的虛擬宇宙。

今次新片的故事情節和他們以往作品的視覺風格一樣超現實，講述 2-D、魔頭（Murdoc）、小麵（Noodle）和洛胖（Russel）四位成員踏入神秘險惡的叢林，試圖攀登一座詭異山峰的經歷。

以新專輯《The Mountain》穿越文化與生死

Gorillaz 的第九張錄音室專輯《The Mountain》已於 2 月 27 日在數位平台搶先上架，實體專輯預計於 3 月 20 日正式推出。這是樂隊自立門戶後，透過獨立廠牌 KONG 發行的首張專輯。

這張專輯的創作靈感源於 Damon Albarn 與 Jamie Hewlett 的一趟印度之旅。在經歷失去父親與家人的悲痛後，兩人從印度教、佛教和錫克教對死亡的正面態度中獲得慰藉。專輯收錄 15 首歌曲，音樂融合印度古典音樂與傳統樂器西塔琴（Sitar）等元素，歌詞涵蓋阿拉伯語、英語、印地語、西班牙語和西非約魯巴語共五種語言，亦有多位印度傳奇音樂人合作，包括西塔琴大師 Anoushka Shankar 與傳奇女歌手 Asha Bhosle 等，也收錄已故巨星於《Demon Days》時期留下的未公開錄音。

已故巨星 Dennis Hopper 曾出演1969年的經典電影《逍遙騎士》（Easy Rider）

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而肩負製造使命的文具廠商，則以永不止息的挑戰精神，持續開發出融合新機能、巧思設計與豐富創意的產品。這些作品，再由文具店從中精挑細選，找出最貼近人心的傑作。

自2013年創辦的「文房具屋さん大賞」，今年迎來第14屆。本屆同樣集結了13家超人氣日本文具店，針對各大製造商推薦、過去一年內上市的新品文具，從「機能」「設計」「創意」三大觀點進行評選，總入圍作品多達約1,200件。以下集結了其中幾款有趣的得獎文具，與各位分享。

【創意賞】SUN-STAR 文具「未確認飛行扁平收納包」 1,100日圓

這款「未確認飛行」收納包可收納亞加力立牌、迷你公仔等小物，每當拉開拉鍊，外星人現身綁架的場景彷彿重現眼前，樂趣十足。UFO部分採用能反射光線的鏡面材質，隱約閃爍的詭譎光芒，更添神祕存在感。

【長澤文具中心賞】「成人幹勁筆」 9,900日圓

這款「成人幹勁筆」是一款可裝設於市售原子筆上的微型物聯網裝置。內建加速感應器能偵測書寫動作，將學習時間記錄為「幹勁值」。學習結束後，數據透過藍牙傳輸至專用智慧型手機App，並以日、周、月為單位的圖表與日曆呈現，讓成果一目瞭然。

除了可視化學習數據，專用App還會根據學習趨勢，適時發送鼓勵與支持的訊息。更內建有「桌遊式學習」功能，使用者可操縱虛擬角色，隨著「幹勁值」推進棋子、獲得道具並自由裝扮角色。遊戲中也能與其他使用者的角色相遇，彼此交流「學習訣竅」與「學習的意義」。

【桌上收納賞】SONIC「智慧型手機用 定時鎖保護殼」 4,950日圓

這是一款有助於改善生活節奏、提升專注力的智慧型手機專用鎖定盒。它以物理方式，為你阻擋忍不住伸手滑手機的誘惑。內建兩種使用模式：可設定每日同一時間使用的「規律模式」，適合用來調整生活習慣；可自由設定鎖定時間的「計時鎖定模式」，則推薦給需要專心讀書或工作的時刻。設計上可邊充電邊使用，同時備有緊急強制解除功能，並附有「智慧型手機契約書」與「目標貼紙」，幫助建立清晰的使用規則。

【刀具賞】PLUS「Pico Friends 紙箱切割器」 1,540日圓

這款以可愛動物為造型的紙箱切割器，讓拆封作業變得加倍有趣。採用不易生鏽、鋒利持久的陶瓷刀刃，搭配滑動鎖定式底座，不易滑落，兼顧安全性與穩定性。柔軟的矽膠外殼好握順手，使用觸感舒適。可替換刀片的設計，更能長久愛用。

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「我們希望將您的作品，當作藝術品來展示。」在美國波士頓美術館，展出了三井用LEGO重現的浮世繪名作——葛飾北齋的《富嶽三十六景 神奈川沖浪裏》。「在企劃展中，它與安迪·沃荷、羅伊·李奇登斯坦的作品並列，被擺在極具分量的位置。」三井自豪地說。

藝術101

三井曾受邀參加藝術家雲集的活動，但現場提問多半圍繞他的成長背景或LEGO經歷，鮮少深入探討作品背後的意圖。「我本來做足了準備，想把想法化為語言，結果卻沒機會說出口，心裡其實有點鬱悶。」

他將這次經驗，解讀為自己接收到的「何謂藝術」這個提問。為了深入探究，他去年進入了藝術大學研究所。

從小他就喜歡玩LEGO，在中學的時候，挑戰兩公尺高火箭等大型作品。「當時只想讓身邊的人開心，這樣的想法讓我全心投入。」

那時正值網路普及，個人也能向全世界發表作品。「觀看者的反饋刺激了創作者，進而催生新作品，這樣的互動逐漸成形。我也覺得自己要、也必須用LEGO來創作。」

日本首位LEGO®專業認證大師

進入東京大學後，他創立了「LEGO社」。藉由電視曝光與參賽，其高超技術與創造力也備受世界矚目。就讀東大研究所期間的2011年，他獲選為日本首位「LEGO®專業認證大師」。

這項資格代表他雖非LEGO公司員工，卻能以個人身份獲得官方認證，自由運用LEGO發展事業。創作上的優勢也隨之而來，例如可以直接從LEGO工廠購買零件，不需經過一般店面。

畢業後，他進入當時的新日本製鐵工作，開始了白天上班、業餘接案的「雙重生活」。然而兩邊的工作都極為忙碌，導致長期睡眠不足。最終他放棄兼職模式，於2015年離職，成立自己的創作公司「MIII BRICK STUDIO」。

他每年購入約一噸的LEGO，按零件種類分類、整理、存放。雖然積木的尺寸、形狀、顏色多樣，終究有其限制。若不是大型作品，很難像畫筆或CG那樣表現出細膩寫實感。若遇不到適合顏色，他會選擇相近色，或混搭不同顏色，設法在遠看時呈現如點描畫般的中間色調。

用LEGO和想象力 將二次元畫面立體化

三井認為與LEGO最契合的，是浮世繪、印象派繪畫、手機表情符號等「解析度較低的素材」。「解析度越低，本質反而越清楚。同時也留有『空白』，讓觀者用自己的理想或既定印象，去填補、想像畫面。」

例如，浮世繪大師葛飾北齋在《神奈川沖浪裏》中，將立體的波浪轉化為平面，並透過清晰描繪輪廓等方式，「對波浪結構進行強調性的變形，增強視覺衝擊力」。

而三井以LEGO將北齋二次元畫面立體化時，「又加入了不同於真實波浪、也異於北齋筆下的全新變形。」當人們凝視這些LEGO波浪之間時，「會意識到，船夫並非正面迎向巨浪，而是在浪與浪之間的縫隙中穿梭前行。」

三井也指出，北齋筆下波浪尖端最美、最洶湧的瞬間，與整個波浪最為壯觀、起伏最大的瞬間，在自然界中其實存在時間差。「北齋將這些不同時間的元素組合，封存於作品之中。」

三井堅持手繪設計圖，不使用CG。觀察物體時，他會想像其剖面，思考若將這些剖面重新疊合，會形成怎樣的形狀。「在腦中反覆進行平面化與立體化的過程，並在其中加入自己的詮釋與變形。LEGO不論在藝術或研究領域，都充滿無限可能性。」

創作時，他常戴着耳機聽一種名為「前衛金屬」（Progressive Metal) 的音樂。「因為那些變拍子的曲子，讓我感受到強烈的『立體感』。」

去年，他一邊進行研究，一邊創作遊戲、繪本中的角色。

「接受委託時，是不斷將自己的發想融入對方的需求；而創作自己的作品時，則是不斷摸索，直到靈光乍現，找到『就是這個』的瞬間。」

他認為，藝術「或許是與社會連結的方式之一。」「就像當年的我一樣，有人接收到了提問，他的想法、他的生活方式，都會因此受到影響。」

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這些創作最初純粹是Mitiru自娛娛人的趣味實驗，多數未經量產，卻意外在日本社群媒體上掀起「一作難求」的搶購熱潮。直到去年七月，Mitiru終於迎來重大突破——正式開設了名為「架空が実在する雑貨店」（讓虛構化為真實的雜貨店）的線上店鋪，販售自己的作品。

Mitiru擁有令人驚嘆的「創意腦洞」。「我會特別留意生活物件的細節，隨時在腦海中累積可能發展成作品的靈感。」她希望創作出可愛、能讓人會心一笑的作品，並在視覺呈現與實用性之間取得完美平衡，使作品即使實體化，也能自然地融入日常生活。

談起創作起點，Mitiru分享道：「我從小學就喜歡做手工。2020年懷著分享創作的心情，開始以X（原Twitter）為主要平台發表作品。」擅長運用3DCG技術的她，如今已累積超過18萬追蹤者。

2021年發布的「大阪燒鉛筆刨」堪稱其代表作之一，一推出便廣受好評。Mitiru笑說：「我習慣隨時記錄靈感。有次經過大阪燒店鋪時，突然覺得鉛筆屑與柴魚片有種奇妙的相似感，便決定用CG將這個靈感具象化。」這款作品更獲得調味料大廠「オタフクソース」的青睞，於隔年成功商品化，開賣僅一周，便全數完售。

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起初，她以樹脂為女兒製作成頸鍊等各種飾品，直到女兒長大，開始偏愛貴金屬飾品後，她才停下這份手藝。

因為不想浪費收集到的材料。於是，她開始了「新械生物」(「深海生物」與「機械」的合稱)的創作系列。

模型魂 再燃

因常處理烹調用的魚，她對魚的結構瞭若指掌。「我想藉此機會，將心思投向孕育生命的海洋。」她說。

小時候，她會與弟弟一起看《機動戰士高達》、《鐵甲萬能俠》等機器人動畫，並著迷於雜誌上揭露機器人內部構造的圖解。「我特別喜歡看零件密密麻麻填滿框架的模樣。」她回憶。約2021年，她確立現在的創作風格。

「當年那種興奮感又重新燃燒了起來。」

洋蔥網袋 化身魚鱗

她結合「深海生物」與「機械」，命名這系列作品為「新械生物」，發布在原本分享手工藝品與料理的社交帳號上。零件多來自自家與親友家的損壞電器。她也樂於穿梭模型店、家居賣場或百元店尋寶。日常物品如超市的洋蔥網袋，經她巧手也能變成魚鱗紋理。

廢棄零件 一期一會

家務告一段落後，她會在兒子的舊房間開始創作。先查圖鑑、看影片掌握魚的動態，再簡單素描，用樹脂黏合零件。全長30公分的大作需時一周，2公分左右的小作約兩小時即可完成。

「每個廢棄零件都獨一無二，一旦黏合失敗便無法挽回，因此我總是謹慎以待。」

因為創作 看見更深的海

森女士表示，過去的她，只認識餐桌上的魚。「為了創作而研究、理解，讓我踏入一個前所未有的世界。」森女士說：「我還想繼續深入探索。」

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Fenix總監Anne Kremers

「這裏從來都是一個人抵達，與人離開的地方。」Fenix總監AnneKremers說。走在Fenix偌大實用的空間，工業感覺強烈，大窗戶飽覽寬闊河道，承載鹿特丹作為港口城市的歷史。鹿特丹是歐洲最繁忙的港口之一，由一三四○年漁村建成，至工業革命及後至今，它一直是連接歐洲內陸和海洋的據點。Fenix所在地，百多年來是一個熙攘往來的郵輪碼頭，船隻在送別聲中啟程，旅客帶着想像追尋好一點的生活。

當中，聞名的郵輪公司HollandAmericaLine一八七三年在鹿特丹起家，往美國紐約的航線大受歡迎。當年要跨過大西洋絕非易事，曾經有一段有趣傳聞，指郵輪愈多支大煙囪就愈安全，因而愈受旅客歡迎。事實並無大關連，HollandAmericaLine為當時鮮有為次等艙提供一日三餐的船公司，加上造船技術了得，因而吸引大量客戶。該區許多舊建築已被拆除，幸好船公司總部前身HotelNewYork得以保留下來。位於對面的Fenix，建築本身為船公司建於一九二三年的倉

庫。她說，地方歷史就是博物館主題的起點：「人們在這裏坐船，要去美國、加拿大、澳洲、巴西、南非，而很多人也在此到埗。舊時，人們會留在鹿特丹幾天，甚至幾星期才上船。由這所博物館來訴說一切人來人往的故事，好像最合適不過。」

百年倉庫浴火重生

「我們第一件『收藏品』，就是這個倉庫。」AnneKremers說，這座平平無奇的貨倉其實有一段古。一九四○年，納粹德國攻打荷蘭，一來茅頭並非指向阿姆斯特丹，而是西歐閘口鹿特丹。炮轟之下，鹿特丹市中心變成火海，約二萬四千棟樓房受牽連，過八萬人痛失家園。可是，倉庫竟得倖存，並經歷長達五年的德佔歲月。捱得過戰爭，一九五○年代，倉庫卻發生一宗火災，幸好大部分建築仍得以保留。船公司將其修復後，以浴火的「鳳凰」命名倉庫。Fenix沿用名字和舊建築，承繼城市的重要記憶。

Fenix主建築現在稱為Tornado，由中國MAD建築事務所創辦人馬岩松主理設計和修復，遠望有如在舊貨倉捲起一道龍捲風，混合原有百年建築。建築強調流動感覺，鏡面物料反映着新馬斯河的波浪。博物館內，心臟位置即見Tornado兩條交錯樓梯，遊人可以從左、右兩方爬旋轉型樓梯往上，一直到戶外天台，一覽鹿港河景和市景。馬岩松指出，設計建築時，希望表達到城市有關遷移、記憶、不安定的故事，就像一場過去與現在的對話。人們分散後，突然再次交匯，旅程上充滿未知。

Fenix所在位置見證鹿特丹海港歷史，現遙對的Hotel New York，乃船公司Holland America Line總部前身。

Fenix前身為過百年船運倉庫，捱過二戰時德軍炮轟。（Courtesy of Rotterdam City Archives, Fenix提供）

Fenix定位與鹿特丹歷史密不可分，望延續海港的多元特質。（Iwan Baan，Fenix提供）

海港身份跨疆界於說故事

「鹿特丹從舊時起就是一個大熔爐。現在依然，這裏有超過一百七十國族的人居住於此，是最多元的城市之一。」AnneKremers進一步說，Fenix並不是由上述船公司所有，而是DroomenDaad基金發起的一項文化計劃。基金目標是以藝術文化滋養鹿特丹，讓它成為「宜居又可愛」的城市。多年來，鹿特丹聚集不同文化背景的人，造就港口的混雜本性。然而，近年歐洲極端右翼情緒高漲，荷蘭亦曾發生反移民政策的暴力事件。雖然在去年大選，新總理轉為來自中間偏進步黨派，但整體排外情緒依然令人擔心。

Fenix可說在一個風急浪高的時刻登場。她續指：「由人類存在於世上開始，我們便開始遷移。遷移是一件非常『人』的事情，它超越時間，為人類普遍共有的經驗，同時可以很私人。每一個家，都總有一個關於遷徙的故事。」

「我們希望把這些故事帶出來，並且從愈多角度訴說愈好，讓人得以閱讀。我們不是想告訴人你應該如何看待遷徙，你可以組成自己的看法。」多數博物館的收藏都著重考古、工藝程度或藝術價值等，Fenix則「主題式」收藏有關遷徙的藝術品及文物，為一種跨文化、媒介、脈絡的嘗試。例如，收藏文物包括柏林圍牆的其中一塊、十八至十九世紀日本屏風等；藝術作品涉及由鹿特丹到美國成名的WillemdeKooning、比利時藝術家FrancisAlÿs，還有越南出生、長於丹麥並駐柏林墨西哥的傅丹等。

博物館擁有生產知識的權力。就好像同一塊蛋糕，以不同方式把它切開，就會有不同形態的「分隔」（grid）。這些分隔影響了我們建構知識，即主宰看待事情的方法。遷徙雖是人的情感，亦是人的政治。藏品中亦觸及「去殖化」、文化挪用、歧視的各種討論，事實上航海力量強大的荷蘭本身亦有數百年殖民歷史。Fenix由大膽定位出發，嘗試超越歐洲作為「中心」、他者作為「邊緣」的二元視野。就像每個海港城市一樣，它希望靈巧地彈跳，連結不同角落。

Fenix展覽空間設計盡量拆除「牆」的元素，讓作品與作品之間保持流動，圖中為Hana El-Sagini作品e Big Blue Slippers（2022）。（Collection Fenix ©TITIA HAHNE）

Fenix藏品包括柏林圍牆的其中一部分

海港故事由行李箱迷宮陣說起

舊皮革、塵埃、轆子上的泥巴散發着老去的氣味。為開館打響頭炮的展覽SuitcaseLabyrinth是一個行李箱「迷宮陣」。團隊在世界各地收集超過二千個行李箱，並逐一訪問擁有者的遷移故事。他們先在荷蘭各地區小報刊登招募，又在博物館「地盤」前設「交收點」，連團隊赴德國、美國等地工作時，亦不忘收集當地行李箱。即使未開館前，人們亦反應熱烈，願意將珍而重之的一塊生命歷程交到他們手上。在展覽中，遊人只要拿耳機走到某個行李箱前，對着上面掛着的特製行李牌—「嘟」，耳機便播放擁有者的故事。

當中，最古老的一個行李箱把時光帶回一八九八年。當時，年輕荷蘭女子Willemine的新婚丈夫遠赴中國工作，她決定追隨，從家鄉搬到一個完全陌生的異地。可惜，男人並沒看到這勇敢女子的可貴，多次對她不忠。到了一次，Willemine忍無可忍，決意帶着四個小孩回到荷蘭。當時，她與子女、保母一起乘搭跨西伯利亞鐵路，由俄羅斯伊爾庫次克前往莫斯科，輾轉回到荷蘭海牙，重新開始。回到荷蘭後，她更積極參與女性平權的運動，有份推動一九一九年女性獲得投票權的浪潮。這個行李箱藏起的並不如虛幻的童話故事，而是充滿勇氣，流露着光輝。

展覽Suitcase Labyrinth公開收集了超過二千個行李箱

早期在荷華人移民江湖史

在「迷宮陣」走着走着，其中一個行李箱寫着擁有者出發點竟是「香港」，抵達「鹿特丹」。兩個海港，突然因為一個叫TooSchieMok的名字而接通。早在英殖早期，香港接駁世界不同地方，帝國主義下成為經商貿易及人口流動的轉折點。TooSchieMok來自中國寶安，一九一三年踏上赴歐之旅。他身無分文，全靠自薦在船倉裏工作，協助船隻保持足夠燃料，來換取一次次航程。因為，「當時許多荷蘭船員都不願意擔任這份苦差」。初到異地，只有一身好武功。他加入親友的馬戲團，表演飛刀、噴火、筋斗、雜耍。後來他學會荷語，並看準船業需要大量勞動階層，方為船公司擔任人事中介，主要介紹華人水手到荷工作，生活慢慢得到保障。這個故事遠超於「成功移民故事」，竟然勾起更大的一塊懸疑面向。為更了解故事主人翁，經一番追查找到TooSchieMok的孫子Marco Mok，他一直找尋其祖父故事。Too Schie Mok名為「莫土齊」，娶了一名荷藉女子，組織小家庭。原來，他擔海港故事由行李箱迷宮陣說起任中介及開設水手宿舍生意後，旋即在華人、荷人圈子獲得名氣。由於當年華人持槍案件增加，他不時擔任法庭上翻譯，似乎在黑白兩道的邊界遊走，最後竟離奇死去。除了看到赤裸裸的生存、權力、金錢故事，他的故事亦流露了種族與階級的凝視。

一個人的生命可以多麼細小，彷彿永遠被所謂的「時代」牽引着。在迷宮陣旁邊，博物館展示了一條時間軸，上面載有鹿特丹的歷史線，展示大環境如何影響每一個人。歷史線往往反映了一種詮釋，甚麼事件應該保留或刪減，均代表觀點和權力。Fenix標記鹿特丹有關人民權益和港口發展的里程碑，展示城市平等、多元和務實的土壤。例如，早在一六一五年，大批因躲避葡萄牙政權屠殺的猶太人遷移至鹿特丹。市政府頒布指令，猶太人毋須像在大部分歐洲地區般配戴識別標記，減輕標籤狀況。然而，時間軸亦記載荷蘭商業公司與政府聯手的殖民措施，對印尼、蘇里南、南非地區留下影響。在歷史的大河上，你可感到命運漂來蕩去。然而，人仍能夠留下屬於他的風景。

四件作品折射去留脈絡

「遷徙的故事中，當然你會見到流離失所，你會見到不幸，但或者我們亦想帶出一點希望。人們亦有愛，以及你不能預想的堅韌。」Anne Kremers說。展覽分為遷移、身份、幸運、邊界、逃離及「家」區域，捕捉個體的私密故事之餘，亦反映世界時局各種問題，包括根深蒂固的歧視、文化壓迫、語言瀕危、全球化剝削、地緣政治等。你會發現，世界的脈絡總比想像中近，或能從別人找尋立身安命的旅程找到一絲連結。以下就點算四件作品，跟大家走在路上，細看點點變幻。

1 真相房間

Daria Khozhai作品Truth（2025-2025）

來自烏克蘭的藝術家Daria Khozhai作品Truth（2025-2025），用報紙製作成一間小房子。一九六○至一九九○年代，在蘇聯佔領烏克蘭時期，政府在基輔興建大量品質不齊、粗獷風格的混凝土房屋。居民將報紙鋪在牆上，作為修補和隔溫。而當時流通的報紙是蘇聯宣傳喉舌《真相》，被居民變作底層「牆紙」。二○二○年俄羅斯入侵烏克蘭，基輔受大量炮轟，藝術家老家亦被破壞，但藏在牆後的「真相」重新顯露人前。她以此為意念，以一九九一年烏克蘭獨立起的報章，與近年戰事的報章，按照她的童年房間重建成小屋，邀人內進參觀。

2 沒有兌現的承諾

圖為Ben Manusama畫作Place You Have Left Behind（2014）；右邊為一九五○年代摩鹿加人安置宿舍的文物。

二戰後，荷蘭欲從戰敗日本中奪回印尼。位於外島的摩鹿加人（Moluccan）不願追隨親近中央地帶、左派的印尼政府，因而與荷蘭結盟，望借力步向島嶼的自治體制。可是，他們軍事敗退，印尼一九四九年正式獨立。而摩鹿加人則要流亡荷蘭，而大部分人長年住在臨時宿舍。荷方無意兌現他們的政治承諾，愛理不理的政策讓他們活在裂縫之中。一九七七年發生摩鹿加人脅持火車，以抗議荷方對待，民眾對此羣體的不滿和歧視加深，形成更長遠的身份創傷。

藝術家Ben Manusama繪畫了當年脅車的女子Hansina Uktolseja。事件發生時，她被荷警射殺。爭議部分在於，至今仍不能肯定她當時是否持械。

3 廚櫃上的「外來」品種

Mario Sergio Alvarez作品De Tuin（2023）

De Tuin在荷語是花園的意思。藝術家Mario Sergio Alvarez剛剛移居到荷蘭時，找到一份搬運與裝潢類的工作，為客人拆除廚房廚櫃。因此，他得到很多被遺棄的櫃子木門。他根據一本荷語植物手冊，在木門上繪畫書中羅列的「異國品種」（exotic species）。這些「外來」植物因為長年累月或廣泛種植，慢慢又會被剔除在「異國品種」之外，成為當地植物。從而，他思考甚麼是外來，而自己會否可能有一天感到紮根。

4 你要去哪裏？

Efrat Zehavi的陶泥作品Where Are We Going（2020-2023）

藝術家Efrat Zehavi二○○一年從以色列首都耶路撒冷搬至鹿特丹，旋即被這裏的多元氛圍吸引。在委約作品Where Are We Going（2020-2023），她一共記錄一百一十六位Rotterdammer（鹿特丹人），一邊聊天一邊把他們的肖像做成陶泥雕塑，細味每個人的故事。有些人透過朋友認識，有些人只是在街上遇上。跟他們聊天時，她發現：「當你問人們將要去哪裏，他們往往會告訴你他們從哪裏來。」藝術家決定不去燒烘那些泥公仔，即是陶泥隨時會轉變形狀。她認為每一個人的身份都不是永恆，在保存和改變之間，來來去去。

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最近有兩間摩天大樓高層新酒吧開幕，同樣坐擁無敵維港海景。包括中環The Henderson三十八樓Peridot，全橄欖綠色裝潢配二萬盞人手鑲嵌燈泡，領人飄浮於無垠國度；尖沙咀金普頓酒店五十樓Swim Club，以和暖色調、格子條紋與巧妙細節，呈獻上世紀六十年代南加州泳池俱樂部。一冷一熱，一靜一動，使下班後的晚上變得更令人雀躍。

Swim Club @ Kimpton Tsim Sha Tsui

Peridot @ The Henderson Central

Peridot 自然未來主義

sculptural
吧台、梳化、邊桌、枱燈⋯⋯一切元素均呈圓弧型，全經過精緻設計和精準執行。整間酒吧是一件巨型雕刻藝術品，細節決定高度。

使人一見難忘的大膽設計，整個酒吧是橄欖綠色的，磨砂圓柱燈泡鋪天蓋地，使人猶如置身一個巨大Disco Ball。由多倫多設計師Paolo Ferrari操刀，創作靈感是Nature Futurism（自然未來主義），「在開始項目時，我們看到這座建築本身就相當獨特。」The Henderson是由傳奇建築師Zaha Hadid事務所設計、受香港市花洋紫荊花蕊啟發的、擁有氣球外觀的中環新地標。「這建築很漂亮、前衛，所以酒吧的室內設計理念亦是創造一個面向未來的奢華空間，同時引入自然元素，喚起人們一種不落俗套的熟悉感。」

另一亮點是流線型大理石吧台，以實驗性及藝術性方式運用光線—波點燈泡、內嵌壁櫃、背光金屬與拋光鋼質，折射出醉人光影，突顯珍稀烈酒之美。

home kong
這是Ferrari第一個香港項目，嘗試低調地運用本地元素，如女廁牆壁印花靈感源於王家衛電影的一襲襲素色旗袍。

outer space
香港是一個生活節奏甚快的城市，設計師希望營造一個獨特氛圍的酒吧，讓人在打開升降機門那一刻，即覺得走進了市中心的另一個空間。

Swim Club 1960 南加州風情

這裏暗藏大量泳池元素，你找到幾多個？池底藍白色馬賽克階磚牆身、泳池邊樓梯扶手造型吧枱水龍頭、游泳分隔線道波波天花板⋯⋯新開幕的香港尖沙咀金普頓酒店頂樓設有天際池畔酒吧Swim Club，由本地梁志天酒店設計（SLH）打造，無孔不入地在各樣細節滲入上世紀六十年代南加州泳池俱樂部風光，格子與條紋、暖色裝潢與氣泡燈光、波紋玻璃與幾何形狀，像定格在一齣舊時代荷李活電影。

「我們沒有特別設計打卡位，我們反而是想用設計去呈現出一個故事⋯⋯我們聯想到六十年代，一班太太在帶小朋友上學後，聚在酒店泳池旁邊閒聊社交的畫面。」SLH設計董事陳恒恩敘述着設計靈感。

high dive 酒吧內有隱藏房間，無懼色彩與線條踫撞，設計依舊高雅。低調運用泳池條紋、曲線枱面等水底元素，延續六十年前南加州游泳俱樂部主題。

圓形吧枱頂部是一把巨傘，啡土紅色的手造質感，極具戲劇性。酒吧燈光能隨主題更換，適合派對宴會、休閒小酌、狂野派對，用途百變。

隱藏房間使用跳水主題牆紙與維港景色相映趣，整體氣氛較主餐區華麗沉穩，但不失玩味。

California
空間用色尤其出色，溫暖木質作吧枱邊框、馬卡龍色木櫈、棗紅馬賽克仿泳池磚、弧形光管水龍頭模仿池邊樓梯。妙用低飽和度色系，令人感覺身處熱浪的海灘，瞇眼遙看蒸氣騰升。

SLD營運總監梁力恒（左）和設計董事陳恒恩說，設計難度之一是如何平衡酒店住客使用泳池的舒適度，與公眾享用酒吧的權利，因此在池畔設置了多個兼具美觀和私隱度的小陽牀座位。

酒吧也設有露天海景座位，可從五十樓居高臨下飽覽無敵海景。但要接受，風勢有時很大。

每一個露天泳池設備都經過精心設計，如這盞蘑菇型花灑頭其實是洗腳池。務求令室外泳池和室內酒吧風格統一。

酒吧外是貨真價實的游泳池，但游泳池僅限酒店住客使用，而Swim Club則向公眾開放。

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