「Spiral in Moonlight」系列聚焦中環The Henderson的藝術花園。Gary在 blue hour 捕捉燈光順著螺旋鋼梯蜿蜒而上的軌跡——樓梯宛如一條發光的通道，從畫面中央盤旋攀升，四周的玻璃大廈則以垂直線條框住整個構圖。冷冽的藍色光線與鋼材的寒光相互輝映，加上周邊建築的零星燈火，勾勒出一輯「藍色版」中環夜景。

除了年度冠軍，Gary還憑以下作品奪得多項大獎，其中多個系列早前已於其他國際賽事中獲獎：

– 白金獎：「Steps to Enlightenment」系列、「Hong Kong in the Veil」系列、「Orbits in Orbit」
– 金獎：「High and Proud: HSBC Main Building」、「Look Up: HSBC Main Building」、「Inside Out: HSBC Main Building」、「Concrete Memento」系列、「Ring of Life」系列、「Clean Vision」

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We like to do big things, and we want to do big things. ——6:AM

「6:AM」玻璃工作室名字由來自威尼斯玻璃島Murano的工匠每日清晨六時開始一天的工作。雖然工作室創辦在二○一八年，但奠定現在創作方向和以「6:AM」命名則是在兩年後新冠疫情期間發生。兩個創辦人接受專訪時描述，當時因為疫情封關被困在威尼斯一個月無所事事，每日便駕船環遊潟湖，那裏空無一人，很魔幻。「我們每天都去Murano到訪玻璃工坊，因為有一些工坊還在營業，我們便去查看檔案或探索新技術，那一個月陽光總是很燦爛。這個月我們知道了自己想做甚麼，我們改變了公司的名字和願景。改變了我們的人生。」

創辦八年，6:AM成功將近千年歷史手工製作的Murano玻璃帶上國際高端舞台，成為受人追捧的Bottega Veneta玻璃凳、片狀吊燈Paysage、1/1/1冰磚枱⋯⋯他們去年在米蘭設計周舉辦首個個展「Two-Fold Silence」作為出道至今的成果展，而今年舉行的第二個個展「Over and Over and Over and Over」則是未來發展方向的高調宣言——從現在開始，我們想建造真正的建築。

6:AM由修讀經濟的Edoardo Pandolfo（左）和建築師Francesco Palù組成

改造廢棄更衣室 把舊地歸還給城市

「Over and Over and Over and Over」在泳池旁廢棄建築Centro Balneare Giulio Romano舉行，大樓建於一九二九年，室內有多格更衣室與大型中庭。6:AM創辦人Edoardo Pandolfo解說，這幢建築原本是泳池的輔助設施，人們付費進入大樓更衣，在中庭將衣服交給職員，領取號碼牌，之後便可到戶外泳池暢游。但後來泳池歷經幾代轉變，夾在泳池和建築中間的戶外公園被開放為社區遊樂場，這建築失去作用，已被丟空超過十年。「就像我們去年在舊公共浴場Piscina Cozzi辦個展那樣，我們重新開放了一個關閉了長達四十年的空間。」

創辦人Francesco Palù補充：「我們想將這些鮮為人知的、人跡罕至的地方，歸還給這座城市，這也是我們的目標。」在去年米蘭設計周個展最後一日，他們鎖定這兒作為第二個個展的場地，開展整整一年的策展過程。

在廢棄更衣室中庭疊起一百二十六張玻璃凳，形成一面巨牆作品「Batch」。

重複的必要 疊物件砌牆

展覽探索如何將手工玻璃品變成巨型建築結構，例如牆壁、柱樑、屏風。「以手工玻璃技術來說，我們無法製作巨型物件，因此透過重複物件來實現建築尺寸。」Edo說。展覽共有十四組裝置，規模最大是Batch，在建築中庭用一百二十六張正方形玻璃凳砌成巨幅牆壁。

BATCH透過不斷重複正方凳，形成巨牆，只有一行玻璃帶有顏色。

中庭原本和周邊的小型更衣室和走廊打通，但Francesco刻意用薄紙圍封中庭四周，使參觀者從昏暗小室走進中庭時因窗戶透出日光感到豁然明朗，並在仰視高聳的Batch時油然產生敬畏之情。「它還能營造一種錯覺，當你進入這個空間時，它看起來像是一堵玻璃磚牆，你不會意識到它們是凳子，但它們實際上是一件件產品，這就是我們想達到的效果。」

其他牆壁裝置都用上相似概念，例如全長4.65米、懸掛在天花板的石碑3mm Stelae，每一件石碑以金屬結構連接六塊3mm玻璃片組成。「今次所有作品都很難造，尤其對於我們這間規模細小的工作室而言。而且我們所有成員都好年輕，全部是四十歲以下，在意大利這個歷史悠久的國家來說，三十歲被視為是嬰兒。」

懸掛天花板的3mm Stelae由金屬扣連結六塊玻璃薄片組成，產品看似用途不明，引發參觀者靠近端詳，驚覺玻璃片僅厚三毫米，薄如紙。

他們提到展覽入口一面黑色的、大型玻璃燈牆Paysage Walls一度在眼前全塊碎裂。「黑色玻璃首先就非常難製作，因為它非常稀有、成本很高（黑玻璃模具在燒製後很難完全清理，往往要待模具壽命將盡才用作製造黑玻璃）。但我們不知道的是，黑玻璃的物理強度遠低於透明玻璃，因為它內部含有大量礦物質。當時我們正將一塊黑玻璃接駁另一塊黑玻璃上，突然就整塊碎掉了。」他們因此改良結構，透過小型鋼鉤連接每一塊玻璃，將整組懸掛於天花，形成巨幅玻璃牆。

Paysage Walls一黑一透明從地板延伸至天花，探索手工玻璃品成為牆壁的可能性。

用堆疊建造巨大結構，亦即展覽名稱想帶出的「重複」意味。重複亦同時是工匠製作玻璃的過程，透過不斷重複工序來改進產品，因此，策展語說「Artisans repeat in order to produce difference.」看似重複、一模一樣的步驟，其實是為了達致最終的不同。

6:AM認為其實每一個人，日復一日的重複性日常，看似沉悶，但實質在變幻原是永恆和選擇無窮無盡的世界中，提供了平靜和方向，就像愛爾蘭劇作家Samuel Beckett《等待果陀》的精髓：沒有事情需要解決，果陀永遠不會來到。6:AM相信「重複不是等待，而是堅持。這是繼續下去的唯一途徑。」

玻璃是人的故事 一步步達成夢

回帶到成立之初，為何會以傳承Murano玻璃為己任？Francesco分享，十年前在一間藝廊認識Edo，Edo本身是威尼斯人，「其實對於建築師來說，即使是意大利建築師，要在Murano進行度身訂造的玻璃項目都是非常困難，因為Murano有自己的文化和方言，而Edo的出現打破了這個隔閡。」

Edo說意大利人的工作文化和中國人有點相似，同樣會關心工作夥伴的家人。現在6:AM每每到訪工坊都會獲工匠們如像對待親友的熱情回應，「所以Murano玻璃是一樣以人為本的工藝，建立關係是最重要的事，這同時帶來更好的產品。每一件作品都蘊含豐富的人性，它不止是一件產品，更是一個故事，代表着人與人之間的關係。」

1/1/1系列花瓶，Murano手工吹1/1/1系列花瓶，Murano手工吹製玻璃，形似冰磚。

談到未來願景，要將通常只有一張凳大小的手工玻璃製品變成巨型建築結構，是一種突破和創造。在訴說這夢想時Francesco流露出一絲不確定性，「實現夢想是困難的，這肯定是一條漫長的道路，我們需要合作夥伴，例如米蘭理工大學，或其他擁有支持這種知識的研究機構，但我認為我們能夠做到。」

Edo神情亦變得溫柔：「我們才剛起步，還有很多事情要做。就像你眺望遠處的山，但只要你堅持走下去，一步一步，最終就能夠到達。」

彩色1/1/1系列邊桌置在鏡上展示，與天花板格狀窗戶倒影呼應。

更衣室展示Ultras壁燈系列，採用Murano傳統A Canne工藝吹製，一盞燈由一塊玻璃製成，減少浪費且彰顯工藝。

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跟香港設計師張凱琨（Dennis）看米蘭設計

張凱琨（Dennis）
香港註冊建築師，室內及產品設計工作室Studio RYTE創辦合夥人。二○○九年港大建築學士畢業，二○一三年獲美國麻省理工學院建築碩士，現為港大建築學院兼任助理教授。二○二三年憑亞麻纖維三腳凳Triplex Stool 4.0膺米蘭國際家具展衛星獎二獎。

①HOW 吸收新知一日遊行程

11am 6:AM展覽

地址：Piscina Romano, Via Andrea Maria Ampere 24

地鐵站：Piola

12:00nn 食雪糕

Artico Gelato

地址：Via Giovanni Pacini, 17

小貼士：在米蘭食Gelato意式雪糕，認住店面有「Artigianale Contemporaneo」字樣，代表是手工製作雪糕，有質素保證！

12:30pm 午餐

Marghe Pizza

地址：Via Plinio, 6

地鐵站：Lima

3:00pm SaloneSatellite（米蘭國際家具展衛星展）

地址：Fiera Milano Rho（米蘭國際會展中心）5-7號展館

地鐵站：Rho Fieramilano

小貼士：可直接在地鐵站登上免費穿梭巴士前往5-7號展館，只看衛星展收費全免，可即場登記入場。

5:00pm  The Rossana Orlandi Gallery

地址：Via Matteo Bandello, 14

地鐵站：Conciliazione

7:00pm Chopsticks箸展覽Cocktail Party

Via Pietro Giannone, 3

地鐵站：Moscova

三個心法： 善用周一、早上與八二法則

Dennis已經是第八年來訪米蘭設計周，無論觀展和參展都經驗豐富。作為一個目標為本的精明參觀者，他早在出發一個月前準備行程，包括參考Dezeen等大型設計雜誌網上資料，「設計師通常大半年前已準備展覽，我們好早會知道有哪些大牌子會和設計師合作。」

他提到米蘭設計周在周一開始，主展覽米蘭國際家具展則在周二開幕，「星期一我會定一些想看的東西，今次第一天就去Alcova。星期二一定去會場看衛星展，除了因為我有（參展過的）情意結，亦因為大部分是學生或新設計師作品，好多時會有新啟發和嘗試。」他又特別提到，很多活動在星期日、一、二進行嘉賓預覽日，大家要留意開放時間勿摸門釘。「我用八二法則，即兩個地點願意花多時間排隊，另外大部分盡量安排不用排隊的時間去，不用排隊通常是甚麼時間呢？一定是早上。」

哪個展覽必看？「一定是看口碑，Alcova（始於二○一八年）過去六年很紅，是真的做得幾好。不過可能我今次期望太高，今年沒想像中好看。」獨立設計平台Alcova每年設計周均在不同地方設展，並以收藏為本的設計品為主，亦是今次三位受訪設計師都有到訪參觀的唯一一個展覽。

至於六大設計區Porta Venezia，Brera、Tortona、Durini、5VIE和Isola，他自己偏好Brera和5VIE，「假設你是一個會做裝修或想買傢俬的人，而你是喜歡意大利設計，就算你不入主會場，你可以去Brera，有很多大牌子如Cassina、Poliform、Porro的門市，氣氛很好。我會將所有同一區活動group在同一日，盡量步行內完成。」

但口碑再好，可能明年已滑鐵盧，例 如Dennis今年有專程到訪Tortona區的Superstudio展覽便大感失望，「Superstudio 十幾年前是很勁的，但現在已經不厲害了。本身我以為今年有Moooi廿五周年展覽會帶動到人流，但其實不是，都好像未能租出所有空間。」

設計周活動之多，質素難免良莠不齊，連設計師都會中招，因此他建議大家放鬆心情：「如果大家是設計愛好者，其實放慢腳步、放鬆個心情來去接受一些驚喜是會好的。」

思考HOW怎樣做到的？

參觀時，Dennis抱着開放的學習態度，腦海思考的問題是HOW，包括這件東西是怎樣做出來？設計師又做了甚麼達致現在的成功？「有時候都要求自己，遇到不明白的地方，真的去問現場人員或設計師。因為這部分是你沒可能在網上得到答案。」

例如，他和記者前往的第一個展覽是玻璃工作室6:AM個展，他想了解這間近年爆紅的工作室是怎樣平衡商業和創意，「我欣賞的設計偏向具功能性或科學性一些，如果不是這兩點，看展的心情就偏向看藝術品。但6:AM兩邊元素都有，既有工藝又有設計，他一邊復興威尼斯傳統Murano glass，但其實不是玩一些特別形狀，全部是很簡單的一塊塊或一個個正方體，但有些變化，最終他可能好成功的原因正是結合到科學性又藝術性兩者。」

觀展後，Dennis一臉滿足：「我好開心，我看到想看的，又覺得那件東西值得看和有質素，這些是社交媒體給不了你的滿足感。在設計周，你最後一定會錯失很多，但你無得驚，你只有選擇一些你自己感興趣的東西去看。」

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街頭智慧重現米蘭：《竹棋・茶桌》的跨文化對話

此次代表香港出展的首發作品名為《竹棋・茶桌：升級再造象棋桌椅組合》。這套全手工打造的設計，具體呈現了工作室「化廢為妙」的再生設計理念 。作品每一寸細節皆蘊含着深厚的香港本土文化特色。

桌面表面採用了升級再造的石材複合物料，創新地揉合了港式奶茶茶葉與竹纖維廢料，以此分別向香港標誌性的飲食文化及傳統竹棚工藝致敬 。桌椅的主體結構，則是以升級再造的 PET 及 PETG 塑料，透過立體打印技術製作而成 。

《竹棋・茶桌：升級再造象棋桌椅組合》

設計團隊期望透過一桌兩椅，邀請觀眾聚首對弈，在棋盤上遊走於中西傳統之間，藉此開啟一場跨文化的對話，並親身感受物料背後承載的故事。桌子表面所使用的材料，是在香港本地收集的奶茶茶葉回收再做而成。reEDIT 聯合創辦人 Jacqueline Chak 直言：「我們正嘗試以此為媒介，訴說着物料來源地的故事，將家鄉的文化基因推向全球視野。」一杯港式奶茶往往伴隨着茶餐廳裏的喧囂與人情味，reEDIT 認為這正代表着這座城市獨有的節奏與氣味。將這些用完即棄的茶渣回收，透過升級再造技術將其封存於堅固的桌面之中 ，讓它在環保之外，更是一種帶溫度的「物料記憶」。另一位聯合創辦人Genevieve Chew表示：「我們希望的是當觀眾觸摸這張桌子時，感受到的不是冷冰冰的工業產物，而是帶有香港在地溫度、承載着真實生活軌跡的文化載體。」

同時，他們將象棋桌視為「兼具功能與社交價值的載體」，回應當下數位生活主導下、線下交流日漸式微的現象。昔日香港街頭巷尾常見的對弈光景，曾是社區連結的重要紐帶。團隊希望能以作品保留並記錄這種實體互動形式，以及將東西方象棋的元素融合為一物兩用的棋子形態，讓作品不只是一件靜態的展覽雕塑，更是一個能讓人們坐下來、持續對話交流的微型空間。

《竹棋・茶桌：升級再造象棋桌椅組合》

「化廢為妙」的推手

Jacqueline 與 Genevieve於二零一四年共同創立了香港本地設計工作室EDITECTURE，其後更建立了專注於研發及生產永續物料的reEDIT Lab。兩人背景截然不同，卻在設計與商業上達成了完美的互補。

Jacqueline 擁有倫敦大學學院的建築學士及碩士學位。在回到香港建立多領域的設計實踐之前，她曾於倫敦及東京的知名設計工作室磨練技藝。過去十年間，她開創了垂直整合的循環設計方法，涵蓋廢料收集、分類，並將消費後的塑膠廢料轉化為家具、零售空間及大型建築裝置 。

Jacqueline 對設計的遠見，讓她於二Ｏ二三年獲 Design Anthology 評選為年度女性設計師 。

Genevieve則畢業於倫敦政治經濟學院會計學系，並曾受訓為特許會計師。二Ｏ一一年時，她更大膽跨界成為設計企業家，創辦了時尚生活品牌EDIT，將其從香港Soho區的一間精品店，發展成在全球三十個國家、超過一百家門市銷售的國際品牌。身為創意總監，她為 EDIT 賦予了鮮明且耐看的標誌性美學，這份特色亦繼承到後來的reEDIT。而當兩人創立 EDITECTURE 時，Genevieve 將這份商業嚴謹度與創意敏感度帶入更大的舞台，負責統籌品牌策略、業務發展以及工作室日益增長的零售與酒店項目。她的轉型軌跡反映了工作室的核心信念：最具變革性的設計決策，不僅關乎物料與工藝，更關乎願景與價值觀 。

Genevieve 由倫敦政治經濟學院畢業的會計師跨界至設計創業，為工作室注入了敏銳的商業策略與品牌視野。

過河之卒：從本地實踐邁向世界舞台

秉持「讓設計延續」的信念，reEDIT 一直探索永續設計與材料創新。至今，工作室已透過與 多個知名品牌的設計合作，累計回收超過六千多公斤塑料廢料，並成功節省了二千多公斤的二氧化碳當量。在精湛的工藝下，回收物料得以重新交織，構成一件件兼具文化底蘊、環保意識及社交功能的物件。

在中國象棋的規則中，有「過河之卒，力可當車」一說。作為今年獲邀參展米蘭的香港設計工作室，reEDIT將此次歐洲之行視為一次意義深遠的「過河」。象徵着一場跨越，更代表着她們由香港出發，從本地的升級再造實踐穩步走向世界舞台，堅定地將日常的廢棄之物，蛻變為引發全球共鳴的設計瑰寶。

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米蘭設計周來到最後一日，不少人都說今年無論城內和會場人流都少了許多，尤其是米蘭國際家具展（Salone del Mobile Milano）人流更是疏落。記者現場直擊會場，亦深有同感。主要原因有三，一、愈來愈多品牌放棄在會場設展，選擇自行在市區辦展覽；二、社交媒體興起，很多設計師可自行銷售產品，不用再仰賴大品牌為他們生產；三、比起量產家具，潮流漸漸趨向購買限量collectible pieces（收藏品）家具。這些因素都令米蘭國際家具展作為一個展銷會的吸引力和影響力漸次下降。到底未來要如何走下去？

首設珍藏展區Salone Raritas引入畫廊

來到第64屆，米蘭國際家具展推出新展區Salone Raritas（沙龍珍藏），在9號展區闢出一個新角落，28間畫廊和設計工作室帶來稀有家品、古董和手工設計品，這裏儼如一個個藝術展覽。

城內知名畫廊如NILUFAR、Gallery Philia、Side Gallery等亦有參展。其實NILUFAR、Gallery Philia等畫廊本身在市內場外展（Fuorisalone）都有舉辦展覽。今次家具展則首次將場外展引入展場內。亦有一些品牌藉着Salone Raritas機會與知名建築師合作，期望相得益彰。例如Zaha Hadid Architects聯乘義大利石材品牌 NEUTRA；瑞士建築事務所Herzog & de Meuron 聯乘意大利傢具店Marta Sala Editions。

B&B Italia闊別廿五年重返會場

另一單重磅喜訊是意大利家具龍頭之一的B&B Italia闊別米蘭國際家具展廿五年後，今年再次重返會場，帶來多件新家具。展廳不走花巧，反而以簡潔藝術空間般布置，刻意去除一切多餘布置、刻意燈火通明，說明對新家品的信心。今次重返會場是為了慶祝品牌成立60周年，發表與多個設計師合作的聯乘新品，同是推出復刻家具。

到底今年有什麼新家具潮流？有哪些觸目新星？更詳盡的米蘭設計周和米蘭國際家具展的報道和訪問，請留意下月刊出的《明周文化》專題報道。

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一、品牌新品

愈來愈多時裝品牌在本周推出新家品，大牌子Hermes、LV等是每年設計周常客，新家具固然是質素保證，展覽亦顯得用心策展；去年Longchamp加入戰團，首推出家具木椅和桌系列，今年則有Aesop首次推出燈具。

二、打卡景點／建築師裝置

每年設計周，市內會出現大量可供「打卡」藝術裝置，尤其在米蘭古蹟位置擺設，吸引大量參觀者到場留影，在Brera設計區很常見。不過，今年設計周比去年失色，去年有巨型發光旋轉書架Es Devlin的《光之圖書館》 （Library of Light)，呼應去年米蘭國際家具展（Salone del Mobile Milano）的燈光展主題。

Lina Ghotmeh的Metamorphosis in Motion

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh在Palazzo Litta，帶來亮粉紅色Metamorphosis in Motion，在建築中庭設置迷宮，分成七區——香水體驗、沉浸式聲音、靜觀位置等。同幢建築的一樓舉行MoscaPartners Variations的新設計展覽，今年主題是Metamorphosis（變態）。

藝術家Sara Ricciardi的Serotonin – The Chemistry of Happiness

去年《光之圖書館》 場地Cortile d‘Onore，今年中庭擺放了American Express和藝術家Sara Ricciardi的氣球裝置Serotonin – The Chemistry of Happiness (血清素－幸福的化學成分) 。

American Express聯乘Sara Ricciardi

今年則缺乏兼具深度和亮眼的大型裝置，不過每年仍然會有一些由建築師和品牌合作在市內設置的藝術裝置，例如今年有挪威建築師樓Snohetta與家具品牌Vitra合作、Zaha Hadid Architectures聯乘Audi等。

三、深度展覽

不少設計師亦會選擇在設計周內舉辦個展，今年深度展覽有乾花設計師Marcin Rusak Studio的Forum Florum: Herbarium of the Present；玻璃設計工作室6:AM的OVER AND OVER AND OVER AND OVER等。亦有一些國家會舉行主題展覽，例如烏茲別克藝術與文化發展基金會（ACDF）今年在Palzzo Citterio舉辦「杏花盛開之時」（When Apricots Blossom），展示當地工藝、歷史與文化。

Marcin Rusak Studio的乾花個展Forum Florum: Herbarium of the Present

6:AM玻璃展覽

烏茲別克展覽當杏花盛開時

四、實驗展區／藝廊

相比起賣產品的米蘭國際家具展，場外展（Fuorisalone）則有較多實驗性和藝術性較高的設計，The Rossana Orlandi Gallery、Tortona區BASE Milano、5VIE設計區都是備受關注的展場。而近年名聲大好的Alcova更是，幾乎每個設計師都說要去看看的大型實驗性設計展場，即使收費仍然吸引不少人參觀。今年Alcova在Baggio Military Hospital和Villa Pestarini兩地舉行。

在Baggio Military Hospital舉行的Alcova展區。

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專注Murano玻璃創作的米蘭設計工作室6:AM，在泳池旁廢棄建築centro balneare giulio romano舉辦展覽Over and Over and Over and Over。

專注Murano玻璃創作的當紅米蘭設計工作室6:AM，今年米蘭設計周，在泳池旁廢棄建築Centro Balneare Giulio Romano舉辦展覽Over and Over and Over and Over，展出共十三組手工玻璃藝術品。

6:AM成立於2018年，創辦人是Edoardo Pandolfo和Francesco Palù。今次展覽主題是「重複」，策展語提到日常的重複性，如每日的鬧鐘、通勤路線、相同行為與關係，在不知不覺間，其實建構着我們的每一日，看似沉悶，但實質在變幻原是永恆和選擇無窮無盡的世界之中，「重複提供了平靜和方向」。如工匠製作破璃，他們透過不斷重複步驟來改進產品，「重複因此提供穩定，同時容許過程中出現偏差、風險和不確定性。」

因此，重複其實是為了達致最終的不同。這就如像愛爾蘭劇作家Samuel Beckett《等待果陀》的精髓：沒有事情需要解決，果陀永遠不會來到。重複不是等待，而是堅持。這是繼續下去的唯一途徑。Repetition is not waiting, but insistence. The only way to continue.

重複並不是徒勞。

十三組玻璃裝置 燈與牆

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米蘭設計周2026開鑼，《明周文化》繼續現場直擊，編輯盤點今年最觸目展覽必定是由烏茲別克藝術與文化發展基金會（ACDF）在Brera布雷拉區Palzzo Citterio舉辦的「杏花盛開之時」（When Apricots Blossom）@uzbekistanmdw 展覽，引來大量排隊人流。

在奇特里奧宮（Palazzo Citterio）展覽門口外牆上懸掛着烏茲別克彩色流蘇掛毯，作品名為Bringing the Inside Out，由設計師Bethan Laura Wood與卡拉卡爾帕克族（ Karakalpak）和烏茲別克工匠共同製作，靈感源自蒙古包裝飾，主色選用檸檬黃橙色和工業船的綠色，是設計師在烏茲別克實地考察時發現的兩種顏色。

進入奇特里奧宮，簡潔的木展亭展示展覽資訊，展亭頂部有漂亮的彎曲白色布緞。沿樓梯步下主要展覽空間，令人心臟直漏了一拍，由明媚戶外轉入昏暗橙紅氣氛，如夜幕低垂時走進一片蘆葦當中，是由泰國建築師Kulapat Yantrasast @thekulaparty創立的WHY Architecture設計的展覽空間。

主展覽邀請了十二個國際設計師赴烏茲別克考察後，與當地工匠合作，設計出麵包印章和托盤。因為烏茲別克有一項獨特的麵包文化，在烘焙前用印章將複雜圖案印在麵團上，每家麵包店和家庭都有自己專屬印章。受邀設計師包括擅長木工的香港設計師吳頴賢 @dd_ng，他創作出柔軟平實的蘆葦托盤，和擁有夏威爾果仁外型的麵包印章。

展覽亦播放電影About Where The Water Ends，講述烏茲別克鹹海 Aral Sea快速消失，人民如何面對和保存記憶。鹹海位於烏茲別克西北部，曾是世界第四大淡水湖。自1960年代以來，由於蘇聯時期將兩條主要支流的水引流灌溉棉花田，鹹海面積減少約90%。聯合國將鹹海的萎縮列為歷史上最嚴重的環境災難之一。

離開展覽回到戶外之前，一棵粗獷的杏枝藝術品A Thousand Voices令人震撼，是由藝術家Ruben Saakyan和Roman Shtengauer創作的杏枝雕塑裝置。在烏茲別克Karakalpakstan，杏樹花期短暫，但標誌着春天到來。 A Thousand Voices取材自收割季節收集回來的枝條，作品枝條稀疏反映出失去的感受。

杏枝藝術品A Thousand Voices

整場展覽最後，由WHY Architecture設計的展亭the Garden Pavilion作結，兩層木構建築，建築名為Deconstructed Yurt（解構蒙古包），展現烏茲別克工藝和文化，建築無論日夜均恬靜迷人，是一個向參觀者藝術家和漫遊者敞開的空間。記者到訪時，展亭內正舉行製作麵包印章的公眾工作坊，參加者在綠野中敲打。

Kulapat Yantrasast同時是今次展覽的總策展人，他說在烏茲別克深深感受到當地手工藝緊密融入人民日常生活，因此希望透過展覽展出工匠們的作品，帶出設計的真正意義——獨創性、韌性以及化危為機的能力。

至於，展覽名為「杏花盛開之時」When Apricots Blossom的原因是，源於烏茲別克作家Hamid Olimjon在1937年創作的同名詩歌，這首詩描繪杏樹頑強生命力。ACDF主席Gayane Umerova表示：「今次展覽的出發點在於相信春天終將回歸——即使面對變遷，延續性依然存在。在鹹海地區，海水或許無法重現，但社會和文化解決方案可以帶來希望。」

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石川的本業是IT公司上班族，從事生成式AI相關工作，同時以副業身分從事創作，反應熱烈時甚至會和企業合作，將創作開發成實體商品。

大一時，石川參加了一場以「馬的餅乾」為主題的比賽。當時他幾乎沒學過平面設計，只交了一張鉛筆草稿。結果在那些繳交精緻展板和模型的前輩當中，他竟意外得了獎。那一刻他體會到：「只要點子（idea）抓住本質，就算呈現方式很簡單，也能獲得肯定。」

現在石川任職的公司鼓勵員工從事副業、遠距工作、彈性工時等多元工作方式。石川的上司也兼差當 TikToker，追蹤者高達一百萬人，還鼓勵他說：「和也，你也試試看吧！」於是石川開始在社群網站上持續分享創意發想，直至貼文陸續爆紅，才有後來的商品開發，甚至出版了兩本書。

石川每天都在努力將想法變成現實。他在每一個貼文底下寫到，希望有一天能開一家可愛的雜貨店，販售自己的創作。

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然而，褪去這些充滿距離感的華麗標籤，我們更想探究的，是它冷硬金屬外殼下的一座為「人」而生、充滿歷史文化底蘊與人情味的立體空間。「四十而不惑」，《論語》中的這句，意指歷經歲月洗禮與世事磨礪，步入通透而篤定的境界。將這句話套用在滙豐總行身上，似乎再貼切不過。四十年來，中環的天際線變化不斷，維港兩岸的摩天大樓爭相拔地而起，時代的巨輪從未停止轉動；但它卻始終如一地堅守着剛落成時的承諾，那份全都是為「人」而設的初衷。

一紙「空白戰書」

時間回到一九七零年代末，香港的經濟正值騰飛，滙豐的業務版圖已擴展至全球超過四十個國家。建於一九三五年的第三代滙豐總行，儘管曾是遠東最高的雄偉地標，卻已漸漸無法滿足現代電子化銀行日益龐大的空間與技術需求。正值香港前途籌劃的重要時期，滙豐做出了在原址皇后大道中一號重建總行大廈的重大決定，向香港、甚至全世界，投下對這座城市未來充滿信心的一票。

一九七九年，滙豐邀請了七家國際頂尖建築事務所參與競圖。當時的福斯特團隊，在其他競爭者聽完簡報便匆匆離港之際，選擇留了下來。諾曼·福斯特與妻子在香港逗留了整整三個星期，穿梭於街頭巷尾，親身感受這座城市的高密度，觀察舊建築如何應對亞熱帶氣候，甚至着迷於舊唐樓外牆那些充滿生命力、層層疊疊的露台與霓虹招牌。這些充滿「人情味」與「適應力」的城市觀察，深深植入了福斯特的設計基因中。

管理層當年給予福斯特的任務要求，可以說是一份沒有既定框架的「空白戰書」：為滙豐打造世界級傑出銀行大樓。這份不談細節、只談卓越的氣魄，最終孕育出這座跨越時代的經典傑作。這是一份與城市共榮的承諾，為香港留下了一個跨越世紀的空間文本。

當科技遇上傳統

總行興建時是一場罕有的全球化建造工程，建築組件來自世界各地：鋼結構在英國製造，玻璃與鋁合金幕牆來自美國，而包含廁所的巨型機電服務模組則在日本的工廠裝配。團隊甚至找來設計和諧式客機的工程師，運用極為先進技術來研發輕巧堅固的樓板。

然而，當這些西方頂尖的高科技材料，飄洋過海抵達中環皇后大道中的施工現場時，包圍着它們、協助工人們進行高空安裝的，卻是香港最草根、最具韌性的傳統竹棚建築技術。

你可以想像那個不可思議的畫面：高空中，搭棚師傅僅憑幾根尼龍篾和一根根青竹，交織出立體鷹架。工人在竹棚上穿梭如飛，小心翼翼地將那些誤差不容許超過三毫米的美國航太級鋁合金外牆逐一安裝。這種前衛科技與民間傳統工藝在同一地盤上交織的強烈對比，不僅帶來強烈的視覺衝擊，更深刻體現了一種專屬於香港的「港式智慧」——以極致的靈活與變通，完美駕馭並成就世界級精密準則。

興建時，本地搭棚師傅以傳統青竹承托起西方航太級建材。視覺上對比震撼之餘，更體現了專屬於香港的「港式智慧」。

建構「天空之村」

若要更深入理解滙豐總行，必須先明白它如何顛覆了傳統摩天大樓的「冷漠」。傳統的辦公大樓，往往被福斯特戲稱為「串燒」。一個巨大的封閉式混凝土核心筒貫穿整座建築的中央，將每一層的空間劃分成環狀的走廊。不同層數間的員工毫無關聯，人們被困在靜止的平層與密不透風的升降機廂內，日復一日地進行着疏離的勞動。

「建築是關於人的」。 這是福斯特及當年設計團隊始終堅信的核心理念。為了解決空間上的隔閡讓建築回歸人性，設計團隊決定捨棄傳統，把機電服務、洗手間與樓梯全部推向建築的兩側邊緣，徹底釋放中央的辦公區域，創造出極度開闊的室內平原。更富人情味的，是大廈內部被稱為「天空之村」的立體社交網絡設計。福斯特刻意打破依賴單一升降機直達各層的封閉感，將大廈垂直劃分為五個區域。員工必須先搭乘高速升降機到達開闊的接待樓層，然後再轉乘扶手電梯前往各自的工作平層。整座大廈共安裝了多達六十二部扶手電梯，刻意營造宛如「村莊小徑」般的動線，讓人們在轉換樓層的過程中能夠產生不期而會、互相給個微笑、點頭問候，把冰冷的企業空間轉化為一個充滿溫度的微型社區。

沒有華麗矯飾的幕牆，大樓坦蕩地將猶如「衣架」般的鋼鐵骨架外露，用最真實的結構力量，挑戰了當時商業大廈對外表的刻板追求 。攝影：伍梓濠（Gary Ng）

把空間還給公眾

中環心臟地帶寸土寸金，滙豐總行卻將最具價值的底層空間徹底騰空，在地面創造出一個完全開放的公共廣場。平日中環白領們在這座巨大的鋼鐵庇護下快步走過；閒暇時，亦有市民在此停下腳步，仰望穿透玻璃腹部灑落的微光，感受穿堂而過的微風。這正是福斯特所樂見的景象，讓大廈不淪為一座資本堡壘，而是真真正正與市民生活共生共存的城市客廳，把空間還給公眾。

滙豐總行的底層空間徹底騰空，創造出一個完全開放的公共廣場。攝影：伍梓濠（Gary Ng）

海岸線的「老朋友」

四十年過去，中環的天際線日新月異，國際金融中心等更高的摩天大樓相繼拔地而起，重新定義了這座城市的高度。然而，當我們回望這座大廈，卻並沒絲毫的過時與老態。那開放的廣場依然包容着城市的喧囂，那外露的鋼鐵骨架依然向世人訴說着當年的破格。

四十年來，滙豐總行大廈始終靜靜佇立於皇后大道中, 與這座城市共同呼吸。攝影：伍梓濠（Gary Ng）

時至今日它早已不再只是一棟銀行總部，而是香港海岸線中不可或缺的一部分。而滙豐亦依然秉承着當年不斷創新、追求突破的精神，以這份前瞻視野與香港並肩前行。

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