Nippon吊燈獲膺今屆衛星獎首獎，3D打印出貝殼生物聚合物的薄片，再以手工塑造型態。

今年米蘭家具展衛星獎（Salone Satellite Award）得主，是丹麥哥本哈根雙人組合Russo Betak創作的「Nippon」吊燈，材料是由貝殼混合而成的生物聚合物（biopolymer），再經3D打印出透光的層次紋理。

設計師Søren Betak解說：Nippon吊燈屬於「Ark」燈具系列一部分，Ark在丹麥文代表Sheet（薄片），「首先用我們自己建造的大型3D打印機打印出薄片，然後將薄片再次加熱、進行雕刻，是一種科技與工藝的結合。」

Nippon又指日本，他們嘗試融合丹麥與東方美學，原來燈具形態深受日本紙燈啟發，因此今次展示空間亦以攤開六卷和紙捲軸作為整體裝飾，並計劃在展覽結束後回收捲軸，實現零浪費。他說自己在創作初期會減少接觸外界，避免受其他設計影響，「我喜歡觀察自己內心的靈感。」就如他年少時從時裝設計轉向家具設計，亦是順從自己內心的呼喚：「我修讀了雕塑碩士學位，發現自己既喜歡設計物品亦喜愛藝術。」

每盞燈均散發不同深淺的柔和橙黃，原來溫暖的焦糖色來自青口、白色來自扇貝、偏綠色調來自生蠔，顏色完全源於貝殼本身。「我們有一個很美麗的發現——貝殼主要由碳酸鈣組成。仔細看，它其實是一個微小的晶體，因此當光線照射它時，它會散射光線，這非常適合用來製作燈具。」

最初他們從住所附近海鮮餐廳收集貝殼進行創作，現在找到法國北部諾曼第的貝殼供應商支援項目。整個燈具研發過程歷時三年，最耗時是從零知識開始製造一台兩米乘一米尺寸的3D打印機器，以及仔細研究材料質地。用看似堅硬的貝殼打印出來的薄片，竟呈現一種水潤的光滑潤澤。

每盞燈都像海洋之物，像海藻，像絲綢，像詩。

Ark是他們第一個燈具系列，設有枱燈、吊燈和座地燈三款。

丹麥哥本哈根雙人組合Russo Betak

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一個愛馬仕水瓶歷經三年研發，從材料、工藝、光澤、手感，到斟水動作都考慮周全。

從一個水瓶，看見一個高端品牌做家品的精細思維。

金屬主題

今年米蘭設計周，愛馬仕以金屬為全新家品系列主題。愛馬仕家品創意總監Joséphine Ciaudo接受專訪解說：「去年探索手工及吹製玻璃，形態自然流瀉或呈現有機性，就像玻璃這種材料本身。今年我們選擇金屬，因為在各種材料中，金屬有優點也有缺點，優點之一是金屬令物件更有建築感和結構性，但缺點是處理金屬要求很高精準度，加工和錘打的準確度是以毫米計算，意味着必須注意到最細微的細節。」

愛馬仕家品創意總監Joséphine Ciaudo畢業於巴黎杜佩雷高等應用藝術學院，專注產品、紡織和平面設計，二○○六年加入愛馬仕任職設計師。 （Sylvie Becquet攝）

與透明的玻璃不同，金屬會反射光線，很容易曝露瑕疵。「所以它必須近乎完美，在金屬加工時容不下半點差錯。」

手工錘打鍍鈀金屬水瓶，配以相思木手柄，展現銀器工匠精湛手工。

顏色：啞光鍍鈀

單看相片，會以為水瓶是黑色的，但實物卻更接近銀白。瓶身明明只有一種顏色，但光一打，突顯了某處的白，旁邊卻揭露出更深邃的黑。從相片看，你會以為黑才是主色，白是反光；但原來白才是主調。

這種奇妙的色澤歸功於物料，「我們選擇鍍鈀金屬（Palladium）有兩個原因，首先它極為稀有，比黃金稀有十倍；第二它非常耐用，因為氧化程度極低，所以我們一直使用鈀金來製作所有手袋的扣環。」新家品系列名稱，亦用上與鈀金英文近似的古希臘女神帕拉斯（Palladion）。

接着，歸因於拋光工序，Joséphine形容金屬拋光處理是「火的藝術」，「因為金屬是從地球深處開採出來，經過拋光處理後變得光彩奪目。」這三年來，他們不斷測試和評估各種表面處理方法，希望找出「金屬的本質」，最終選定現在這種兼具啞光和亮光的色澤。「我們的設計理念是克制，而非過度堆砌；賦予它色彩，但又非常謹慎，因為色彩必須與產品形狀相符。」

圓筒花瓶穿上騎師綵衣，綵衣皮套由小牛皮及山羊皮製成。

混搭：幾種物料

Palladion系列共有四款產品，水瓶、兩款花瓶和枱頭擺飾，而每一款都不獨使用金屬，而是同時配搭其他物料。包括水瓶與相思木手柄、花瓶與小牛皮和山羊皮皮套、花瓶與蜥蝪皮革和馬毛，還有金屬擺飾的紫藍色山羊皮繫繩，物料和色彩配搭別出心裁。

「其中一個有趣的過程是，我們想結合金屬和黑色皮革，黑色皮革本身帶有一種近乎磷光的質感，有時很光亮，有時又很深邃，你能從花瓶中感受到這種光澤。」要將金屬結合其他物料，則非常考驗工匠的技術。

擁有黑色馬毛裙襬的花瓶，皮革飾邊則是蜥蝪皮，一個花瓶三種黑色光澤。

工藝：請教專家

結合金屬和其他材料，非常考驗工藝，工匠技術至關重要。「運用不同材料，我們請教不同專家。例如花瓶，我們請假髮師傅製作馬毛部分；水瓶木柄，我們找來鑲嵌大師幫忙。」

工藝：古老機器

「你知道Polenta（玉米粥）是甚麼嗎？」訪問時，Joséphine提起一種意大利農民傳統食物。「它是一種非常基本的食物，它能夠保存好幾天，可以搭配任何食物一起享用，但它必須放在一個特別盤子裏，下面要墊一層東西，否則它會腐爛。幫我們製作枱頭擺飾的工匠就是用同一台機器來製作Palladion d’Hermès盤子，一部非常古老的機器，是他們家族傳承下來的。」

深度了解金屬物料，並銳意發展出一種圖形語言，展覽佈置亦以圖形為主題。

動作：讚美雙手

將金屬用於家品，重量是一個問題。但Joséphine說所有家品都很輕盈，令用家在使用產品時動作優雅，「設計水瓶時，我們不僅考慮金屬重量，還考慮了裝水後的重量，以及往杯子裏倒水時，如何令動作更加優雅。」

他們還有一個饒富深意的設計哲學——讚美雙手，包括製造者和使用者的手。「我們經常坐下來討論一件物品的各個方面，例如重量、罐子的形狀、是否好用、使用方法等等。就像水瓶的手柄，我們必須設計出一個通用的形狀，適合地球上的所有人。」

物料、工藝、手的價值，環環相扣，因物料稀有，所以要徹底了解物料本質，用最好的工藝創造最高質產品；因感謝匠人的手，而要造一件經得起時間考驗、品質上乘的物料。「我們非常重視手工及手感的價值，所以要創造一種手和物件之間的親密感，創造親密感是我們的責任，同時我們要對物料負責任，這一切都是一環扣一環。」

枱頭擺飾邊緣是淤葵紫色和深藍色山羊皮繫繩，靈感來自騎師綵衣，對比強烈、顏色鮮豔，距離很遠都能被一眼辨認。

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一九二八年，自瑞典社會民主黨主席Per Albin Hansson提出「人民之家」（Folkhemstalet）理念，以「為人民創造更好的生活條件」為社會核心之後，設計界出現一股鼓吹功能主義（Functionalism）與民主設計（Democratic Design）的潮流。這種設計思維強調透過優質、實用且價格親民的設計，改善大眾日常生活品質，同時注重工藝品質、可持續性與人性化使用體驗，提倡美好設計應是人人可擁有，非只屬社會精英階層。

北歐設計（Scandinavian Design）簡約、功能至上兼具美學元素的風格一直備受追崇。利落線條、自然材質、明亮色調，這些元素創造了溫暖且實用的空間。隨着現代社會日益複雜且步調加快，北歐設計繼續提供一個永恆的避風港，在嚴峻的環境與社會挑戰之下，安放情緒與日常生活。

本刊走進四名在瑞典工作的設計師真實的家居，探索創意之源，如何於居住空間實踐北歐設計哲學。他們又是如何在北歐追求的設計倫理之中容身，在家展現自己獨特的個人風格？

斯堪地那維亞設計 北歐五國共同追求的烏托邦

「斯堪地那維亞（Scandinavian）」通常指稱丹麥、芬蘭、冰島、挪威及瑞典五個北歐國家，但地理上只有後兩國位於斯堪地那維亞半島。斯堪地那維亞地區的國教路德宗（Lutheranism）強調真理與理性，鼓勵人民透過腳踏實地努力工作、造福人類來獲得救贖。這種肩負社會責任的道德觀念，成為北歐設計哲學的基石。對於大多數斯堪地那維亞人而言，設計不僅被視為日常生活不可或缺的一部分，更是推動社會變革的手段。所以斯堪地那維亞流行一種「民主化」的設計理念，旨在透過合適且價格合理的技術與產品，追求社會理想並提升生活品質。

嚴峻氣候與地理環境亦令當地人極為重視居家環境的舒適感。二十世紀斯堪地那維亞設計和工藝的關鍵特徵，在於追求品質和厭惡平庸。不論椅子、花瓶、咖啡壺還是儲物罐；不論是手工製作還是機器製造；不論是昂貴還是廉價，其設計都應該予人情感慰藉，體現「hygge」概念（丹麥詞彙，意指幸福而舒適的感覺），同時捨去浮誇，偏好低調而又細膩的空間。

儘管北歐五國之間存在許多相似之處，但在設計這個領域，各國之間仍存在着鮮明的風格差異。芬蘭建築師、全球首位城市設計長Anne Stenros則有如此見解：「在情感層面上，丹麥人稍顯『南方』氣質，芬蘭人稍顯『東方』氣質，挪威人稍顯『北方』氣質，而瑞典人則秉持中庸之道。冰島人則擁有自己堅實的根基。」

瑞典設計風格起源則可追溯至十八世紀。時任國王古斯塔夫三世開創了一種裝飾風格，靈感源自歐洲、尤其是法國盛行的新古典主義風格。瑞典古斯塔夫風格的室內設計強調輕盈、舒適、簡約與空間感，特色在於柔和色調、淺色塗漆松木家具以及不加裝飾的原木地，為歐洲大陸的新古典主義風格進行了更溫和且宜居的詮釋。一八三◯年代和一八四◯年代，瑞典設計師受德國畢德邁爾風格（Biedermeier）影響，製作裝飾簡約的家具，使用淺色木材，尤其是樺木和楓木為主。

第一次世界大戰結束後，瑞典開始流行簡約之美。新世界秩序令人開始構思如何實現社會進步。直至第二次世界大戰後，「人民之家」（Folkhemmet）的社會理念造就瑞典成為一個福利國家（Swedish welfare state），國家主導的住房政策對瑞典社會結構產生了深遠影響，「設計即生活方式」的理念自此在瑞典設計界日益盛行。

RETRO／材質混搭 創現代復古風

Sara Ottosson，瑞典資深產品開發人員，曾推出彩色音響及燈具等，著重美化家用電子產品，強調大膽圖案、鮮豔色彩與情感表達，讓電子產品成為居家裝飾的一部分。

Sara抱着她的小狗打開深褐色木門，倚站在白磚牆前打招呼。陰天之下，踏進Sara的寬敞別墅恍如步入一個極具情調的高級餐廳，每一處陰暗都有屬於它的光明。

這間屋距離Älmhult市區約十五分鐘步程。業主原是一個石材公司的老闆，此別墅用作展示室，所以地板採用了紅色花崗岩，而這種沉實色調直接定調了整個家的風格。Sara配合地板，全屋採用粉紅偏暗的牆壁顏色，「我們一開始就選了粉紅色，這讓空間更溫暖。或許更有國際風格吧。我覺得這風格有點算是……現代復古風。既懷舊又非常現代。」她形容屋子的建築偏向美國西岸風格，所以樓底不高，格局偏向低矮寬闊，搭配落地玻璃採光，粉色牆壁在晴天則會變得十分明亮。

屋子使用單層設計，改裝前設有很多小房間，包括洗衣房；廚房空間原本小得只夠用來翻熱食物，難以煮食。Sara搬進來後拆了一面牆，使開放式廚房範圍更大，且與飯廳連接。「或許是因為我們常跟朋友一起下廚。聚會都圍繞着食物，家不止是單純招待客人的地方，而是邀請大家一起做菜，我們一同在室內外穿梭，忙進忙出。」

飯廳其中一面牆壁使用了非織造材質壁紙，盛開的粉色牡丹花兼綠葉背景在柔和燈光下散發出如舊織錦般的細膩質感。下方深啡色木櫃線條簡潔有力，上方鏡子曲線柔和，溫潤的白色球形檯燈配合簡潔的金屬壁燈，交織出古典之美，奢華而又低調。

飯廳其中一面牆，復古牆紙配上現代感直條型垂吊燈飾。

打通牆壁增加空間感

轉個身，飯廳與客廳雖然有一牆之隔，但是牆壁上挖了一個約五十厘米寬的圓形開口 ，光線互通，令兩者氛圍更為連貫。其實原本這個位置安裝了一個電話插座，電話響時兩邊空間的人都能接聽，後來拆掉電話才造成如此有趣的空間。「很適合家人相處共處。現在坐在這裏，感覺真的很棒，能與其他空間的人連結在一起。」

她最愛她家之處，在於所有公共使用空間都匯聚於左方，臥室及其他房間則分布在兩側，動線全都是通往家的中心。常有親友探訪，小朋友進出室內和戶外空間也極為方便。

燈飾、櫃子、梳化、牆上畫作、半透明窗簾……客廳所有家具圍繞着紅橙黃三色，同色系搭配令整體視覺協調，整個空間籠罩在柔和的暮光氛圍之中。不時有綠色點綴但不突兀，反而相得益彰。「室內光線稍微暗了些。但話說回來，當陽光灑落時，屋內會透進絕美的光影，這種昏暗感反而讓空間顯得格外溫馨。我們盡量維持暖色調，所以牆面都帶點粉色。」

Sara的先生從事與音樂相關的工作，她家一共有十九個音響及差不多相等數量的燈具，亦有許多黑膠唱片。全屋使用智慧系統，只要去到晚上十時，所有設備都會自動關閉；第二天早上的起牀時間，設備會自行開啟，燈光亦會調整到最舒適的亮度；打開電視時，燈光會自動調暗，切換到電視模式。

復古花紋壁紙與現代燈具大膽共存，溫潤木質與冷調金屬相互襯托，材質混搭卻又不違和。石材地板、牆壁的豐富色彩與燈飾柔和光影相互輝映，打造出充滿藝術感、又具個性的典型現代感住宅。

VILLA VILLEKULLA／不多不少哲學 色彩豐富不失個性

Caisa Ericsson，瑞典平面設計師，畢業於Nordiska Textilakademin（北歐紡織學院），專門設計紡織品印花及圖案、開發家用紡織品。

Caisa的窩居位處一幢古老木造屋的二樓。這幢木屋不是原地興建，而是從別處整幢建築移築於此。樓下位置是一間售賣精品的小店。走上狹窄的木梯，樓上空間也極為擁擠，但眼前出現四個色彩分明的空間：藍色的廚房、綠色的書房、黃色的客廳和橙紅色的臥室。每個房間都極具個人風格，牆上不缺藝術品、復古家具與趣味裝飾。

Caisa說如果要用一個詞來形容她的屋，那會是「Villa Villekulla」，這是瑞典經典兒童書籍《長襪皮皮》（Pippi Longstocking）之中，主角皮皮與她的寵物猴子和馬居住的奇幻小屋，以色彩繽紛、沒有大人規管、充滿童趣而聞名。

她剛搬進來時，牆壁和天花板是不太好看的米黃色，她早已有把整個空間重新粉飾一遍的想法。後來她在跳蚤市場購買了一幅畫，而她很喜歡畫裏藍色的椅子，忽發奇想：「為甚麼不把整個房間漆成藍色？」於是她動手把廚房牆壁髹油，連椅子也重新上色，所以廚房內有三張藍椅子。後來，她又想要有一張綠色的椅子、一張粉紅色的椅子，所以直接將她喜歡的顏色作為每一個房間的主色調。就是這樣，她只憑一個令她心動的物件，通常是畫作，來決定房間的牆壁顏色，之後的裝飾就會以其為基準，「一切都是順其自然。」

一個心動物件 定調房間主色

「色彩總能讓我感到快樂又充滿活力，原因就這麼簡單。」Caisa的家居設計思維就是盡情享受，選取讓自己感到開心自在的物件，「別擔心搭不搭，反正不是形成對比就是互相襯托，怎麼搭都沒問題。」

每間房的牆壁，她都放上大量瑞典作家兼插畫家的作品，那都是她小時候媽媽讀給她聽的故事畫。亦有些是她買了二手書，把喜歡的插圖剪下來，鑲起來貼在牆上。任何讓她開心的東西，都是她的家品。每走進一個房間，就如同打開一本童話故事書。

這一抹色彩不是永久，Caisa非常隨性，只要突然心血來潮有了靈感，第二天就會出發去買油漆，改變每一間房間的故事。

瑞典有一哲學稱為「Lagom Living」，亦即一種剛剛好、不多不少的哲學，從家居設計而言，則是創造一種介乎雜亂與空洞之間的和諧空間。於Caisa而言，即使不走北歐典型的極簡風格也可以做到「Lagom Living」。她每次去跳蚤市場、二手店，或是單純買了新東西，她都會試着遵循這個原則：進一件，出一件。「如果我買一件東西，就必須把手邊現有的某樣東西賣掉、捐出去或送人。」

CHIAROSCURO／光線營造層次感 簡約不單調的舒適圈

Lukas Bazle，德國產品與室內設計師，曾效力德國廚具品牌MYKILOS，醉心燈飾設計。其作品見於荷蘭燈飾品牌Moooi、北歐設計電商平台Finnish Design Shop以及IKEA等。他的設計始於探索材料，喜歡藉此發掘材料的獨特性與潛能。

距離Älmhult五公里有一個小村莊Loshult，四周是乳牛忙着吃草的田野、種滿各種蔬菜的田園。那裏住着約九十位居民。就在兒童遊樂設施的不遠處，藏着一間小型烘焙坊，Lukas的家就在烘焙坊的樓上。

尚未踏上屋前的小木梯，已有陣陣麵包香飄過來。我們攀上二樓，首先迎接我們的是一個傳統日式紙燈籠。拐一個彎後，左邊是斜陽色調的飯廳，中央懸掛着一盞米白色傘型百摺紙質吊燈，映照下方的深木色長形餐桌，燈光柔和暖黃，是整個空間的視覺焦點。天花、地板與木製傢俬深淺木色交錯，日間時窗戶引入大量自然光，營造成溫馨的用餐空間。

飯廳上方，New Works Nebra系列燈罩，由Lukas設計

傘型百摺紙質吊燈其實是Lukas八年前設計的作品，為丹麥品牌NewWorks Nebra系列的產品，燈罩樣式可以隨意變換為上錐形、下錐形與圓柱形，使用者可手動轉換燈罩的照明方向。如調整成下錐形燈罩，燈光可以利用天花板反射，光線更柔和，也能讓桌面光線更充足。

臥室實木平台牀上方亦掛上同一款式的壁燈，錐形輪廓在光源變化之下在牆壁上呈現出不同光影效果，靜謐而又深邃，也拉開空間的視覺高度，令房間顯得更為開闊。

「晚上只要透出一點微光就很有氣氛了。」Lukas說，大量運用光線，是斯堪地那維亞設計的精髓，燈具可以展現不同的質感，才會讓簡約設計看起來不會太單調，而他的燈飾也傳承了斯堪地那維亞的摺疊工藝。

Lukas全屋牆壁保留灰色，反而更為突顯燈飾的光線之美，盡顯融合斯堪地那維亞極簡主義及日式精湛工藝的北歐侘寂風格。

燈罩形狀改變 光線折射不同格調

近年居家生活的趨勢可見，疫情之後，有別於以往通常重視與親友相聚的區域，人如今更為渴望創造令自己感到安全、只屬於自己的私密空間。在這個空間裏，人可以逃出日常瑣事，感到自在且放鬆。北歐寒冷又漫長的冬夜裏，燈具能在空間之中再創造另一個空間，突出溫暖、明亮與舒適的氛圍。

Lukas認為，不依靠顏色，單靠傢俬形狀和比例，也能創造出讓人感覺可愛或友善的家品。他居住的空間比起其他當地其他屋子而言相對較小。走廊右方的客廳空間較大但傢俬不多，淺色原木地板以直鋪方式排列，挨着牆的家品只有電視櫃。綠色燈芯絨材質沙發前放着圖騰地毯，以及線條簡約的米色長方形單柱式基座茶几。茶几上方的半月造型米紙燈，是他為今年IKEA PS（Post-Scriptum）系列設計的作品。

客廳上方，IKEA PS 2026吊燈，手製設計。

Lukas本來想在家裏安裝一個球型燈飾，惟天花板太低，家裏變相壓迫，這個需求成為他的設計靈感。IKEA暌違九年重推這個系列，重點落於功能與趣味兼得。有別於一般圓球狀的米紙燈，Lukas考慮到很多人家裏的天花板不高，放不下形狀龐大的球體燈，所以他把米紙燈往內縮，令他整體形狀扁平，但照亮範圍仍然很大，可透過柔和的散射光線來營造溫和氛圍。

「我想在不同空間營造溫暖柔和的光影，也想為米紙賦予新意。」Lukas說，他設計時，切入點在於希望至少傳達一個訊息，家品也適用於狹小的居住空間。因為這類居住情況只會愈來愈普遍，未來追求小型空間家居設計的趨勢，也顯然會持續一段時間。

WOODCRAFT／沉醉於木頭生命力 見證大自然歲月痕跡

Friso Wiersma（左）與太太Maddie（右）。Friso是荷蘭設計師，曾從事木工、造船和櫥櫃製作，設計理念強調對材料與使用者的「奉獻」（devotion），注重手工藝與日常生活的連結，曾開發多個木造儲物產品。

斯堪地那維亞地區的人每年需歷九個月黑暗寒冬與三個月燦爛盛夏，所以當地人仰賴設計巧思來維繫生存，熟練地善用有限資源來達到高效作用。

相較於西歐其他地區及美國，斯堪地那維亞的工業化來得相對較晚，因此北歐五國的手工藝傳統得以保存得更好。當地豐富的手工藝體現了他們希望為日常物品注入自然、不事張揚之美的渴望。透過將這些古老的工藝技巧與現代設計實踐相結合，北歐設計師得以生產出極適合工業製造的高質產品。而他們的作品，通常被認為傾向尋求人造世界與自然世界之間的最佳平衡。

Friso居住的木屋則是其中一個例子，其採用的建築技術為斯堪地那維亞地區典型的原木建築方式「Timmerhus（ 瑞典語： 原木房屋）」。亦即使用水平堆疊的圓木或加工原木，透過角落「X型接合」以及特殊的砍削，令原木相互鎖定，形成穩固的結構。過程無需大量金屬釘子，同時可讓木頭在乾燥後自然收縮的情況之下，仍能保持木屋結構緊密，具有良好的氣密性與保溫性能。這種建築技術已擁有數百年歷史，是北歐傳統民居最主要的建築形式之一，尤其在農村與森林地區。

這幢全木房屋始建於一八四◯年，全由人手打造。八年前Friso買下這幢木屋時，它已荒廢了二十年，電力及供水不足。他笑言首四年他住在這裏時，根本與露營沒有甚麼分別。為應對嚴寒氣候，他們在木屋外牆加上了隔熱層，並盡可能保留內部原始樣貌。他足足花了七年時間執修。直至一年前，這個溫馨的家才真正完工。

他們保留本身屋內的大量舊有結構，包括門框及木製牆壁，並擺放幾乎全木家品，不少家品由Friso親自設計。樓下的廚房櫃子則分別髹上薄層深藍色及深綠色油漆，色彩沉穩，仍以突出木材的樸實無華為主。二樓則大量採用紅色家品，偶爾有墨綠色及植物點綴，襯托深木紋色氛圍。

廚房及飯廳

全屋建築只有暖爐不是木材

木材如「不可靠的男朋友」

Friso獨愛木頭隨歲月流逝呈現的迷人色澤。他說木頭是一個很有個性的材質，質感溫暖又自然，「我熱愛木工，這簡直是一種享受。木頭是有生命的，對我來說，能與它相處真是太棒了。」但木頭同時有很多限制，他以前的師傅曾形容木頭就如一個「不可靠的男朋友」，「說是一回事，做出來是另一回事。」

多年的木工經驗告訴Friso，學習木工，其實也是在學習謙卑。「舉例來說，這裏有個很大的木結，但翻到背面卻沒有。如果你心想，這塊木料真漂亮，可以開始動工吧。結果它就像個不可靠的男朋友，因為背面突然冒出個大木結。如果你把它用在結構件之中，那就會是個麻煩。」Friso說，即使你只選擇將一塊原木板從原始狀態打造成品，也必須明白這棵樹當初是如何生長、為甚麼這個地方會有裂縫。而這需要經年累月的磨練，才能真正學會「讀懂木材」。

Friso一直希望可以把木材編織工藝打造成實用家品，今年他終於圓夢，其作品成為今年IKEA PS Collection之一。櫃門的編織工藝百分之百純手工打造，也被放在他家中一處被陽光照亮的角落。

Friso的太太Maddie本身是一位畫家，偏好豐富色彩，所以她喜歡保留大量木質原色，色調偏向白色和米色之餘，同時加入與之和諧的跳脫色彩。「我們都很尊重木材，也很欣賞木材，尤其是木材工藝，所以屋內有很多色彩，也有許多充滿故事的物件。」這裏很多建材都是就地取材，木質結構本來就是這間屋的靈魂所在，「某種程度上，是把戶外的自然氣息帶進室內。」

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人群中，最搶眼的莫過於那襲復刻自一九五五年電影《七年之癢》 (The Seven Year Itch）的經典白色吊帶裙。片中夢露站在地鐵通風口上，裙擺被氣流吹起的一幕，至今仍是影史經典。

參與者需支付七十五美元報名費，便可獲得一套「 經典套裝」：白色裙、白金色假髮、貓眼太陽鏡，以及一隻馬丁尼杯。這場盛會吸引上千名粉絲與模仿者齊聚，打破了二〇二〇年澳洲二百五十四人參與的紀錄，料將成功刷新「最多人扮成瑪麗蓮夢露」的健力士世界紀錄（Guinness World Record）。

巨型八米瑪麗蓮夢露雕像

瑪麗蓮夢露原名Norma Jeane Mortenson，生於一百年前的一九二六年六月一日。她的童年並不幸福，在寄養家庭度過，十六歲便輟學結婚。一九五三年，她憑《飛瀑慾潮》（Niagara）初登荷里活，隨後以《七年之癢》（The Seven Year Itch）、《熱情如火》（Some Like It Hot）等作品稱霸五〇年代票房。她不甘受限於荷里活片廠制度，自組「瑪麗蓮夢露製作公司」，以巨星身份支持同志朋友與著名歌手艾拉·費茲潔拉（Ella Fitzgerald）。

一九六二年八月五日，夢露因服用過量鎮靜劑在洛杉磯寓所猝逝，年僅三十六歲。六十年後，她的光芒仍未被遺忘。

英國傳記作家 Andrew Wilson 形容瑪麗蓮夢露是「不折不扣的行動者 （activist）」，他在新出版的傳記中指出：「人們總是低估了她，把她當作愚蠢的金髮美女。若她活久點，一定能挑戰更多不同類型的角色。」

棕櫚泉與夢露

棕櫚泉是科切拉山谷 （Coachella Valley）中內的一座著名綠洲城市，離洛衫磯只有兩個小時左右的車程，一直是洛衫磯荷里活富人的後花園。一九四九年，年僅二十二歲的夢露在棕櫚泉的網球俱樂部 The Racquet Club 被星探發掘，其時她已在演藝界工作，但還未成名，因此棕櫚泉便成為了她荷里活生涯的起點。

裙底風光引來厭女爭議

在二O二一年，棕櫚泉迎來了一尊瑪麗蓮夢露的大型雕像作品《永遠的瑪麗蓮》（Forever Marilyn）。這尊高約 8米，裙襬飄飄的雕像擺放在棕櫚泉市美術館（Palm Springs Art Museum）前、面朝著棕櫚泉市主幹道

然而，這尊雕像卻惹來多方的批評，在「搬遷瑪麗蓮委員會」、婦女遊行基金會（Women’s March Foundation，WMF）眼中，它充斥著剝削女性、厭女的意味。

「這尊 7.9公尺高的瑪麗蓮雕像是設計來讓參觀者從她的雙腿間穿過、看看她的裙底風光，甚至是拍張她屁股的照片取樂」婦女遊行基金會的執行長要求移走雕像：「這尊雕像充滿性別歧視、剝削女性和厭女的意味……。」

另一組織反對雕像，因認為它「玷污」了瑪麗蓮夢露。該組織「永遠的瑪麗蓮」提到，瑪麗蓮夢露「會希望人們視她為一位藝術家，而不只是一個性的象徵」，組織代表說：「我希望瑪麗蓮夢露能以一名藝術家與流行文化代表人物的身份被世人景仰，所以這尊雕像不會是她的最佳代表。」

三年訴訟 終令雕像遠離博物館

事實上，這尊《永遠的瑪麗蓮》雕像的爭議由來已久，二O一一年，它率先在美國芝加哥展出，據報雕像被損毀了三次，並塗上了紅色油漆。芝加哥公共藝術中心認為，這座雕像「具有政治意義、挑釁性意義和性意義」，也被當地人批評為媚俗和色情。

二O一二年，雕像從芝加哥轉移到棕櫚泉市，至二O一四年共在當地展示了 26個月，接著便不斷在全美各地巡迴展示，所到之處皆引發爭議。就連棕櫚泉市美術館的四位歷任館長，也曾多次在當局傳出要將雕像擺在美術館門口的消息後公開反對，批評是「公然的性別歧視」。

縰然反對聲連連，但棕櫚泉市的旅遊業者也願意大砸一百萬美元，在二一年將《永遠的瑪麗蓮》帶當地正因「錢作怪」。當地度假村的董事長聲稱，在以往兩年的展期間，雕像為該市賺進了上百萬美元的收入。

名為「搬遷瑪麗蓮委員會」的組織，由棕櫚泉市具影響力的居民，如時裝設計師 Trina Turk 與收藏家 Chris Menrad組成，曾起訴市政府要求移除該雕像，指雕像的擺放位置非法封閉了博物館路，並阻擋了棕櫚泉藝術博物館的景觀。歷經冗長的法律訴訟後，《永遠的瑪麗蓮》在上年二月終被搬離博物館，遷移至約一百呎外的市中心公園。市府官員表示，新址仍能讓遊客欣賞這件藝術品，同時不會阻擋博物館入口或視野。

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一九八六年，中環滙豐總行大廈啟用，造價五十二億元，是當時全球最昂貴建築。在大廈開幕四十年之際，九十歲建築大師 Norman Foster（霍朗明）來港慶祝。滙豐總行可說種下霍朗明跟香港的緣份，後來的香港國際機場、西九文化區、啟德遊輪碼頭以及紅磡站翻新，皆出自其手筆。滙豐總行大廈至今看來仍未過時，霍朗明解釋，大廈為着未來而設計：「這是在一九七○年代 (末) 推測的未來。

中環滙豐總行大廈底部廣場（Gary Ng攝）

大時代 起高樓

一九七九年，霍朗明建築事務所贏得滙豐總行大廈的國際設計競賽；同年，港督麥理浩到北京向鄧小平提出香港前途問題。往後數年香港被前途未明的陰霾籠罩，滙豐總行大廈的工程就在這個大時代的背景下動工。霍朗明明言大廈工程不止關乎銀行未來發展，也關乎當時的政治環境。「這本身就是一種宣言，一種對未來的宣言，一種對未來樂觀的信念。」

一九八四年，中英落實中英聯合聲明，香港將交還中國，承諾五十年不變；兩年後，滙豐總行大廈開幕啟用，港督尤德出席剪綵。建築物本身好像同樣是一個具象的承諾，滙豐將在九七以後仍然不變。

滙豐總行大廈當時造價逾五十億港元，冠絕全球。回首當時的「天價」，霍朗明覺得用得其所：「當時本地的建築業根本無法達同樣的目標。」滙豐總行大廈的組件預先在英國、美國和日本製造，然後才運來香港組裝。「有一張圖表，上面畫着許多線條，從建築物延伸到世界各地參與建造的國家。這些零件在現場組裝，進而催生香港一個全新的產業。」

滙豐總行大廈興建時留影（Ian Lambot攝）

滙豐總行大廈興建時留影（Ian Lambot攝）

前所未有 永續組裝

「有些建築是革命性的，有些建築則是演變的。」霍朗明認為滙豐總行大廈屬於前者，與傳統建築模式決裂，做從前未做過的事，設計和施工流程構成獨樹一幟的專案。原址上一代滙豐總行大廈在一九三○年代建造，也是從英國預製磚石，運到香港組裝，仍然是傳統建築結構。

霍朗明的滙豐總行大廈的主體結構位於大廈外部，內部毋須以柱子支撐，從而創造出廣闊開放的空間，而且設計成可全棟拆卸，移至別處重新組裝。

主體結構成為滙豐總行大廈的外觀，加上玻璃幕牆，能夠引入充足的天然光。建築本來的核心區域，如服務設施、人流流線等固有結構移至邊緣，樓層更靈活開放，也更容易改變空間後續用途。

地下大堂門朝向南北，空氣流通保持大堂涼爽，節省冷氣。建築也引入了遮陽系統和海水冷卻系統，「最初在這裏出現的環保系統，如今已成為建築業的主流，並被視為理所當然的供暖、製冷和節能方式。」

這方面跟他設計香港國際機場的想法相近：「與自然和諧共處，將以往機場那種令人壓抑的體驗，轉變為擁抱陽光、感受四季更迭，創造出一種渾然天成、自然流暢的氛圍，讓你不會感到壓抑。我認為從人文價值以及科技運用方面來說，機場和滙豐總部大廈完全一致。」

滙豐總行大廈基部的公共廣場現已成為中環重要一部分，平日是上班族流通的通道，周末則是家庭傭工的聚集地，霍朗明設計時特意預留這個公共空間。「我認為任何城市的公共空間都非常重要，這關係到市民的舒適度和生活品質。但這些空間往往也具有象徵意義。在世界上的任何城市，總有一些空間與某個地方建立起象徵聯繫，形成一種身份認同感。」

滙豐總行大廈現今模樣，幾乎四十年不變。 （Gary Ng攝）

滙豐總行大廈現今模樣，幾乎四十年不變。 （Gary Ng攝）

四十年前談的一場「戀愛」

如果有機會重新設計這棟建築，霍朗明表示細節或因建築技術進步而改變，但宏觀概念始終不變：「這將是一座以光線、自然、視野和開放靈活性為核心的建築，它將高層建築的核心元素全部移除，移至側面，並在下方打造開放式空間，使其更具互動性。」

對他來說，建築往往蘊含豐富情感，他期盼的滙豐總行大廈創造一個令人嚮往的工作地點：「不是『天哪，我又要上班了』，而是『哇，我期待着上班』。」他打了個比喻，建築設計就像一場戀愛：「你必須始終保持這種理念，不管是外部還是內部來說，這座建築能夠影響所有接觸到它的人的生活。這是一場戀愛。這是我們的建築。隨着時間推移，人們逐漸把這座建築物當成自己的家。」

九旬建築師霍朗明，四月上旬來港慶祝滙豐總行大廈啟用四十周年。

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一場浪漫的不滿 從靜坐到全民罷工

這場改變歷史的運動，源起於一個看似微不足道的訴求。在巴黎南泰爾大學（Université Paris Nanterre），學校沒有男女混住的宿舍，禁止男女學生在晚上十點後見面。受六十年代全球抗爭風潮影響，當時法國年輕人求變的意願強烈，想打破校內男女學生分班、分宿舍的限制。因此，這項宵禁引發不滿，在一九六八年三月下旬演變成一場靜坐示威，成為這場歷史性學運的導火線。

沒有社交媒體的年代 牆壁就是陣地

今天的抗爭運動可以憑藉一個#標籤在幾小時內於網絡全球動員，近年席捲世界的「Z世代抗議」，從尼泊爾、印尼到摩洛哥，大多以社交媒體動員示威。但六十年代沒有網絡、手機或社交平台，實體文宣成為推動運動的重要推手，也創造了一種至今仍具影響力的抗議視覺語言。

當時一群學生佔領了巴黎美術學院（École des Beaux-Arts）的印刷室，組成「人民工作室」（Atelier Populaire），以絲網印刷大量生產海報。絲網印刷技術成本低、易上手、產量高，能在短時間內大量複製，具有即時性，能夠快速回應街頭事件。此外，他們也會使用模版印刷（stencil）、平版印刷（litho ）及柯式印刷（offset）。不少海報還是印在印刷工收集回來的舊報紙上。每當夜幕低垂，義工們便悄悄帶著海報溜出工作室，貼滿巴黎拉丁區的牆壁。

海報中的視覺宣言

不少時至今日仍被傳頌的口號，正是當年「五月風暴」海報上的標語：「禁止禁止」（It’s forbidden to forbid）、「你的老闆需要你，你不需要他」、「快跑，同志，舊世界在你身後」、「路障封閉了街道，卻打開啟了前路」。

在一張著名海報中，一位女性投擲路障石塊，寫著：「La Beauté est dans la rue」（美麗在街頭）。另一張最具代表性的海報，畫著一隻破牆而出的拳頭，標題：「La Lutte Continue」（鬥爭仍在繼續）。還有一幅海報，即使放在現今社會也能廣為共鳴：一張纏滿繃帶的臉，雙眼空洞痛苦，大字寫著「Une Jeunesse Que L’Avenir Inquiète Trop Souvent…」（經常被未來困擾的青年）。

這代大學生來自戰後嬰兒潮世代，是第一代擁有充分機會讀書的青年，大多數人完成高中甚至大學教育，不像以往許多人小學尚未畢業便要投入工作。正因為學到大量知識，又受到一九六〇年代全球社會運動浪潮的薰陶，他們對未來的焦慮與對解放的渴望，成為了推崇反體制、追求理想與自由的動力。

其他海報則相當有玩味。一幅畫著一排綿羊，旁邊寫著「Retour À La Normale…」（回歸正常）。另一幅黑白海報上，一輛大型坦克壓境，哀嘆：「Salaires Légers, Chars Lourds」（薪資微薄，坦克重型）。這些圖像直白、尖銳而搶眼，每幅都能引發民眾的共鳴。

牆上的自由詩

當時的巴黎城市風景，除了色彩繽紛的海報，還有街頭巷尾的塗鴉。當中，不得不提，「五月風暴」最經典的口號之一：「要現實，也要追求不可能」（Be realistic, demand the impossible）。

還有一段長塗鴉寫道：

「自一九三六年以來，我一直在為提高工資而奮鬥。我的父親也曾為提高薪資而奮鬥。現在我有了電視、冰箱和大眾汽車。但我的一生依然煎熬。不再和老闆談判。廢除他們吧。」

“Since 1936 I have fought for wage increases.
My father before me fought for wage increases.
Now I have a TV, a fridge, a Volkswagen.
Yet my whole life has been a drag.
Don’t negotiate with the bosses. Abolish them.”

反抗海報淪為裝飾

貫徹運動反叛的精神，海報製作團體「人民工作室」（Atelier Populaire）十分抗拒海報成為「在資產階級文化場所展出的藝術品」。他們在一九六九年的宣言中寫道：「將這些海報用於裝飾目的，在資產階級文化場所展示，或視為審美趣味的對象，都會損害它們的功能與效果。」他們強調，海報是行動的催化劑，不是紀念品。

半世紀後 人對印刷品的反思

然而，諷刺的是，半世紀後這些海報仍頻繁出現在展覽中。在二〇一八年，「五月風暴」五十週年，街頭藝術商 Steve Lazarides 在倫敦 Lazinc 畫廊舉辦了一場海報展。他最欣賞海報的簡潔配色與直白訊息：「通常只有一種顏色，信息極其簡單」。他認為，這種粗糙正是「屬於被剝奪權利和財產的人，所能發出的唯一聲音」。

Lazarides 對比當下與過去：社群媒體可以將地方性訊息輕易傳播到全球，但參與過於容易時，反會令人們變得漠不關心，或懶散地分享內容，只為了展示「道德優越感」，因此他認為，今時今日，轉發一張圖片，與當年他們走上街頭、冒着被逮捕的風險傳播訊息，有莫大的分別。因為危險，海報的設計者保持匿名，以集體創作的方式完成。Lazarides 認為，這與當今藝術家為脫穎而出、為署名或報酬而奮鬥的文化截然不同。

同年，人民工作室當年的「寄居地」巴黎美術學院，也舉辦了「Images en Lutte」（鬥爭中的影像）展覽。策展人、藝術史學家 Eric de Chessay 指出：「這些作品是政治鬥爭的產物，但同時也參與了鬥爭本身。他們利用工作室製作革命海報，因為人們真的堅信，革命不是明天的事，而是當下就要發生的事——整個統治體系將會被徹底擊敗。」

有策展人相信實體印刷在當代更有價值。二〇一八年，倫敦展覽「From Nope to Hope: Art vs Arms, Oil and Injustice」展出了世界各地十年來民主抗爭運動的宣傳品。當時大數據與人工智能尚未普及，但其中一位策展人 Lucienne Roberts 已早着先機，提出對網絡監察的憂慮：「我不禁認為，印刷是免於監控、散播思想的最佳方式。」

她說：「作為設計師，我們的職責是幫助訊息傳播。社交媒體讓人們更懂得如何製造影響力，但也存在飽和的風險。」她分享，在展覽籌備期間，團隊便已關注社交媒體如何淪為監視、控制、甚至洗腦的工具。

「現在我開始懷疑，抗爭是否會回歸紙本。展覽中有一個為聯合國製作的報告案例，設計團隊全程離線工作，因為不能冒險被截取訊息。所有會議都是面對面，不打電話。我有時會買報紙，只因沒有人知道我在讀什麼。人們對印刷品的看法，將有所轉變，因為它在某種程度上更加隱蔽。」

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「Spiral in Moonlight」系列聚焦中環The Henderson的藝術花園。Gary在 blue hour 捕捉燈光順著螺旋鋼梯蜿蜒而上的軌跡——樓梯宛如一條發光的通道，從畫面中央盤旋攀升，四周的玻璃大廈則以垂直線條框住整個構圖。冷冽的藍色光線與鋼材的寒光相互輝映，加上周邊建築的零星燈火，勾勒出一輯「藍色版」中環夜景。

除了年度冠軍，Gary還憑以下作品奪得多項大獎，其中多個系列早前已於其他國際賽事中獲獎：

– 白金獎：「Steps to Enlightenment」系列、「Hong Kong in the Veil」系列、「Orbits in Orbit」
– 金獎：「High and Proud: HSBC Main Building」、「Look Up: HSBC Main Building」、「Inside Out: HSBC Main Building」、「Concrete Memento」系列、「Ring of Life」系列、「Clean Vision」

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We like to do big things, and we want to do big things. ——6:AM

「6:AM」玻璃工作室名字由來自威尼斯玻璃島Murano的工匠每日清晨六時開始一天的工作。雖然工作室創辦在二○一八年，但奠定現在創作方向和以「6:AM」命名則是在兩年後新冠疫情期間發生。兩個創辦人接受專訪時描述，當時因為疫情封關被困在威尼斯一個月無所事事，每日便駕船環遊潟湖，那裏空無一人，很魔幻。「我們每天都去Murano到訪玻璃工坊，因為有一些工坊還在營業，我們便去查看檔案或探索新技術，那一個月陽光總是很燦爛。這個月我們知道了自己想做甚麼，我們改變了公司的名字和願景。改變了我們的人生。」

創辦八年，6:AM成功將近千年歷史手工製作的Murano玻璃帶上國際高端舞台，成為受人追捧的Bottega Veneta玻璃凳、片狀吊燈Paysage、1/1/1冰磚枱⋯⋯他們去年在米蘭設計周舉辦首個個展「Two-Fold Silence」作為出道至今的成果展，而今年舉行的第二個個展「Over and Over and Over and Over」則是未來發展方向的高調宣言——從現在開始，我們想建造真正的建築。

6:AM由修讀經濟的Edoardo Pandolfo（左）和建築師Francesco Palù組成

改造廢棄更衣室 把舊地歸還給城市

「Over and Over and Over and Over」在泳池旁廢棄建築Centro Balneare Giulio Romano舉行，大樓建於一九二九年，室內有多格更衣室與大型中庭。6:AM創辦人Edoardo Pandolfo解說，這幢建築原本是泳池的輔助設施，人們付費進入大樓更衣，在中庭將衣服交給職員，領取號碼牌，之後便可到戶外泳池暢游。但後來泳池歷經幾代轉變，夾在泳池和建築中間的戶外公園被開放為社區遊樂場，這建築失去作用，已被丟空超過十年。「就像我們去年在舊公共浴場Piscina Cozzi辦個展那樣，我們重新開放了一個關閉了長達四十年的空間。」

創辦人Francesco Palù補充：「我們想將這些鮮為人知的、人跡罕至的地方，歸還給這座城市，這也是我們的目標。」在去年米蘭設計周個展最後一日，他們鎖定這兒作為第二個個展的場地，開展整整一年的策展過程。

在廢棄更衣室中庭疊起一百二十六張玻璃凳，形成一面巨牆作品「Batch」。

重複的必要 疊物件砌牆

展覽探索如何將手工玻璃品變成巨型建築結構，例如牆壁、柱樑、屏風。「以手工玻璃技術來說，我們無法製作巨型物件，因此透過重複物件來實現建築尺寸。」Edo說。展覽共有十四組裝置，規模最大是Batch，在建築中庭用一百二十六張正方形玻璃凳砌成巨幅牆壁。

BATCH透過不斷重複正方凳，形成巨牆，只有一行玻璃帶有顏色。

中庭原本和周邊的小型更衣室和走廊打通，但Francesco刻意用薄紙圍封中庭四周，使參觀者從昏暗小室走進中庭時因窗戶透出日光感到豁然明朗，並在仰視高聳的Batch時油然產生敬畏之情。「它還能營造一種錯覺，當你進入這個空間時，它看起來像是一堵玻璃磚牆，你不會意識到它們是凳子，但它們實際上是一件件產品，這就是我們想達到的效果。」

其他牆壁裝置都用上相似概念，例如全長4.65米、懸掛在天花板的石碑3mm Stelae，每一件石碑以金屬結構連接六塊3mm玻璃片組成。「今次所有作品都很難造，尤其對於我們這間規模細小的工作室而言。而且我們所有成員都好年輕，全部是四十歲以下，在意大利這個歷史悠久的國家來說，三十歲被視為是嬰兒。」

懸掛天花板的3mm Stelae由金屬扣連結六塊玻璃薄片組成，產品看似用途不明，引發參觀者靠近端詳，驚覺玻璃片僅厚三毫米，薄如紙。

他們提到展覽入口一面黑色的、大型玻璃燈牆Paysage Walls一度在眼前全塊碎裂。「黑色玻璃首先就非常難製作，因為它非常稀有、成本很高（黑玻璃模具在燒製後很難完全清理，往往要待模具壽命將盡才用作製造黑玻璃）。但我們不知道的是，黑玻璃的物理強度遠低於透明玻璃，因為它內部含有大量礦物質。當時我們正將一塊黑玻璃接駁另一塊黑玻璃上，突然就整塊碎掉了。」他們因此改良結構，透過小型鋼鉤連接每一塊玻璃，將整組懸掛於天花，形成巨幅玻璃牆。

Paysage Walls一黑一透明從地板延伸至天花，探索手工玻璃品成為牆壁的可能性。

用堆疊建造巨大結構，亦即展覽名稱想帶出的「重複」意味。重複亦同時是工匠製作玻璃的過程，透過不斷重複工序來改進產品，因此，策展語說「Artisans repeat in order to produce difference.」看似重複、一模一樣的步驟，其實是為了達致最終的不同。

6:AM認為其實每一個人，日復一日的重複性日常，看似沉悶，但實質在變幻原是永恆和選擇無窮無盡的世界中，提供了平靜和方向，就像愛爾蘭劇作家Samuel Beckett《等待果陀》的精髓：沒有事情需要解決，果陀永遠不會來到。6:AM相信「重複不是等待，而是堅持。這是繼續下去的唯一途徑。」

玻璃是人的故事 一步步達成夢

回帶到成立之初，為何會以傳承Murano玻璃為己任？Francesco分享，十年前在一間藝廊認識Edo，Edo本身是威尼斯人，「其實對於建築師來說，即使是意大利建築師，要在Murano進行度身訂造的玻璃項目都是非常困難，因為Murano有自己的文化和方言，而Edo的出現打破了這個隔閡。」

Edo說意大利人的工作文化和中國人有點相似，同樣會關心工作夥伴的家人。現在6:AM每每到訪工坊都會獲工匠們如像對待親友的熱情回應，「所以Murano玻璃是一樣以人為本的工藝，建立關係是最重要的事，這同時帶來更好的產品。每一件作品都蘊含豐富的人性，它不止是一件產品，更是一個故事，代表着人與人之間的關係。」

1/1/1系列花瓶，Murano手工吹1/1/1系列花瓶，Murano手工吹製玻璃，形似冰磚。

談到未來願景，要將通常只有一張凳大小的手工玻璃製品變成巨型建築結構，是一種突破和創造。在訴說這夢想時Francesco流露出一絲不確定性，「實現夢想是困難的，這肯定是一條漫長的道路，我們需要合作夥伴，例如米蘭理工大學，或其他擁有支持這種知識的研究機構，但我認為我們能夠做到。」

Edo神情亦變得溫柔：「我們才剛起步，還有很多事情要做。就像你眺望遠處的山，但只要你堅持走下去，一步一步，最終就能夠到達。」

彩色1/1/1系列邊桌置在鏡上展示，與天花板格狀窗戶倒影呼應。

更衣室展示Ultras壁燈系列，採用Murano傳統A Canne工藝吹製，一盞燈由一塊玻璃製成，減少浪費且彰顯工藝。

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跟香港設計師張凱琨（Dennis）看米蘭設計

張凱琨（Dennis）

香港註冊建築師，室內及產品設計工作室Studio RYTE創辦合夥人。二○○九年港大建築學士畢業，二○一三年獲美國麻省理工學院建築碩士，現為港大建築學院兼任助理教授。二○二三年憑亞麻纖維三腳凳Triplex Stool 4.0膺米蘭國際家具展衛星獎二獎。

①HOW 吸收新知一日遊行程

三個心法： 善用周一、早上與八二法則

Dennis已經是第八年來訪米蘭設計周，無論觀展和參展都經驗豐富。作為一個目標為本的精明參觀者，他早在出發一個月前準備行程，包括參考Dezeen等大型設計雜誌網上資料，「設計師通常大半年前已準備展覽，我們好早會知道有哪些大牌子會和設計師合作。」

他提到米蘭設計周在周一開始，主展覽米蘭國際家具展則在周二開幕，「星期一我會定一些想看的東西，今次第一天就去Alcova。星期二一定去會場看衛星展，除了因為我有（參展過的）情意結，亦因為大部分是學生或新設計師作品，好多時會有新啟發和嘗試。」他又特別提到，很多活動在星期日、一、二進行嘉賓預覽日，大家要留意開放時間勿摸門釘。「我用八二法則，即兩個地點願意花多時間排隊，另外大部分盡量安排不用排隊的時間去，不用排隊通常是甚麼時間呢？一定是早上。」

哪個展覽必看？「一定是看口碑，Alcova（始於二○一八年）過去六年很紅，是真的做得幾好。不過可能我今次期望太高，今年沒想像中好看。」獨立設計平台Alcova每年設計周均在不同地方設展，並以收藏為本的設計品為主，亦是今次三位受訪設計師都有到訪參觀的唯一一個展覽。

至於六大設計區Porta Venezia，Brera、Tortona、Durini、5VIE和Isola，他自己偏好Brera和5VIE，「假設你是一個會做裝修或想買傢俬的人，而你是喜歡意大利設計，就算你不入主會場，你可以去Brera，有很多大牌子如Cassina、Poliform、Porro的門市，氣氛很好。我會將所有同一區活動group在同一日，盡量步行內完成。」

但口碑再好，可能明年已滑鐵盧，例 如Dennis今年有專程到訪Tortona區的Superstudio展覽便大感失望，「Superstudio 十幾年前是很勁的，但現在已經不厲害了。本身我以為今年有Moooi廿五周年展覽會帶動到人流，但其實不是，都好像未能租出所有空間。」

設計周活動之多，質素難免良莠不齊，連設計師都會中招，因此他建議大家放鬆心情：「如果大家是設計愛好者，其實放慢腳步、放鬆個心情來去接受一些驚喜是會好的。」

思考HOW  怎樣做到的？

參觀時，Dennis抱着開放的學習態度，腦海思考的問題是HOW，包括這件東西是怎樣做出來？設計師又做了甚麼達致現在的成功？「有時候都要求自己，遇到不明白的地方，真的去問現場人員或設計師。因為這部分是你沒可能在網上得到答案。」

例如，他和記者前往的第一個展覽是玻璃工作室6:AM個展，他想了解這間近年爆紅的工作室是怎樣平衡商業和創意，「我欣賞的設計偏向具功能性或科學性一些，如果不是這兩點，看展的心情就偏向看藝術品。但6:AM兩邊元素都有，既有工藝又有設計，他一邊復興威尼斯傳統Murano glass，但其實不是玩一些特別形狀，全部是很簡單的一塊塊或一個個正方體，但有些變化，最終他可能好成功的原因正是結合到科學性又藝術性兩者。」

觀展後，Dennis一臉滿足：「我好開心，我看到想看的，又覺得那件東西值得看和有質素，這些是社交媒體給不了你的滿足感。在設計周，你最後一定會錯失很多，但你無得驚，你只有選擇一些你自己感興趣的東西去看。」

張凱琨論衛星展：未被世界污染的設計

到達衛星展首先要看今屆衛星獎參賽作品，思考產品的物料和原理。

衛星獎已經來到第十五屆，每年都設有首獎、二獎、三獎及特別提名獎。

作為物料控，看到不明物料必定前去一探究竟。原來是結合編織壤土（Loam）和棉的新嘗試。

張凱琨（Dennis） 每年都必到Salone Satellite（米蘭國際家具展衛星展）一趟，儘管展場遠離市中心、地鐵車程約四十分鐘，「但我是會早上九時開館入場，看足三小時才走，逐間看、逐間問問題。因為參展的大部分是學生，好多時會見到有驚喜的創意。」

始於一九九八年的衛星展，為全球三十五歲以下年輕設計師提供向業界曝光的機會，置於米蘭國際家具展末端。在二○一○年起增設「衛星獎（Salone Satellite Award）」，每年由專家評審在芸芸參展作品中遴選出年度得獎者。每年報名者眾多，今年接獲七百個申請，今年攤位共一百二十九個。(延伸閱讀：2026出爐米蘭衛星獎 3D打印貝殼吊燈Nippon)

在衛星展，Dennis會逐個攤檔細看，遇到好奇的產品就會去觸摸、試用、拍片， 並詢問材料和原理。How是他關心的問題。今次令他最驚豔的產品是Ming Design Studio的STARPIC燈光效果， 燈光打在星形鐵條上，竟產生朦朧光圈，真像晚上仰望星空時每顆繁星散發的一圈圈光暈。設計師解釋他們偶然遇上這塊自帶神奇光芒的布料，如獲至寶，便想出這燈光呈現方式。Dennis看得著迷並讚嘆：「這是我從來沒有見過。」

Ming Design Studio的STARPIC燈光效果，創造出極真實的夜空星光。

談生態 香港學生的出路

今年Dennis只看衛星展，未有到旁邊的家具展參觀，吸引力不足是其中一個原因，愈來愈多傢俬品牌放棄家具展，回到市內擺展。據知家具展一個一千呎展示空間的租用成本索價至少一百萬港元。「其實很慘，因為家具展和衛星展的目的原本是促進生態，讓一些新進設計師在這裏擺展，旁邊的品牌真的會去看新設計師作品，新設計師亦可以去看品牌出品，有着互相滋養的作用。」

Dennis深有感受，是因為自己亦曾在衛星展參展三次，並在二○二三年憑亞麻纖維三腳凳Triplex Stool 4.0膺衛星獎二獎。「我有個當地朋友，他說我三次擺展有很大轉變，無論是面容、氣息、想東西的方法和下決定的方針，我第一次擺展時好緊張，到現在真的輕鬆了很多，真的開始會感受一下城市。」

Dennis自言因為他發現，在米蘭最可貴的經驗是和人交流，互相討論意見和情報。「如果永遠只是為了去看展覽，然後只去推銷自己的產品，而沒有看見其他地方正在發生甚麼事，是很戇居。」至於奪獎有沒有改變他的設計生涯？ Dennis坦言沒帶來太大轉變，但對傳媒和客人而言無疑是一個記憶點，而他最大得著的始終是因為擺展而認識到很多人。

「行完這幾年，會大概知道（產品設計）條路怎樣行。歐洲設計師早在學生時期已經知道要去擺甚麼展覽，用甚麼方法成名。但香港有沒有這條路？對上可以問誰呢？因為產品設計內涵和去得多遠是不成正比，關乎市場營銷和公關技巧，這不是香港設計或建築教育會教的事。」Dennis現在亦在港大建築學院教書，他常鼓勵學生早點拿作品參賽，即使只是研發階段，「早點推出市場聽反應是好珍貴，遠好過埋首在家中自己玩。」

但他有時都會停一停，提醒自己，或反思，到底為甚麼要做？「世上已經有咁多張凳。」家具設計和時裝不同，「時裝推崇每一季潮流，是不斷製造需求，才能令供應make sense。而設計傢俬的前期研發成本很高，因此只密密做，而不推出市面是好戇居。」

他的答案是「如果設計是為了改變一些生活，」他在離開會場、等候返回市區的地鐵月台上說：「我和學生說，如果你有一些life-changing的想法，能夠為人的生活帶來突破性改變，請嘗試主動說服財團合作生產，去尋找一個互惠互利的方式。」

Dennis創辦建築設計工作室Studio RYTE八年，但在香港地，項目大多是室內設計。但他私心喜歡做傢俬，他的亞麻纖維三腳凳耗時七年、斥資數十萬元，已研發到第六代，標榜100%真環保。現在他正在研究如何將三腳凳小批量生產，但奈何為了生活、為了經營好公司照顧好家人和同事，他的三腳凳大計只能慢速進行。

因此，他好明白，在香港，要很堅持很堅持才能做到一件自己覺得有意義和價值的傢俬，而這當然要好好把握機會被世界看見。

漫遊米蘭 賞建築之美

跟隨Dennis一天，漫遊米蘭街頭，會被他自帶的建築美學眼睛嚇倒。明明正在移動到下一個展覽場地，他原來一眼關七，會突然停下腳步說「這幢建築幾型喎。」例如在前往The Rossana Orlandi Gallery的十字路口，他發現了一幢有瓷磚外牆、氣派入口的住宅大樓Via San Vittore 34。他駐足拍照、並打趣說：「不知道裏面有沒有放airbnb ？等我下次入去住吓先。」他分享自己有一本專門介紹米蘭建築入口的書。其實米蘭設計周除了看新展覽和設計，整座城市本身都是一間巨大博物館。

經過精品店林立的蒙特拿破崙大街，Dennis不忘介紹一九九○年由建築師Aldo Rossi為紀念前意大利總統Sandro Pertini而建造的噴泉雕塑。

在前往藝廊的街角發現，美麗建築Via San Vittore 34。

The Rossana Orlandi Gallery 收藏式設計先鋒

近十年，設計界興起Collectible Design（收藏型設計），比起大傢俬品牌的量產家具，更推崇玩味與實驗性質較重的限量設計家品。在米蘭這個家具設計界龍頭，又以The Rossana Orlandi Gallery為Collectibles界先鋒。Dennis說「我每一年都會去5vie和Rossana Orlandi，兩者都是Collectibles，但Rossana Orlandi的層次會再高一些。」據今年有份在Rossana Orlandi擺作品的香港藝術家吳頴賢（Didi）分享，它影響力驚人，預覽日的登記VIP客戶名單有多達二千五百人。

人稱意大利設計教母的Rossana Orlandi在二○二年開設自家藝廊，一直是收藏型家具的領軍代表。

藝廊有一整個荷蘭設計師Piet Hein Eek作品專區，出售由廢棄抽屜和松木製成的大型木櫃Drawer Door（前方），亦展示非賣品藝術作品。

黎巴嫩建築師Fadi Yachoui設計的手工編織藤枝雕塑椅La Volupté

Studio Bovti運用意大利傳統手工紙漿藝術製成Cartapesta餐桌，僅用紙漿結構撐起一整塊石頭桌面，顛覆輕重概念。

從一雙筷子 看思想交流

日本工作室We+觀察到當地兩類常用筷子——免洗筷與矜貴漆筷的根本矛盾，將兩者合二為一，在即棄免洗筷上塗漆。

緊湊的一天行程，在美酒歡聚下結束。最後一站，Dennis出席了由《Wallpaper》雜誌中國版編輯Yoko Choy策展的「Chopsticks箸」展覽的Cocktail Party。展覽邀請十一個中
日韓意設計師及工作室重新設計一雙筷子，Dennis盛讚概念聰明，認為透過筷子能看到不同國家的文化。

主展覽空間只有一個銀色金屬結構，結構像多個交錯的天秤，也像一棵樹，樹枝末端是十一個盛載黑沙的圓盤，盤上放置筷子。結構底部則是一面巨大圓鏡，鏡子倒映圓盤底部標示的設計師名字。金屬結構靈感源自筷子與餐具的意境，同時含蓄呼應東方文化的萬物平衡哲學。

韓國設計工作室Niceworkshop摒棄傳統筷子設計，以一根U形金屬代替，聲稱更容易夾取食物，令外國人都可以輕鬆揸筷子。

日本設計師倉本仁創作意粉筷子，以可食用筷子完美解決即棄餐具的垃圾問題。

雖說是香檳酒夜，但晚上七時許天色未暗。每年米蘭設計周均辦於四月春季，入黑時間在八時以後，是氣候迷人的季節。

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街頭智慧重現米蘭：《竹棋・茶桌》的跨文化對話

此次代表香港出展的首發作品名為《竹棋・茶桌：升級再造象棋桌椅組合》。這套全手工打造的設計，具體呈現了工作室「化廢為妙」的再生設計理念 。作品每一寸細節皆蘊含着深厚的香港本土文化特色。

桌面表面採用了升級再造的石材複合物料，創新地揉合了港式奶茶茶葉與竹纖維廢料，以此分別向香港標誌性的飲食文化及傳統竹棚工藝致敬 。桌椅的主體結構，則是以升級再造的 PET 及 PETG 塑料，透過立體打印技術製作而成 。

《竹棋・茶桌：升級再造象棋桌椅組合》

設計團隊期望透過一桌兩椅，邀請觀眾聚首對弈，在棋盤上遊走於中西傳統之間，藉此開啟一場跨文化的對話，並親身感受物料背後承載的故事。桌子表面所使用的材料，是在香港本地收集的奶茶茶葉回收再做而成。reEDIT 聯合創辦人 Jacqueline Chak 直言：「我們正嘗試以此為媒介，訴說着物料來源地的故事，將家鄉的文化基因推向全球視野。」一杯港式奶茶往往伴隨着茶餐廳裏的喧囂與人情味，reEDIT 認為這正代表着這座城市獨有的節奏與氣味。將這些用完即棄的茶渣回收，透過升級再造技術將其封存於堅固的桌面之中 ，讓它在環保之外，更是一種帶溫度的「物料記憶」。另一位聯合創辦人Genevieve Chew表示：「我們希望的是當觀眾觸摸這張桌子時，感受到的不是冷冰冰的工業產物，而是帶有香港在地溫度、承載着真實生活軌跡的文化載體。」

同時，他們將象棋桌視為「兼具功能與社交價值的載體」，回應當下數位生活主導下、線下交流日漸式微的現象。昔日香港街頭巷尾常見的對弈光景，曾是社區連結的重要紐帶。團隊希望能以作品保留並記錄這種實體互動形式，以及將東西方象棋的元素融合為一物兩用的棋子形態，讓作品不只是一件靜態的展覽雕塑，更是一個能讓人們坐下來、持續對話交流的微型空間。

《竹棋・茶桌：升級再造象棋桌椅組合》

「化廢為妙」的推手

Jacqueline 與 Genevieve於二零一四年共同創立了香港本地設計工作室EDITECTURE，其後更建立了專注於研發及生產永續物料的reEDIT Lab。兩人背景截然不同，卻在設計與商業上達成了完美的互補。

Jacqueline 擁有倫敦大學學院的建築學士及碩士學位。在回到香港建立多領域的設計實踐之前，她曾於倫敦及東京的知名設計工作室磨練技藝。過去十年間，她開創了垂直整合的循環設計方法，涵蓋廢料收集、分類，並將消費後的塑膠廢料轉化為家具、零售空間及大型建築裝置 。

Jacqueline 對設計的遠見，讓她於二Ｏ二三年獲 Design Anthology 評選為年度女性設計師 。

Genevieve則畢業於倫敦政治經濟學院會計學系，並曾受訓為特許會計師。二Ｏ一一年時，她更大膽跨界成為設計企業家，創辦了時尚生活品牌EDIT，將其從香港Soho區的一間精品店，發展成在全球三十個國家、超過一百家門市銷售的國際品牌。身為創意總監，她為 EDIT 賦予了鮮明且耐看的標誌性美學，這份特色亦繼承到後來的reEDIT。而當兩人創立 EDITECTURE 時，Genevieve 將這份商業嚴謹度與創意敏感度帶入更大的舞台，負責統籌品牌策略、業務發展以及工作室日益增長的零售與酒店項目。她的轉型軌跡反映了工作室的核心信念：最具變革性的設計決策，不僅關乎物料與工藝，更關乎願景與價值觀 。

Genevieve 由倫敦政治經濟學院畢業的會計師跨界至設計創業，為工作室注入了敏銳的商業策略與品牌視野。

過河之卒：從本地實踐邁向世界舞台

秉持「讓設計延續」的信念，reEDIT 一直探索永續設計與材料創新。至今，工作室已透過與 多個知名品牌的設計合作，累計回收超過六千多公斤塑料廢料，並成功節省了二千多公斤的二氧化碳當量。在精湛的工藝下，回收物料得以重新交織，構成一件件兼具文化底蘊、環保意識及社交功能的物件。

在中國象棋的規則中，有「過河之卒，力可當車」一說。作為今年獲邀參展米蘭的香港設計工作室，reEDIT將此次歐洲之行視為一次意義深遠的「過河」。象徵着一場跨越，更代表着她們由香港出發，從本地的升級再造實踐穩步走向世界舞台，堅定地將日常的廢棄之物，蛻變為引發全球共鳴的設計瑰寶。

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