住宅賣點是少見的永久產權，屋契可以永續傳給後代，成為真正的「祖屋」。

一紙屋契，一個世代承諾；留守一地，安穩扎根。在香港，未嘗不是一種奢侈。

強強聯手 雙子設計

香港太古酒店旗下奢華酒店品牌 Upper House（居舍）首次拓展板塊至住宅市場，與盤谷銀行創辦人陳弼臣家族（Sophonpanich Family）為後盾的地產商City Realty組成合資公司City Dynamic，在曼谷倫披尼無線電路（Wireless Road, Lumphini）興建兩幢住宅大樓，是少數僅存的永久業權地皮。

兩座住宅大樓包括樓高五十二層的Upper House Residences Bangkok，提供一百五十六個單位，涵蓋兩房至四房及多個全層單位，單位面積介乎約1,345至9,935平方呎，每戶均設3.2米高樓底，賣點之一是私隱度高，住客可以不見任何鄰居，即直達住所。

另一座是樓高七十一層的The Wireless Residences by Upper House，共二百三十九單位，面積介乎915至8,256平方呎，涵蓋一房至四房及多個全層單位，賣點是提供大量優質社交互動場所，適合多代同堂和現代家庭模式 獨居人士、養寵物的兩口子、培育子女的中產家庭等。

記者親訪曼谷示範單位， City Dynamic聯席董事總經理Casey Au接受訪問解說建造雙子樓而非單幢的原因：「現在第二座建築已經達到 七十一層高，如果只建一座樓高或達到一百層，曼谷市場並不習慣這高度，亦會令單位售價更加昂貴。我們參考了世界一兩個類似的項目，認為現在的兩座大樓，提供不同的層次、不同的室內設計風格、不同單位大小和景觀，是為買家提供更多不同的選擇。」

FOSTER設計建築 無遮擋公園景

建築由國際知名建築事務所Foster+Partners透過旗下泰國分公司F&P（Thailand）設計。本身物業座落位置就盡享地理優勢，僅一橋之隔直抵倫披尼公園（Lumphini Park）和班嘉奇蒂公園（Benjakitti Park），兩個環繞湖泊的巨型市內綠洲。而且建築附近無任何遮擋視野的其他高樓，滿目綠意與藍天。

因此，建築設計重點落在令室內視野極致開揚，大樓外觀呈流線圓弧型，少不免由巨型落地玻璃窗構成整體建築，並穿插利落直線條深色面板，嘗試在景觀和私隱之間取得平衡。而為了減少日光直射，F&P巧妙運用傳統泰式別墅的設計特色，在每層外牆頂部加設小屋簷用於遮陽，同時節省開冷氣的耗電需求。建築團隊指，整幢建築均參考了泰式別墅的優雅、比例和空間寧靜之美，號稱物業是一座「空中泰式別墅」。

對香港人的三個吸引力

Upper House Residences和The Wireless Residences自去年四月動工，將分別在二○三○和二○三一年落成，同時是太古地產在曼谷的首個住宅項目。

暫時樓盤未公布價單，但據物業提供給媒體的資料，表示售價「將反映當時的市場動態和該項目的卓越品質。目前可以確定的是，價格將反映無線電路地段的稀缺性、永久產權的專屬性，以及Upper House所代表的設計和生活方式的標竿水平。」而據Casey在訪問時透露，項目定位並非超豪華豪宅。

固然曼谷樓價比香港相宜很多， 據K. Capital Realty今年數字，曼谷五百四十呎公寓單位平均售價約一百三十八萬港元；一千三百呎獨立屋單位平均售價約二百六十六萬港元。

Upper House Residences Bangkok室內設計由BAR Studio負責，標榜將酒店式身心健康體驗帶進日常起居，配套設施位於地下、四十三樓至四十五樓。

和The Wireless Residences的目標客戶，Casey指按照當地法例，外國人雖然一般可以直接購買公寓的永久業權，但整幢大樓的外國人持有比例通常不得超過百分之四十九，因此泰國人會是主要的客戶。但他們亦收到很多中國、台灣和香港人的查詢。

而據City Dynamic聯席董事總經理 Thomas Woolsey補充，在戰爭爆發、各地經濟存在不穩定性的時候，在曼谷置業有一定吸引力：「儘管泰國政壇更迭頻繁，但泰國仍然是相對安全的資金存放地、泰幣受到良好管理、銀行體系資金充足。所以，泰國是一個相對安全的投資目的地，同時這裏亦是一個絕佳的旅遊勝地，和擁有濃厚文化氛圍的地方。」

而Casey和Thomas在訪問中都多次提到，這個物業最大賣點必然是永久業權，可以世世代代傳承下去的「祖屋」對所有為了置業安居的人來說，總是好的。

City Dynamic聯席董事總經理Casey Au（左）和Thomas Woolsey，前者為泰國Sophonpanich家族管理投資與發展項目逾十年，而後者則代表太古地產參與合營公司的營運。

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草間彌生不僅是日本的國寶級藝術家，更是全球拍賣市場上作品成交價最高的女性藝術家。她將折磨自己一生的精神幻覺，轉化為無盡的波卡圓點與極具張力的視覺作品，以藝術自我救贖，治癒無數觀者的心靈。

藝術治癒人生 把精神磨難轉換成「無限的網」

草間彌生1929年出生於日本長野縣松本市的一個富裕家庭，家族經營種苗場。然而，她的童年並不快樂。她自十歲起便開始出現嚴重的幻覺與幻聽，視線被無數斑點覆蓋，也曾聽見花朵對她說話。在保守的家庭與社會氛圍下，這些精神折磨讓她多次想自殺，而「畫畫」成為她唯一的情感出口。

為了對抗恐懼，她開始將眼前不斷繁殖的圓點畫在畫布上，成為了她日後最具標誌性的「無限的網」（Infinity Nets）系列靈感來源，更是她所謂「自我消融」（Self-Obliteration），透過將自己與周遭事物畫滿圓點，讓自我與宇宙融為一體。她曾坦言：「若不是為了藝術，我應該很早就自殺了。」

而圓點也有更深厚的原意，她曾形容：「波點是不會單獨存在的。我的人生就是一個波點，迷失在波點的海洋中。」

顛覆紐約的前衛先鋒

草間彌生於 1957 年前往美國，隔年進入紐約藝術圈。她沒有跟隨主流，而是繼續發展 Infinity Nets、軟雕塑，以及利用鏡子與燈光製作的沉浸式空間。在越戰期間，她多次在紐約地標（如中央公園、布魯克林大橋）舉辦帶有反戰色彩的裸體「偶發藝術」，在參與者身上畫滿了她的標誌性圓點。

1966 年，她更在沒有正式受邀參展的情況下來到威尼斯雙年展，把約 1,500 顆鏡面球鋪在場地旁，完成帶有游擊意味的《Narcissus Garden》。鏡球不斷反射觀眾、天空與周遭風景，也延續了她讓「自我」在重複與反射中消失的想法。

真正具有象徵性的轉折出現在 1993 年。相隔 27 年，她以日本代表身分正式回到威尼斯雙年展日本館，展出從早期 Infinity Nets、軟雕塑到《Mirror Room (Pumpkin)》等作品，也成為國際藝術界重新評價她創作的重要時刻。

她更曾於2000年獲頒「藝術選獎文部大臣獎」、2001年獲得「朝日獎」、2003年獲授法國「藝術與文學勳章」軍官勳位，2006年獲頒「旭日小綬章」及「高松宮殿下紀念世界文化獎」。2009年獲選為「文化功勞者」，2016年更獲頒日本最高榮譽之一的「文化勳章」。作為日本代表性當代藝術家。

草間彌生後來更被美國藝術網站My Morden Met選為「21世紀十大前衛藝術家」，與安迪沃荷、克拉斯奧爾登堡、賈斯培瓊斯並列。

近年活動與永恆遺產

直至生命最後幾年，高齡九旬的草間彌生仍未停止創作與展出，她的展覽也在全球各地屢屢創下驚人的參觀人次紀錄。

在亞洲地區，香港M+博物館2022年底至2023年舉辦了盛大的「草間彌生：一九四五年至今」回顧特展。在台灣，北師美術館也於2024年底至2025年展出了台灣有史以來最大規模的個展「草間彌生的『軌跡』與『奇蹟』」。

就在她辭世的這個八月，香港蘇富比藝廊剛舉辦完一場梳理她70年創作歷程的珍稀作品展。而在歐洲，由瑞士Fondation Beyeler、德國Museum Ludwig、荷蘭阿姆斯特丹美術館（Stedelijk Museum Amsterdam）三家重要美術館聯合舉辦的歐洲史上最大規模的草間彌生巡迴回顧展，繼瑞士和德國之後，即將於九月亮相阿姆斯特丹。

此外，其天賦異稟的才華還在文學創作上嶄露無遺，她出版過十餘本的著作，更曾以《克里夫男娼窟》獲得日本野性時代文學獎。

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設計日常

五百多人越過澀谷十字路口的動線是怎樣？香港行人過路處的條紋間離有多寬？用餐的動作方式可以有多少種？形形色色的工具，創造了多少款手柄？展覽趣味的源頭，源自日本電視台NHK的長壽兒童教育節目《Design Ah!》（二○一一至二一）及續作《Design Ah! neo》（二○二二至今），向兒童介紹設計思維。節目取材日常用品，解釋日常習慣和物品背後設計，說明設計如何改變日常生活。

設計師佐藤卓一直擔任節目總策劃，近年節目更化成展覽，讓兒童有機會直接體驗設計，今年第一次來到海外（香港）展出。佐藤卓設計過許多日本人的日常商品包裝—早餐喝一杯牛奶，有他設計的明治好喝牛奶；通勤吃一塊香口膠提神，有他設計的樂天涼薄荷香口膠；下班後小酌一杯，有他設計的Nikka威士忌。

《吃一口》有用叉子捲起意粉、用叉子吃蛋糕、用刀叉切割。

《 手柄百科》展示數百種手柄， 有文具有廚具。

設計師的起源

佐藤卓一九五五年出生東京，他的父親二戰後任職平面設計師，當時社會普遍尚未認知甚麼是設計。「他從未直接鼓勵我成為設計師。但很自然，他使用的專業設計工具，例如圓規、三角板和專業級黏土，就圍繞着我。所以，現在回想起來，我認為從小接觸這些東西確實對我產生了影響。」佐藤卓說。

他有時會玩父親的專業級圓規，拿來畫圓。上小學時，老師要他到車站前的文具店買圓規，他買了一個塑膠圓規，可以夾鉛筆，但跟他在家玩的圓規完全不一樣。塑膠圓規轉一圈，線就變得很粗，形狀也參差不齊，線總是歪歪扭扭，回不去原來的位置。「後來老師要我買的圓規品質很差，那些是圓規，但我小時候在家玩的也是圓規。它們都叫圓規，為甚麼差別這麼大？我至今還記得那段經歷。換句話說，這確實凸顯了高品質和低品質事物之間的差異。我仍然清晰記得，即使是像圓規這樣簡單的工具，也能體現出設計品質的差異。」

後來他讀上東京藝術大學設計系，多少受到父親影響，但主因是他愛上聽黑膠。LP封套設計千變萬化，引導他進入設計的世界。大三時他加入樂團，主責拉丁打擊樂，例如康加鼓和邦哥鼓，經常在各個演出場所巡迴演出，甚至有經紀人專門安排他演出，每周演出一次。那個時候，他希望成為音樂家，而非設計師，為了繼續組樂團，才多讀兩年研究所。

直至某個瞬間，他決定放棄當音樂家：「我深切感受到自己沒有真正打好基礎，也意識到成為音樂家的道路會很艱難。」音樂繼續是他的興趣，只是並非職業，他向記者展示一條影片，訪問的上一周，他還在一場現場表演擔任鼓手。畢業後，他進了日本著名廣告公司「電通」工作，兩年後遇上改變他設計軌跡的專案，「我認為我現在作品的基礎是建立在那段經驗之上。」

訪問前一星期，佐藤卓正以邦哥鼓手身份參與演出。

威士忌的實驗

Nikka威士忌提出製作廣告，佐藤卓卻意識到重點不在於廣告，而在於產品本身。那個時候，他也是八○年代年輕世代一分子，卻沒有愛喝的威士忌款式，年輕世代對威士忌提不起勁。於是他主動提案，開發新產品，無論當時或現在，也是鮮少發生的事。

他拜訪Nikka的威士忌工廠，發現剛從酒樽濾出來的純麥芽威士忌非常好喝，無需迎合年輕人而推出沖淡酒精濃度的威士忌，反而應該用合適的價錢，讓年輕人也能品嘗威士忌的原始味道，亦即Nikka威士忌工廠的真面貌。

那時威士忌大多是七百二十毫升，他決定改成五百毫升，適合一至兩人以及女性飲用，分量不會太多。他思考許多人只是看中設計就會買LP封套，LP封套平均價格約二千五百日元，所以新威士忌定價二千五百日元，使顧客願意花費來獲取威士忌的享受。他又觀察，許多人會保留舊酒瓶再用，花俏搶眼的反而不會保留，所以酒瓶設計以方便實用為主，看不到設計痕跡，就此提出Nikka Whiskey PURE MELT。

Nikka Whiskey PURE MELT是佐藤卓首件設計的作品，外型刻意「普通」，讓顧客願意重用酒瓶。（網上圖片）

差不多一年後，他已經辭職，打算開設自家設計事務所，還在消化有薪假的時候，他的專案終於獲批。產品特意沒有投放任何電視廣告，單靠顧客口耳相傳，結果這款酒的銷售量出奇的好。「對我來說，那是一次實驗，一場真正的實驗，即便我當時並不知道未來會怎麼樣。那是我第一次感受到設計的影響力，那是我第一次意識到設計可以改變世界。」

Nikka Whiskey PURE MELT的貼紙容易撕下，讓使用者用在其他用途。（網上圖片）

「不設計」的設計

爾後他設計過的事物多不勝數：乳酸菌飲料可爾必思、富士銀行收銀盤、軒尼詩白蘭地、BS朝日電視台標誌、金澤廿一世紀美術館和山種美術館館徽……還有他兩個代表作，樂天涼薄荷香口膠和明治好喝牛奶。

原有的樂天涼薄荷香口膠，包裝有一幅企鵝在南極遙望夜空的插圖，插圖旁就是商標文字。佐藤卓想到，顧客看香口膠商品時，其實同時在看兩個立面：正面和側面。所以他的新設計將文字和插圖分開兩個立面，插圖只保留企鵝，藉此保留顧客對商品的記憶，企鵝增至五隻，其中一隻悄悄舉手，放下一些小趣味。

樂天涼薄荷香口膠由佐藤卓重新設計，思考顧客購物時會同時看到包裝兩側，於是將商標文字和插圖分開兩側處理。（網上圖片）

在明治好喝牛奶，他刻意設計得普通，偌大的文字「明治おいしい牛乳」寫在牛奶盒，淺背景只是倒一杯牛奶，意圖在特別設計的牛奶盒中突圍而出，也顯露牛奶商品的日常感。佐藤卓在書籍《塑思考》提到，其實在樂天涼薄荷香口膠和明治好喝牛奶的專案，他不時按捺表達自我的心，堅定「不設計」才是好設計。

明治好味牛奶包裝由佐藤卓設計，外型同樣刻意「普通」，突顯牛奶的日常感。（網上圖片）

「如果產品的目標受眾只是喜歡它的人，那就沒問題。如果產品能夠充分展現設計師的個性，而且本身品質上乘，那也很好。如果只生產一百件，那麼大概會有一百個人喜歡它。然而對於大量生產的商品，你不能只依賴設計師的喜好或想法，這樣做行不通。因此，探索大眾共通的普遍認同就變得至關重要。」

設計教育

每一件他設計的事物就像他的孩子，見於日本，亦見於海外。Nikka Whiskey From the Barrel在歐洲仍然常見，當他在巴黎或德國的酒吧看到這個方形酒瓶，「我真的很高興，感覺就像『原來它一直都在這裏』，就像在說『How are you?』」

不過他感覺最特別的工作，還是《Design Ah!》、《Design Ah! neo》節目和後來的展覽。他認為，這項工作不同於其他工作，是為了教育設計的文化項目，並非為了獲利的商業項目，旨在提高大眾（尤其兒童）對設計的意識。小時候看節目的孩子，已經是大學生和在職人士，而且從小觀看節目的人數還在增加，對社會的影響暫未能得知。佐藤卓相信：「對設計的意識可以改變世界，哪怕只是一點點。」

《 被吃掉的心情》讓人感受燒賣被吃掉的感覺，最多兩人可以坐在筷子上。

《 高手過招》的筷子夾起獅子狗卷，考驗筷子功，不能觸碰金屬。

《學生椅的奇想》想像學生椅變成不同模樣，可以躺下，可以摺起。

日常怎麼翻譯？

約一年多前，佐藤卓與團隊第一次想把展覽帶到日本以外的地方，跟M+資深策展人兼設計及建築主管橫山育子一拍即合。但是不能將日本展覽照辦煮碗，橫山說：「如果把這個展覽搬到香港，那就必須展現香港人的日常生活。」

後來他們舉辦工作坊，佐藤卓與團隊來港三天，了解、觀察香港的日常生活。他們去了茶餐廳吃西多士、沙嗲牛肉麵，吃了點心，逛文具店，到上海街看各式各樣的工具，「發現了很多非常相似但又有所不同的東西。」既有通用的物件，例如杯子，也有非常地域化的事物。故此，東京展覽時有三十五件作品，來港時刪減無法翻譯至香港的部分，最終展出廿一件作品。

橫山舉例，東京一件作品有關日語擬聲詞，日語即使改變語調仍是同一意思，但是粵語和英語將改變意思，只能打消帶來香港的念頭。另一個有關食物相片的作品，原名《美味しそう》，表達「看起來真好吃」的常用語。當翻譯成中文時，就起名《相機食先》，出乎意料更貼合作品的主題。

《相機食先》

日常 VS 慾望

香港空間狹窄，人口密集，《擦身而過》雖講東京澀谷十字路口，卻十分貼合香港，擠迫行走卻能共處，盡量避免互相碰撞。日本藝術團體Perfectron捕捉澀谷十字路口五百多個行人過路，他們的動線密集而不碰撞。日本對規劃馬路條紋的間離有嚴格規範，但原來香港並沒有這種規定。《過路之選》劃了三行不同間距的馬路條紋，只有一條來自現實佐敦的馬路，光憑肉眼難以分辨。城市驟眼看，充斥太多事物，很少人會留意那行人過路的動線、馬路條紋的間距。

《 擦身而過》記錄近五百五十人同時越 過東京澀谷十字路口的動線，呈現人 潮流動而無人相撞。

《過路之選》有三條行人過路線，只有一條來自現實中的佐敦。（答案是B）

橫山出生在一九七○年代初的日本，正值戰後日本經濟處於消費主義的巔峰。父母給她買隨身聽，家裏買新車、安裝冷氣，擁有新事物猶如等同美好生活。「我對此一直有個疑問。擁有新東西真的能讓我們的生活變得豐富嗎？所以，也許我們當時之所以這麼覺得，是因為我們以前沒有這些東西。但現在我們甚麼都有了，然後我們開始意識到，哇，我們不應該製造這麼多東西。」

在這樣的大環境，設計不再是解決問題，如改善日常生活，倒變成製造慾望的工具，放大物慾，來到現今更是有增無減。橫山冀望也讓觀眾思考，「只要人類存在，我們就永遠不會停止製造。但我們必須改變我們生產、購買和丟棄物品的態度，這至關重要。」

M+資深策展人兼設計及建築主管橫山育子抬起木結他形道具，但不能觸碰到金屬，否則會發響。

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何弢正在籌備海洋公園熊貓館設計（相片由何弢基金提供）

何弢建築起點

何弢一九三六年生於上海，二戰後才隨家人移居香港。他在香港讀培正中學，五◯年代末像他父親到美國讀大學。何弢入讀威廉士學院，主修藝術史副修音樂和神學，後來因為建築是他從未接觸的領域，於是一九六◯年到哈佛大學讀建築。哈佛大學建築學院由包浩斯創辦人Walter Gropius主導，他也是何弢的老師，何弢深受包浩斯思想影響。一九一九年Walter Gropius在德國創立包浩斯學校，包浩斯重視工藝，認為需要結合藝術與技術，視建築、工藝與藝術為一體。但是三◯年代包浩斯遭納粹封殺，Walter Gropius流亡美國，反而讓包浩斯思想傳播更遠。

何弢修讀建築期間，在Walter Gropius共同創辦的建築事務所The Architects Collaborative工作，一九六四年回港發展。他先加入平面設計師石漢瑞（Henry Steiner）的公司，一九六八年自立門戶，成立自己的建築事務所。

新書解封何弢原始檔案

何弢在香港設計的建築，像香港藝術中心、聖士提反書院科藝樓和五旬節聖潔會永光堂，只要路過就會過目不忘。與此同時，他也積極參與香港事務，譬如設計區徽。他在二◯◯二年中風，之前他的著作很少，跟建築相關只有結集多年散文的《何弢築夢》（二◯◯◯），其餘都是藝術相關著作。何弢二◯一九年過世，終年八十二歲，包括他在內的香港建築師一直缺乏研究，所以很難找到門徑接觸其建築設計思想。

建築歷史學者黎雋維，近年爬梳香港建築和香港建築師歷史，二◯二一年與年輕建築人合著《迷失的摩登—香港戰後現代主義建築25選》，講述香港二十五座現代主義建築。好幾年前，他更有機會接觸建築師何弢數十箱原始檔案，於是展開研究，撰寫《重遇：何弢—香港建築師的跨界宏圖》一書。「由很多年前開始，其實一直很想去研究香港的建築師，或者研究一些能夠代表香港的建築思路，這對於建築是很重要。建築的設計雖然永遠都是望向前，但其實很多時候我們（建築師）做設計，可能會思考，如果我要設計一些和香港本土文化有關的設計，究竟如何定位呢？這個定位很靠一些曾經很重要或做過很多設計的建築師。」黎雋維說。

大約八、九年前，他希望以香港建築師作為研究主軸，幾個人選就包括何弢。「何弢對於這個研究最有意義。原因是他不像五◯年代建築師，那些人可能已經隔了一兩代，何弢其實有很多的朋友，或者很多曾經有接觸過的人，在今天在圈子裏面仍然很活躍。」

當黎雋維研究何弢的檔案，看到很多他設計建築的原始想法，而且檔案裏的排列組合，可了解建築設計背後的思路。譬如香港藝術中心的檔案，夾雜中式建築的和巴黎龐比度中心的相片，「看似『無厘啦更』，但其實很有關係。因為這反映當時在拍攝照片的人，他想將這兩樣東西拉在一起，這就變成了研究上很重要的一些線索。」

黎雋維後來說：「我覺得應該從一個香港人去看、去認識這個建築師，你就會發現其實他（何弢）不止是在做自己的建築，他是在推動香港文化藝術的發展。而從中也希望大家可以不要只局限在建築這個範疇來看建築，其實建築是一個很廣泛的文化範疇。」

何弢深受包浩斯思想影響，黎雋維解釋：「包浩斯的思想並非純粹是現代主義或功能至上，這可能是對包浩斯的誤解。其實包浩斯其中一個重點的元素，就是認為建築是各種範疇工藝做到極致的建築。所以其實在何弢的設計裏面，有時候我們會看到這些執著。我會說他除了設計建築造型外，其實有些情況他會執著一些細節的位置，也會嘗試把工藝元素放進去。」

一、代表作1 香港藝術中心

一九七七年，香港藝術中心成立，何弢是三位創辦人之一，並促成中心成為香港首所民間發起文藝建築。建築基地面積有限，以L形沿着兩側相鄰建築物延伸。建築需要應付多種功能，建築師何弢將藝廊、劇場和電影院等多種功能上下疊加在建築內，沿着中庭向上的旋轉樓梯成為流線。香港藝術中心被認為是高科技建築風格，即設計將構件、材質和管線裸露等工業結構元素作為外顯裝飾。藝術中心以三角形網格為系統單位，系統不斷伸延擴展，無論外牆和天花也有三角形元素。

不過，藝術中心部分原有設計已被改動。藝術中心本來有着三角形玻璃天窗，但已封起，陽光不再從露台天窗灑入。巨型黃色冷氣喉管從中庭天花向下延伸，喉管外露成為建築設計特色，現不再復見。中庭設計放入工藝元素，旋轉樓梯有一張大地毯，地毯隨着高度漸變顏色，顯露何弢的包浩斯背景，不過亦不再存在。

設計圖中有一個未能實現的構思—藝術中心的藝術空間透過天橋和平台向外延伸，橫跨馬路，一直接駁灣仔海濱空間。假如成真，藝文生態又會否改變？

二、代表作2 聖士提反書院科藝樓及鄧肇堅堂

聖士提反書院於一九◯三年成立，現時赤柱校舍在一九三◯年啟用，校園內有許多二、三級歷史建築。一九八一年，何弢設計的科藝樓（教學樓）和鄧肇堅堂（體育館）落成，融入原有校園，也冀望製造中心點，整合書院零散的建築空間。

建築羣布局形成中央廣場，融入山勢，建造樓梯連接山上山下。科藝樓以梯形為結構模組，依傍山丘之餘，亦可不斷延伸。科藝樓和鄧肇堅堂同為粗獷主義建築，如實呈現建築物料材質，也著重展現結構。

科藝樓用上三種混凝土（清水混凝土、木紋板狀混凝土、瓦楞狀混凝土），分別用在結構柱、遮陽板和梯形牆和斜牆。梯形框架既呈現結構，也是實用，作為雨水排水凹槽，連接屋頂的排水槽，避免在混凝土牆身造成水漬，看起來也更輕盈，不帶混凝土建築的笨重感。

三、代表作3 五旬節聖潔會永光堂

二◯◯一年，何弢設計的五旬節聖潔會永光堂落成，在樂富一帶鶴立雞羣。但是，何弢遇上跟香港藝術中心同樣問題，地基面積細，需要垂直疊起大禮堂、小教堂、辦公室等功能空間。

建築呈巨型結構架，何弢已經預想建築可沿着結構向上擴充。建築中層，是一所橢圓形的小教堂，形態外露，成為建築外型的一部分。小教堂頂有一道道弧形窗戶，引光滲入室內，形成強烈的視覺效果。

在原設計的構想圖，打算以鋼鐵結構來建造，令結構架看起來更輕盈，不過最終以鋼筋混凝土建造。黎雋維認為何弢受七◯年代興起的建築設計思潮影響，認為建築技術成熟，透過可以延伸的結構來快速發展城市空間；其次太空時代（space age）令鋼鐵技術創新和產能過剩，於是利用鋼鐵作結構部件。

四&五、預言 灣仔藝文海濱&東區走廊橋底結構

何弢的建築作品精采， 未曾落實的建築構想同樣精采，他就像先知，構想被後來者一一實現，例如香港海濱提案。早在一九六三年，何弢在哈佛大學建築學院的畢業論文，為香港設計海濱發展項目，回應當時殖民政府較少考慮發展海濱成公共用途，著重用填海來建造臨海商業地段。

何弢早期作品香港藝術中心（一九七七），便提議利用灣仔海濱空間作為藝文場所，惟未有實現。一九八八年，香港市建局前身土地發展公司邀請港大建築系，為新填海區制訂建議，何弢受港大建築系邀請，帶領建築系學生研究西九填海地規劃。他們額外研究香港島的臨海地帶，提議發展成海濱長廊，又建議在東區走廊高架橋下加入簡單結構，發展成住宅、商業及休閒用途。

一九九九年， 何弢與綠色力量提出方案，遊說政府放棄啟德機場搬遷後的九龍灣填海計劃。何弢提議保留舊機場跑道的海岸線輪廓，建造巨型海上平台，取代傳統填海方法。他的概念類似日本代謝派的海上建築，菊竹清訓在一九五八年提出建造順應海洋浮游飄移的城市，而丹下健三在一九六一年提出《東京計畫一九六◯》，海上建築橫跨東京灣，透過巨型漂浮結構解決土地不足的問題。

二◯◯一年，香港政府就西九文化區設計舉辦國際比賽，何弢的參賽作品同樣善用海濱空間。同年，何弢正式提出「北角基堤」方案，建議在東區走廊橋底加入結構，將空置空間轉化成海濱空間。最終他的構想被後來者實現：東區走廊的東岸板道、港島北海濱長廊，西九文化區和啟德區也重視海濱空間。

「一個建築師如果只是設計建築，其實他做不到歷久常新的影響力出來，但是何弢在八◯年代的時間，就投放了很多時間在這些思考上，而同一時間，他不僅把思想放在香港，他把力量放在整個東南亞地區，他思考的問題都很地區性，可能是香港的身份在亞洲不同城市比較下，其實香港的獨特性在哪裏呢？這造就他不止在香港有影響力，他在亞洲其他地方也有影響力。」黎雋維說。何弢認為，香港的特色是「亂中有序」，他也放到地區討論，何弢跟其他亞洲建築師組成Asia Planning and Architecture Collaborative，將香港建築帶出國際。

六、你可能不知道的何弢1 設計區旗區徽

何弢積極參與香港事務，無論在政治，在民生。回歸前夕，一九九五年他擔任港事顧問，最為人熟知的是參與設計香港區旗區徽。原來，區徽的草稿畫在廣州白天鵝賓館的紙上。除了區徽，他建議在維港建立回歸紀念碑。在他的構想，紀念碑高一百米，維港兩岸建築射出雷射光束，投射在紀念碑的反光球，維港築成一張色彩斑斕的光網。不過構想未有實現。

（相片由何弢基金提供）

七、你可能不知道的何弢2 世博香港館

一九八六年，他代表香港，在溫哥華世博設計香港館。香港館被竹棚包圍，表明展覽館只是臨時建築。兩名搭棚工人從香港到溫哥華逗留六個月，即場表演搭棚技術。香港民間啟發何弢，同時他的設計也在民間。他設計無數香港郵票，亦設計過經典的公仔麵和維他朱古力奶的標誌。

黎雋維認為，何弢承接包浩斯的精神，主張「全面設計」（total design），視每個設計領域為一體。「他不會只限於做一件事，他很多東西都會想嘗試。這也是受訪者會說何弢的一種性格特徵，就是他很貪玩，甚麼都想嘗試。」何弢創作藝術，試用吹墨作畫，試用建築剩料做雕塑，敢不時畫自己的貓。「你會見到他對於生命、生活的熱誠，而這種熱誠推動他去不同藝術範疇的創作，設計創作的動力。這也是為甚麼他源源不絕有創意，很活躍去做不同事的推動力。」

何弢設計一九八六年溫哥華世博香港館（相片由何弢基金提供）

（相片由何弢基金提供）

八、未竟之作1 山頂纜車總站

何弢亦曾設計香港地標，不過最終落實其他方案。九◯年代山頂纜車總站重建，何弢曾設計以玻璃作為表層物料的建築，建築像水晶球，室內空間無阻視線，飽覽室外風景。不過何弢設計無緣山頂，一九九六年英國建築師泰利．法雷爾（Sir Terry Farrell）設計的山頂凌霄閣落成，外觀像碗和拱手，藉玻璃與鋼鐵創造未來感。

何弢設計山頂纜車總站重建項目模型（相片由何弢基金提供）

九、未竟之作2 中央圖書館

一九九三年，市政局選定銅鑼灣摩頓台地皮興建中央圖書館。中央圖書館由建築署建築師何超凡設計，其設計方案飽受批評。一九九七年，市政總署外聘四間顧問公司，重新設計圖書館外形，但後來委員會決定保留中央圖書館原有設計。何弢為時任香港建築師學會會長，他亦曾為中央圖書館外牆提出新設計，採用大量玻璃幕牆，配合曲面玻璃棚，營造有蓋的公共空間。現時的中央圖書館在二◯◯一年啟用，建築呈新古典主義風格，並結合大量幾何圖形。

何弢設計中央圖書館效果圖（相片由何弢基金提供）

（相片由何弢基金提供）

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Studio Yellowdot設計的新意粉「Tattile」，以夢為主題。

「意粉對意大利人很重要，能夠設計自己的意粉，還在米蘭設計周展出，就像美夢成真。」香港／土耳其設計雙人組Studio Yellowdot為3D打印意粉品牌Artisia設計了三款以夢為造型的新意粉「Tattile」（觸覺），圓潤小巧的逗號、八字和小山丘，「我們想創造一個可以吃掉的夢。」

韓文鏘和Dilara在米蘭修讀產品設計時相識與相愛，並於二○一七年創辦設計工作室。

LESS IS MORE簡潔設計的用意

今年米蘭設計周每日都陽光普照，整座城市都飄盪着棉絮，像一個永遠不會醒來的夢。在清爽明亮的早上， 記者到訪Studio Yellowdot在Porta Venezia設計區舉辦的展覽。奶黃色牆壁、淺木地板、地上一株株小麥與一枝枝幼線條座地燈，還有三張像巨大通心粉的沙發牀、搖椅與躺椅，伴隨背景輕柔的鋼琴音樂，如沐浴在白日夢之中。

設計師夫妻Dilara Kan和韓文鏘（Bodin）穿着米白色情侶套裝登場，配合主題。Dilara介紹：「我們創造整個體驗，不只是設計。展覽的所有東西都能夠觸摸和互動。」例如燈具上面擺放了意粉，用來突顯3D打印出來的紋理；躺椅同樣是利用3D打印技術一體成型，猶如放大版的意粉。Bodin：「這次展覽運用了我們所有設計技能，從平面設計、包裝、燈光、家具、餐盤到裝置藝術，連門外我們都造了一個小型噴泉，讓人先洗手再試食意粉。」

他們為Artisia設計的意粉亦同樣聚焦於觸感，Dilara說此款意粉的特點在於是finger food，可以將整件迷你意粉拿上手，在吃之前捧在手心細看。與品牌以往的複雜結構意粉不同，他們今趟設計的新意粉外形簡單，Dilara解說：「我們希望保持簡潔，讓人們專注於品牌本身，而非我們的產品。我覺得這意粉是關於一種拿起的動作，對許多人來說這是第一次用手指拿起意粉來吃。設計周匯聚世界各地的人，我們想先讓他們體驗這種全新方式。」

同時，他們不忘善用品牌獨有的3D打印意粉技術，將新意粉設計成兜狀，供人隨心塞滿或甜或鹹的餡料。「我們一直很喜歡做有關食物的設計，去年做了關於雞蛋的家品展覽，之前用陶瓷做糕點餐桌椅。因為我們都在意大利讀書，設計和食物的關係總是密不可分。」請他們各自分享一個美好的飲食時刻和創作靈感，Dilara分享家鄉伊斯坦堡有一道會藏有錢幣的傳統菜餚，啟發她創作雕塑作品「The cabinet」，Bodin則真誠地說「是我們第一次約會時她煮的飯。」說罷便漲紅了臉。幸福氛圍瞬間包覆了整個空間。

他們為展覽設計躺椅等家具，家具同樣利用3D打印技術一體成型，猶如放大版意粉。

連燈具也是度身設計，利用巧思在燈上擺放意粉，突顯3D打印出來的紋理。

意大利重視飲食文化，設計和食物的關係總是密不可分。Bodin和Dilara在米蘭讀設計時相識相愛，亦持續做着食物相關設計。

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Nippon吊燈獲膺今屆衛星獎首獎，3D打印出貝殼生物聚合物的薄片，再以手工塑造型態。

今年米蘭家具展衛星獎（Salone Satellite Award）得主，是丹麥哥本哈根雙人組合Russo Betak創作的「Nippon」吊燈，材料是由貝殼混合而成的生物聚合物（biopolymer），再經3D打印出透光的層次紋理。

設計師Søren Betak解說：Nippon吊燈屬於「Ark」燈具系列一部分，Ark在丹麥文代表Sheet（薄片），「首先用我們自己建造的大型3D打印機打印出薄片，然後將薄片再次加熱、進行雕刻，是一種科技與工藝的結合。」

Nippon又指日本，他們嘗試融合丹麥與東方美學，原來燈具形態深受日本紙燈啟發，因此今次展示空間亦以攤開六卷和紙捲軸作為整體裝飾，並計劃在展覽結束後回收捲軸，實現零浪費。他說自己在創作初期會減少接觸外界，避免受其他設計影響，「我喜歡觀察自己內心的靈感。」就如他年少時從時裝設計轉向家具設計，亦是順從自己內心的呼喚：「我修讀了雕塑碩士學位，發現自己既喜歡設計物品亦喜愛藝術。」

每盞燈均散發不同深淺的柔和橙黃，原來溫暖的焦糖色來自青口、白色來自扇貝、偏綠色調來自生蠔，顏色完全源於貝殼本身。「我們有一個很美麗的發現——貝殼主要由碳酸鈣組成。仔細看，它其實是一個微小的晶體，因此當光線照射它時，它會散射光線，這非常適合用來製作燈具。」

最初他們從住所附近海鮮餐廳收集貝殼進行創作，現在找到法國北部諾曼第的貝殼供應商支援項目。整個燈具研發過程歷時三年，最耗時是從零知識開始製造一台兩米乘一米尺寸的3D打印機器，以及仔細研究材料質地。用看似堅硬的貝殼打印出來的薄片，竟呈現一種水潤的光滑潤澤。

每盞燈都像海洋之物，像海藻，像絲綢，像詩。

Ark是他們第一個燈具系列，設有枱燈、吊燈和座地燈三款。

丹麥哥本哈根雙人組合Russo Betak

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一個愛馬仕水瓶歷經三年研發，從材料、工藝、光澤、手感，到斟水動作都考慮周全。

從一個水瓶，看見一個高端品牌做家品的精細思維。

金屬主題

今年米蘭設計周，愛馬仕以金屬為全新家品系列主題。愛馬仕家品創意總監Joséphine Ciaudo接受專訪解說：「去年探索手工及吹製玻璃，形態自然流瀉或呈現有機性，就像玻璃這種材料本身。今年我們選擇金屬，因為在各種材料中，金屬有優點也有缺點，優點之一是金屬令物件更有建築感和結構性，但缺點是處理金屬要求很高精準度，加工和錘打的準確度是以毫米計算，意味着必須注意到最細微的細節。」

愛馬仕家品創意總監Joséphine Ciaudo畢業於巴黎杜佩雷高等應用藝術學院，專注產品、紡織和平面設計，二○○六年加入愛馬仕任職設計師。 （Sylvie Becquet攝）

與透明的玻璃不同，金屬會反射光線，很容易曝露瑕疵。「所以它必須近乎完美，在金屬加工時容不下半點差錯。」

手工錘打鍍鈀金屬水瓶，配以相思木手柄，展現銀器工匠精湛手工。

顏色：啞光鍍鈀

單看相片，會以為水瓶是黑色的，但實物卻更接近銀白。瓶身明明只有一種顏色，但光一打，突顯了某處的白，旁邊卻揭露出更深邃的黑。從相片看，你會以為黑才是主色，白是反光；但原來白才是主調。

這種奇妙的色澤歸功於物料，「我們選擇鍍鈀金屬（Palladium）有兩個原因，首先它極為稀有，比黃金稀有十倍；第二它非常耐用，因為氧化程度極低，所以我們一直使用鈀金來製作所有手袋的扣環。」新家品系列名稱，亦用上與鈀金英文近似的古希臘女神帕拉斯（Palladion）。

接着，歸因於拋光工序，Joséphine形容金屬拋光處理是「火的藝術」，「因為金屬是從地球深處開採出來，經過拋光處理後變得光彩奪目。」這三年來，他們不斷測試和評估各種表面處理方法，希望找出「金屬的本質」，最終選定現在這種兼具啞光和亮光的色澤。「我們的設計理念是克制，而非過度堆砌；賦予它色彩，但又非常謹慎，因為色彩必須與產品形狀相符。」

圓筒花瓶穿上騎師綵衣，綵衣皮套由小牛皮及山羊皮製成。

混搭：幾種物料

Palladion系列共有四款產品，水瓶、兩款花瓶和枱頭擺飾，而每一款都不獨使用金屬，而是同時配搭其他物料。包括水瓶與相思木手柄、花瓶與小牛皮和山羊皮皮套、花瓶與蜥蝪皮革和馬毛，還有金屬擺飾的紫藍色山羊皮繫繩，物料和色彩配搭別出心裁。

「其中一個有趣的過程是，我們想結合金屬和黑色皮革，黑色皮革本身帶有一種近乎磷光的質感，有時很光亮，有時又很深邃，你能從花瓶中感受到這種光澤。」要將金屬結合其他物料，則非常考驗工匠的技術。

擁有黑色馬毛裙襬的花瓶，皮革飾邊則是蜥蝪皮，一個花瓶三種黑色光澤。

工藝：請教專家

結合金屬和其他材料，非常考驗工藝，工匠技術至關重要。「運用不同材料，我們請教不同專家。例如花瓶，我們請假髮師傅製作馬毛部分；水瓶木柄，我們找來鑲嵌大師幫忙。」

工藝：古老機器

「你知道Polenta（玉米粥）是甚麼嗎？」訪問時，Joséphine提起一種意大利農民傳統食物。「它是一種非常基本的食物，它能夠保存好幾天，可以搭配任何食物一起享用，但它必須放在一個特別盤子裏，下面要墊一層東西，否則它會腐爛。幫我們製作枱頭擺飾的工匠就是用同一台機器來製作Palladion d’Hermès盤子，一部非常古老的機器，是他們家族傳承下來的。」

深度了解金屬物料，並銳意發展出一種圖形語言，展覽佈置亦以圖形為主題。

動作：讚美雙手

將金屬用於家品，重量是一個問題。但Joséphine說所有家品都很輕盈，令用家在使用產品時動作優雅，「設計水瓶時，我們不僅考慮金屬重量，還考慮了裝水後的重量，以及往杯子裏倒水時，如何令動作更加優雅。」

他們還有一個饒富深意的設計哲學——讚美雙手，包括製造者和使用者的手。「我們經常坐下來討論一件物品的各個方面，例如重量、罐子的形狀、是否好用、使用方法等等。就像水瓶的手柄，我們必須設計出一個通用的形狀，適合地球上的所有人。」

物料、工藝、手的價值，環環相扣，因物料稀有，所以要徹底了解物料本質，用最好的工藝創造最高質產品；因感謝匠人的手，而要造一件經得起時間考驗、品質上乘的物料。「我們非常重視手工及手感的價值，所以要創造一種手和物件之間的親密感，創造親密感是我們的責任，同時我們要對物料負責任，這一切都是一環扣一環。」

枱頭擺飾邊緣是淤葵紫色和深藍色山羊皮繫繩，靈感來自騎師綵衣，對比強烈、顏色鮮豔，距離很遠都能被一眼辨認。

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一九二八年，自瑞典社會民主黨主席Per Albin Hansson提出「人民之家」（Folkhemstalet）理念，以「為人民創造更好的生活條件」為社會核心之後，設計界出現一股鼓吹功能主義（Functionalism）與民主設計（Democratic Design）的潮流。這種設計思維強調透過優質、實用且價格親民的設計，改善大眾日常生活品質，同時注重工藝品質、可持續性與人性化使用體驗，提倡美好設計應是人人可擁有，非只屬社會精英階層。

北歐設計（Scandinavian Design）簡約、功能至上兼具美學元素的風格一直備受追崇。利落線條、自然材質、明亮色調，這些元素創造了溫暖且實用的空間。隨着現代社會日益複雜且步調加快，北歐設計繼續提供一個永恆的避風港，在嚴峻的環境與社會挑戰之下，安放情緒與日常生活。

本刊走進四名在瑞典工作的設計師真實的家居，探索創意之源，如何於居住空間實踐北歐設計哲學。他們又是如何在北歐追求的設計倫理之中容身，在家展現自己獨特的個人風格？

斯堪地那維亞設計 北歐五國共同追求的烏托邦

「斯堪地那維亞（Scandinavian）」通常指稱丹麥、芬蘭、冰島、挪威及瑞典五個北歐國家，但地理上只有後兩國位於斯堪地那維亞半島。斯堪地那維亞地區的國教路德宗（Lutheranism）強調真理與理性，鼓勵人民透過腳踏實地努力工作、造福人類來獲得救贖。這種肩負社會責任的道德觀念，成為北歐設計哲學的基石。對於大多數斯堪地那維亞人而言，設計不僅被視為日常生活不可或缺的一部分，更是推動社會變革的手段。所以斯堪地那維亞流行一種「民主化」的設計理念，旨在透過合適且價格合理的技術與產品，追求社會理想並提升生活品質。

嚴峻氣候與地理環境亦令當地人極為重視居家環境的舒適感。二十世紀斯堪地那維亞設計和工藝的關鍵特徵，在於追求品質和厭惡平庸。不論椅子、花瓶、咖啡壺還是儲物罐；不論是手工製作還是機器製造；不論是昂貴還是廉價，其設計都應該予人情感慰藉，體現「hygge」概念（丹麥詞彙，意指幸福而舒適的感覺），同時捨去浮誇，偏好低調而又細膩的空間。

儘管北歐五國之間存在許多相似之處，但在設計這個領域，各國之間仍存在着鮮明的風格差異。芬蘭建築師、全球首位城市設計長Anne Stenros則有如此見解：「在情感層面上，丹麥人稍顯『南方』氣質，芬蘭人稍顯『東方』氣質，挪威人稍顯『北方』氣質，而瑞典人則秉持中庸之道。冰島人則擁有自己堅實的根基。」

瑞典設計風格起源則可追溯至十八世紀。時任國王古斯塔夫三世開創了一種裝飾風格，靈感源自歐洲、尤其是法國盛行的新古典主義風格。瑞典古斯塔夫風格的室內設計強調輕盈、舒適、簡約與空間感，特色在於柔和色調、淺色塗漆松木家具以及不加裝飾的原木地，為歐洲大陸的新古典主義風格進行了更溫和且宜居的詮釋。一八三◯年代和一八四◯年代，瑞典設計師受德國畢德邁爾風格（Biedermeier）影響，製作裝飾簡約的家具，使用淺色木材，尤其是樺木和楓木為主。

第一次世界大戰結束後，瑞典開始流行簡約之美。新世界秩序令人開始構思如何實現社會進步。直至第二次世界大戰後，「人民之家」（Folkhemmet）的社會理念造就瑞典成為一個福利國家（Swedish welfare state），國家主導的住房政策對瑞典社會結構產生了深遠影響，「設計即生活方式」的理念自此在瑞典設計界日益盛行。

RETRO／材質混搭 創現代復古風

Sara Ottosson，瑞典資深產品開發人員，曾推出彩色音響及燈具等，著重美化家用電子產品，強調大膽圖案、鮮豔色彩與情感表達，讓電子產品成為居家裝飾的一部分。

Sara抱着她的小狗打開深褐色木門，倚站在白磚牆前打招呼。陰天之下，踏進Sara的寬敞別墅恍如步入一個極具情調的高級餐廳，每一處陰暗都有屬於它的光明。

這間屋距離Älmhult市區約十五分鐘步程。業主原是一個石材公司的老闆，此別墅用作展示室，所以地板採用了紅色花崗岩，而這種沉實色調直接定調了整個家的風格。Sara配合地板，全屋採用粉紅偏暗的牆壁顏色，「我們一開始就選了粉紅色，這讓空間更溫暖。或許更有國際風格吧。我覺得這風格有點算是……現代復古風。既懷舊又非常現代。」她形容屋子的建築偏向美國西岸風格，所以樓底不高，格局偏向低矮寬闊，搭配落地玻璃採光，粉色牆壁在晴天則會變得十分明亮。

屋子使用單層設計，改裝前設有很多小房間，包括洗衣房；廚房空間原本小得只夠用來翻熱食物，難以煮食。Sara搬進來後拆了一面牆，使開放式廚房範圍更大，且與飯廳連接。「或許是因為我們常跟朋友一起下廚。聚會都圍繞着食物，家不止是單純招待客人的地方，而是邀請大家一起做菜，我們一同在室內外穿梭，忙進忙出。」

飯廳其中一面牆壁使用了非織造材質壁紙，盛開的粉色牡丹花兼綠葉背景在柔和燈光下散發出如舊織錦般的細膩質感。下方深啡色木櫃線條簡潔有力，上方鏡子曲線柔和，溫潤的白色球形檯燈配合簡潔的金屬壁燈，交織出古典之美，奢華而又低調。

飯廳其中一面牆，復古牆紙配上現代感直條型垂吊燈飾。

打通牆壁增加空間感

轉個身，飯廳與客廳雖然有一牆之隔，但是牆壁上挖了一個約五十厘米寬的圓形開口 ，光線互通，令兩者氛圍更為連貫。其實原本這個位置安裝了一個電話插座，電話響時兩邊空間的人都能接聽，後來拆掉電話才造成如此有趣的空間。「很適合家人相處共處。現在坐在這裏，感覺真的很棒，能與其他空間的人連結在一起。」

她最愛她家之處，在於所有公共使用空間都匯聚於左方，臥室及其他房間則分布在兩側，動線全都是通往家的中心。常有親友探訪，小朋友進出室內和戶外空間也極為方便。

燈飾、櫃子、梳化、牆上畫作、半透明窗簾……客廳所有家具圍繞着紅橙黃三色，同色系搭配令整體視覺協調，整個空間籠罩在柔和的暮光氛圍之中。不時有綠色點綴但不突兀，反而相得益彰。「室內光線稍微暗了些。但話說回來，當陽光灑落時，屋內會透進絕美的光影，這種昏暗感反而讓空間顯得格外溫馨。我們盡量維持暖色調，所以牆面都帶點粉色。」

Sara的先生從事與音樂相關的工作，她家一共有十九個音響及差不多相等數量的燈具，亦有許多黑膠唱片。全屋使用智慧系統，只要去到晚上十時，所有設備都會自動關閉；第二天早上的起牀時間，設備會自行開啟，燈光亦會調整到最舒適的亮度；打開電視時，燈光會自動調暗，切換到電視模式。

復古花紋壁紙與現代燈具大膽共存，溫潤木質與冷調金屬相互襯托，材質混搭卻又不違和。石材地板、牆壁的豐富色彩與燈飾柔和光影相互輝映，打造出充滿藝術感、又具個性的典型現代感住宅。

VILLA VILLEKULLA／不多不少哲學 色彩豐富不失個性

Caisa Ericsson，瑞典平面設計師，畢業於Nordiska Textilakademin（北歐紡織學院），專門設計紡織品印花及圖案、開發家用紡織品。

Caisa的窩居位處一幢古老木造屋的二樓。這幢木屋不是原地興建，而是從別處整幢建築移築於此。樓下位置是一間售賣精品的小店。走上狹窄的木梯，樓上空間也極為擁擠，但眼前出現四個色彩分明的空間：藍色的廚房、綠色的書房、黃色的客廳和橙紅色的臥室。每個房間都極具個人風格，牆上不缺藝術品、復古家具與趣味裝飾。

Caisa說如果要用一個詞來形容她的屋，那會是「Villa Villekulla」，這是瑞典經典兒童書籍《長襪皮皮》（Pippi Longstocking）之中，主角皮皮與她的寵物猴子和馬居住的奇幻小屋，以色彩繽紛、沒有大人規管、充滿童趣而聞名。

她剛搬進來時，牆壁和天花板是不太好看的米黃色，她早已有把整個空間重新粉飾一遍的想法。後來她在跳蚤市場購買了一幅畫，而她很喜歡畫裏藍色的椅子，忽發奇想：「為甚麼不把整個房間漆成藍色？」於是她動手把廚房牆壁髹油，連椅子也重新上色，所以廚房內有三張藍椅子。後來，她又想要有一張綠色的椅子、一張粉紅色的椅子，所以直接將她喜歡的顏色作為每一個房間的主色調。就是這樣，她只憑一個令她心動的物件，通常是畫作，來決定房間的牆壁顏色，之後的裝飾就會以其為基準，「一切都是順其自然。」

一個心動物件 定調房間主色

「色彩總能讓我感到快樂又充滿活力，原因就這麼簡單。」Caisa的家居設計思維就是盡情享受，選取讓自己感到開心自在的物件，「別擔心搭不搭，反正不是形成對比就是互相襯托，怎麼搭都沒問題。」

每間房的牆壁，她都放上大量瑞典作家兼插畫家的作品，那都是她小時候媽媽讀給她聽的故事畫。亦有些是她買了二手書，把喜歡的插圖剪下來，鑲起來貼在牆上。任何讓她開心的東西，都是她的家品。每走進一個房間，就如同打開一本童話故事書。

這一抹色彩不是永久，Caisa非常隨性，只要突然心血來潮有了靈感，第二天就會出發去買油漆，改變每一間房間的故事。

瑞典有一哲學稱為「Lagom Living」，亦即一種剛剛好、不多不少的哲學，從家居設計而言，則是創造一種介乎雜亂與空洞之間的和諧空間。於Caisa而言，即使不走北歐典型的極簡風格也可以做到「Lagom Living」。她每次去跳蚤市場、二手店，或是單純買了新東西，她都會試着遵循這個原則：進一件，出一件。「如果我買一件東西，就必須把手邊現有的某樣東西賣掉、捐出去或送人。」

CHIAROSCURO／光線營造層次感 簡約不單調的舒適圈

Lukas Bazle，德國產品與室內設計師，曾效力德國廚具品牌MYKILOS，醉心燈飾設計。其作品見於荷蘭燈飾品牌Moooi、北歐設計電商平台Finnish Design Shop以及IKEA等。他的設計始於探索材料，喜歡藉此發掘材料的獨特性與潛能。

距離Älmhult五公里有一個小村莊Loshult，四周是乳牛忙着吃草的田野、種滿各種蔬菜的田園。那裏住着約九十位居民。就在兒童遊樂設施的不遠處，藏着一間小型烘焙坊，Lukas的家就在烘焙坊的樓上。

尚未踏上屋前的小木梯，已有陣陣麵包香飄過來。我們攀上二樓，首先迎接我們的是一個傳統日式紙燈籠。拐一個彎後，左邊是斜陽色調的飯廳，中央懸掛着一盞米白色傘型百摺紙質吊燈，映照下方的深木色長形餐桌，燈光柔和暖黃，是整個空間的視覺焦點。天花、地板與木製傢俬深淺木色交錯，日間時窗戶引入大量自然光，營造成溫馨的用餐空間。

飯廳上方，New Works Nebra系列燈罩，由Lukas設計

傘型百摺紙質吊燈其實是Lukas八年前設計的作品，為丹麥品牌NewWorks Nebra系列的產品，燈罩樣式可以隨意變換為上錐形、下錐形與圓柱形，使用者可手動轉換燈罩的照明方向。如調整成下錐形燈罩，燈光可以利用天花板反射，光線更柔和，也能讓桌面光線更充足。

臥室實木平台牀上方亦掛上同一款式的壁燈，錐形輪廓在光源變化之下在牆壁上呈現出不同光影效果，靜謐而又深邃，也拉開空間的視覺高度，令房間顯得更為開闊。

「晚上只要透出一點微光就很有氣氛了。」Lukas說，大量運用光線，是斯堪地那維亞設計的精髓，燈具可以展現不同的質感，才會讓簡約設計看起來不會太單調，而他的燈飾也傳承了斯堪地那維亞的摺疊工藝。

Lukas全屋牆壁保留灰色，反而更為突顯燈飾的光線之美，盡顯融合斯堪地那維亞極簡主義及日式精湛工藝的北歐侘寂風格。

燈罩形狀改變 光線折射不同格調

近年居家生活的趨勢可見，疫情之後，有別於以往通常重視與親友相聚的區域，人如今更為渴望創造令自己感到安全、只屬於自己的私密空間。在這個空間裏，人可以逃出日常瑣事，感到自在且放鬆。北歐寒冷又漫長的冬夜裏，燈具能在空間之中再創造另一個空間，突出溫暖、明亮與舒適的氛圍。

Lukas認為，不依靠顏色，單靠傢俬形狀和比例，也能創造出讓人感覺可愛或友善的家品。他居住的空間比起其他當地其他屋子而言相對較小。走廊右方的客廳空間較大但傢俬不多，淺色原木地板以直鋪方式排列，挨着牆的家品只有電視櫃。綠色燈芯絨材質沙發前放着圖騰地毯，以及線條簡約的米色長方形單柱式基座茶几。茶几上方的半月造型米紙燈，是他為今年IKEA PS（Post-Scriptum）系列設計的作品。

客廳上方，IKEA PS 2026吊燈，手製設計。

Lukas本來想在家裏安裝一個球型燈飾，惟天花板太低，家裏變相壓迫，這個需求成為他的設計靈感。IKEA暌違九年重推這個系列，重點落於功能與趣味兼得。有別於一般圓球狀的米紙燈，Lukas考慮到很多人家裏的天花板不高，放不下形狀龐大的球體燈，所以他把米紙燈往內縮，令他整體形狀扁平，但照亮範圍仍然很大，可透過柔和的散射光線來營造溫和氛圍。

「我想在不同空間營造溫暖柔和的光影，也想為米紙賦予新意。」Lukas說，他設計時，切入點在於希望至少傳達一個訊息，家品也適用於狹小的居住空間。因為這類居住情況只會愈來愈普遍，未來追求小型空間家居設計的趨勢，也顯然會持續一段時間。

WOODCRAFT／沉醉於木頭生命力 見證大自然歲月痕跡

Friso Wiersma（左）與太太Maddie（右）。Friso是荷蘭設計師，曾從事木工、造船和櫥櫃製作，設計理念強調對材料與使用者的「奉獻」（devotion），注重手工藝與日常生活的連結，曾開發多個木造儲物產品。

斯堪地那維亞地區的人每年需歷九個月黑暗寒冬與三個月燦爛盛夏，所以當地人仰賴設計巧思來維繫生存，熟練地善用有限資源來達到高效作用。

相較於西歐其他地區及美國，斯堪地那維亞的工業化來得相對較晚，因此北歐五國的手工藝傳統得以保存得更好。當地豐富的手工藝體現了他們希望為日常物品注入自然、不事張揚之美的渴望。透過將這些古老的工藝技巧與現代設計實踐相結合，北歐設計師得以生產出極適合工業製造的高質產品。而他們的作品，通常被認為傾向尋求人造世界與自然世界之間的最佳平衡。

Friso居住的木屋則是其中一個例子，其採用的建築技術為斯堪地那維亞地區典型的原木建築方式「Timmerhus（ 瑞典語： 原木房屋）」。亦即使用水平堆疊的圓木或加工原木，透過角落「X型接合」以及特殊的砍削，令原木相互鎖定，形成穩固的結構。過程無需大量金屬釘子，同時可讓木頭在乾燥後自然收縮的情況之下，仍能保持木屋結構緊密，具有良好的氣密性與保溫性能。這種建築技術已擁有數百年歷史，是北歐傳統民居最主要的建築形式之一，尤其在農村與森林地區。

這幢全木房屋始建於一八四◯年，全由人手打造。八年前Friso買下這幢木屋時，它已荒廢了二十年，電力及供水不足。他笑言首四年他住在這裏時，根本與露營沒有甚麼分別。為應對嚴寒氣候，他們在木屋外牆加上了隔熱層，並盡可能保留內部原始樣貌。他足足花了七年時間執修。直至一年前，這個溫馨的家才真正完工。

他們保留本身屋內的大量舊有結構，包括門框及木製牆壁，並擺放幾乎全木家品，不少家品由Friso親自設計。樓下的廚房櫃子則分別髹上薄層深藍色及深綠色油漆，色彩沉穩，仍以突出木材的樸實無華為主。二樓則大量採用紅色家品，偶爾有墨綠色及植物點綴，襯托深木紋色氛圍。

廚房及飯廳

全屋建築只有暖爐不是木材

木材如「不可靠的男朋友」

Friso獨愛木頭隨歲月流逝呈現的迷人色澤。他說木頭是一個很有個性的材質，質感溫暖又自然，「我熱愛木工，這簡直是一種享受。木頭是有生命的，對我來說，能與它相處真是太棒了。」但木頭同時有很多限制，他以前的師傅曾形容木頭就如一個「不可靠的男朋友」，「說是一回事，做出來是另一回事。」

多年的木工經驗告訴Friso，學習木工，其實也是在學習謙卑。「舉例來說，這裏有個很大的木結，但翻到背面卻沒有。如果你心想，這塊木料真漂亮，可以開始動工吧。結果它就像個不可靠的男朋友，因為背面突然冒出個大木結。如果你把它用在結構件之中，那就會是個麻煩。」Friso說，即使你只選擇將一塊原木板從原始狀態打造成品，也必須明白這棵樹當初是如何生長、為甚麼這個地方會有裂縫。而這需要經年累月的磨練，才能真正學會「讀懂木材」。

Friso一直希望可以把木材編織工藝打造成實用家品，今年他終於圓夢，其作品成為今年IKEA PS Collection之一。櫃門的編織工藝百分之百純手工打造，也被放在他家中一處被陽光照亮的角落。

Friso的太太Maddie本身是一位畫家，偏好豐富色彩，所以她喜歡保留大量木質原色，色調偏向白色和米色之餘，同時加入與之和諧的跳脫色彩。「我們都很尊重木材，也很欣賞木材，尤其是木材工藝，所以屋內有很多色彩，也有許多充滿故事的物件。」這裏很多建材都是就地取材，木質結構本來就是這間屋的靈魂所在，「某種程度上，是把戶外的自然氣息帶進室內。」

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人群中，最搶眼的莫過於那襲復刻自一九五五年電影《七年之癢》 (The Seven Year Itch）的經典白色吊帶裙。片中夢露站在地鐵通風口上，裙擺被氣流吹起的一幕，至今仍是影史經典。

參與者需支付七十五美元報名費，便可獲得一套「 經典套裝」：白色裙、白金色假髮、貓眼太陽鏡，以及一隻馬丁尼杯。這場盛會吸引上千名粉絲與模仿者齊聚，打破了二〇二〇年澳洲二百五十四人參與的紀錄，料將成功刷新「最多人扮成瑪麗蓮夢露」的健力士世界紀錄（Guinness World Record）。

巨型八米瑪麗蓮夢露雕像

瑪麗蓮夢露原名Norma Jeane Mortenson，生於一百年前的一九二六年六月一日。她的童年並不幸福，在寄養家庭度過，十六歲便輟學結婚。一九五三年，她憑《飛瀑慾潮》（Niagara）初登荷里活，隨後以《七年之癢》（The Seven Year Itch）、《熱情如火》（Some Like It Hot）等作品稱霸五〇年代票房。她不甘受限於荷里活片廠制度，自組「瑪麗蓮夢露製作公司」，以巨星身份支持同志朋友與著名歌手艾拉·費茲潔拉（Ella Fitzgerald）。

一九六二年八月五日，夢露因服用過量鎮靜劑在洛杉磯寓所猝逝，年僅三十六歲。六十年後，她的光芒仍未被遺忘。

英國傳記作家 Andrew Wilson 形容瑪麗蓮夢露是「不折不扣的行動者 （activist）」，他在新出版的傳記中指出：「人們總是低估了她，把她當作愚蠢的金髮美女。若她活久點，一定能挑戰更多不同類型的角色。」

棕櫚泉與夢露

棕櫚泉是科切拉山谷 （Coachella Valley）中內的一座著名綠洲城市，離洛衫磯只有兩個小時左右的車程，一直是洛衫磯荷里活富人的後花園。一九四九年，年僅二十二歲的夢露在棕櫚泉的網球俱樂部 The Racquet Club 被星探發掘，其時她已在演藝界工作，但還未成名，因此棕櫚泉便成為了她荷里活生涯的起點。

裙底風光引來厭女爭議

在二O二一年，棕櫚泉迎來了一尊瑪麗蓮夢露的大型雕像作品《永遠的瑪麗蓮》（Forever Marilyn）。這尊高約 8米，裙襬飄飄的雕像擺放在棕櫚泉市美術館（Palm Springs Art Museum）前、面朝著棕櫚泉市主幹道

然而，這尊雕像卻惹來多方的批評，在「搬遷瑪麗蓮委員會」、婦女遊行基金會（Women’s March Foundation，WMF）眼中，它充斥著剝削女性、厭女的意味。

「這尊 7.9公尺高的瑪麗蓮雕像是設計來讓參觀者從她的雙腿間穿過、看看她的裙底風光，甚至是拍張她屁股的照片取樂」婦女遊行基金會的執行長要求移走雕像：「這尊雕像充滿性別歧視、剝削女性和厭女的意味……。」

另一組織反對雕像，因認為它「玷污」了瑪麗蓮夢露。該組織「永遠的瑪麗蓮」提到，瑪麗蓮夢露「會希望人們視她為一位藝術家，而不只是一個性的象徵」，組織代表說：「我希望瑪麗蓮夢露能以一名藝術家與流行文化代表人物的身份被世人景仰，所以這尊雕像不會是她的最佳代表。」

三年訴訟 終令雕像遠離博物館

事實上，這尊《永遠的瑪麗蓮》雕像的爭議由來已久，二O一一年，它率先在美國芝加哥展出，據報雕像被損毀了三次，並塗上了紅色油漆。芝加哥公共藝術中心認為，這座雕像「具有政治意義、挑釁性意義和性意義」，也被當地人批評為媚俗和色情。

二O一二年，雕像從芝加哥轉移到棕櫚泉市，至二O一四年共在當地展示了 26個月，接著便不斷在全美各地巡迴展示，所到之處皆引發爭議。就連棕櫚泉市美術館的四位歷任館長，也曾多次在當局傳出要將雕像擺在美術館門口的消息後公開反對，批評是「公然的性別歧視」。

縰然反對聲連連，但棕櫚泉市的旅遊業者也願意大砸一百萬美元，在二一年將《永遠的瑪麗蓮》帶當地正因「錢作怪」。當地度假村的董事長聲稱，在以往兩年的展期間，雕像為該市賺進了上百萬美元的收入。

名為「搬遷瑪麗蓮委員會」的組織，由棕櫚泉市具影響力的居民，如時裝設計師 Trina Turk 與收藏家 Chris Menrad組成，曾起訴市政府要求移除該雕像，指雕像的擺放位置非法封閉了博物館路，並阻擋了棕櫚泉藝術博物館的景觀。歷經冗長的法律訴訟後，《永遠的瑪麗蓮》在上年二月終被搬離博物館，遷移至約一百呎外的市中心公園。市府官員表示，新址仍能讓遊客欣賞這件藝術品，同時不會阻擋博物館入口或視野。

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一九八六年，中環滙豐總行大廈啟用，造價五十二億元，是當時全球最昂貴建築。在大廈開幕四十年之際，九十歲建築大師 Norman Foster（霍朗明）來港慶祝。滙豐總行可說種下霍朗明跟香港的緣份，後來的香港國際機場、西九文化區、啟德遊輪碼頭以及紅磡站翻新，皆出自其手筆。滙豐總行大廈至今看來仍未過時，霍朗明解釋，大廈為着未來而設計：「這是在一九七○年代 (末) 推測的未來。

中環滙豐總行大廈底部廣場（Gary Ng攝）

大時代 起高樓

一九七九年，霍朗明建築事務所贏得滙豐總行大廈的國際設計競賽；同年，港督麥理浩到北京向鄧小平提出香港前途問題。往後數年香港被前途未明的陰霾籠罩，滙豐總行大廈的工程就在這個大時代的背景下動工。霍朗明明言大廈工程不止關乎銀行未來發展，也關乎當時的政治環境。「這本身就是一種宣言，一種對未來的宣言，一種對未來樂觀的信念。」

一九八四年，中英落實中英聯合聲明，香港將交還中國，承諾五十年不變；兩年後，滙豐總行大廈開幕啟用，港督尤德出席剪綵。建築物本身好像同樣是一個具象的承諾，滙豐將在九七以後仍然不變。

滙豐總行大廈當時造價逾五十億港元，冠絕全球。回首當時的「天價」，霍朗明覺得用得其所：「當時本地的建築業根本無法達同樣的目標。」滙豐總行大廈的組件預先在英國、美國和日本製造，然後才運來香港組裝。「有一張圖表，上面畫着許多線條，從建築物延伸到世界各地參與建造的國家。這些零件在現場組裝，進而催生香港一個全新的產業。」

滙豐總行大廈興建時留影（Ian Lambot攝）

滙豐總行大廈興建時留影（Ian Lambot攝）

前所未有 永續組裝

「有些建築是革命性的，有些建築則是演變的。」霍朗明認為滙豐總行大廈屬於前者，與傳統建築模式決裂，做從前未做過的事，設計和施工流程構成獨樹一幟的專案。原址上一代滙豐總行大廈在一九三○年代建造，也是從英國預製磚石，運到香港組裝，仍然是傳統建築結構。

霍朗明的滙豐總行大廈的主體結構位於大廈外部，內部毋須以柱子支撐，從而創造出廣闊開放的空間，而且設計成可全棟拆卸，移至別處重新組裝。

主體結構成為滙豐總行大廈的外觀，加上玻璃幕牆，能夠引入充足的天然光。建築本來的核心區域，如服務設施、人流流線等固有結構移至邊緣，樓層更靈活開放，也更容易改變空間後續用途。

地下大堂門朝向南北，空氣流通保持大堂涼爽，節省冷氣。建築也引入了遮陽系統和海水冷卻系統，「最初在這裏出現的環保系統，如今已成為建築業的主流，並被視為理所當然的供暖、製冷和節能方式。」

這方面跟他設計香港國際機場的想法相近：「與自然和諧共處，將以往機場那種令人壓抑的體驗，轉變為擁抱陽光、感受四季更迭，創造出一種渾然天成、自然流暢的氛圍，讓你不會感到壓抑。我認為從人文價值以及科技運用方面來說，機場和滙豐總部大廈完全一致。」

滙豐總行大廈基部的公共廣場現已成為中環重要一部分，平日是上班族流通的通道，周末則是家庭傭工的聚集地，霍朗明設計時特意預留這個公共空間。「我認為任何城市的公共空間都非常重要，這關係到市民的舒適度和生活品質。但這些空間往往也具有象徵意義。在世界上的任何城市，總有一些空間與某個地方建立起象徵聯繫，形成一種身份認同感。」

滙豐總行大廈現今模樣，幾乎四十年不變。 （Gary Ng攝）

滙豐總行大廈現今模樣，幾乎四十年不變。 （Gary Ng攝）

四十年前談的一場「戀愛」

如果有機會重新設計這棟建築，霍朗明表示細節或因建築技術進步而改變，但宏觀概念始終不變：「這將是一座以光線、自然、視野和開放靈活性為核心的建築，它將高層建築的核心元素全部移除，移至側面，並在下方打造開放式空間，使其更具互動性。」

對他來說，建築往往蘊含豐富情感，他期盼的滙豐總行大廈創造一個令人嚮往的工作地點：「不是『天哪，我又要上班了』，而是『哇，我期待着上班』。」他打了個比喻，建築設計就像一場戀愛：「你必須始終保持這種理念，不管是外部還是內部來說，這座建築能夠影響所有接觸到它的人的生活。這是一場戀愛。這是我們的建築。隨着時間推移，人們逐漸把這座建築物當成自己的家。」

九旬建築師霍朗明，四月上旬來港慶祝滙豐總行大廈啟用四十周年。

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